buteco cultural

ACHEI O BAIA

2010-10-14T01:23:00.001-03:00

De tempos em tempos me acontecem descobertas musicais incríveis. Sempre uma melodia toca meus tímpanos e me encanta de uma maneira diferente. No entanto, fazia tempo que isso não acontecia. E mais, não me recordo da última vez em que algo contemporâneo foi capaz de me envolver de verdade. Os sons, a maioria das vezes, pertenciam a artistas consagrados que já haviam embarcado no "trem das sete" ou cuja obra parecia que apenas eu não conhecia. Mas há uma semana, mais ou menos, me encontrei com um lançamento que me conquistou por etapas e, desde que ousei fazer o disco rodar, tenho escutado todos os dias - e pesquisado sobre, conversado, testado.

Como costumo fazer uma vez a cada 15 dias, em média, desbravei a montanha de discos e DVDs que se acumulam na redação. Como critério de seleção, separo vários lançamentos que podem ser interessantes. Às vezes são de artistas que curto ou de alguns que gostaria de conhecer melhor. Outras vezes, é a capa do disco, a cara do artista, os nomes das letras ou os convidados especiais que me fazem tirar um CD da estante. Da última vez, foi tudo isso que fez o tal Baia passar pela minha primeira triagem.

Depois de constatar que ninguém por perto sabia do que tratava aquele material azul, fiquei intrigada. Entregue a todos os pré-conceitos e possibilidades, tinha certeza apenas de que era uma banda de rock com alguma pitada de Zé Ramalho, convidado da quarta música do álbum Baia no Circo. O título denuncia outra coisa que merece ser levada em conta. O show foi gravado no lendário Circo Voador, casa de shows da Lapa, bairro boêmio carioca por onde passaram grandes shows do rock nacional. O selo de uma gravadora forte, a Som Livre, por um lado também dá algum crédito.

As constatações aguçaram tão bem minha curiosidade que arranquei sem dó o Aqualang, do Jethro Tull, do meu toca-discos do carro para descobrir o que era Baia antes de sair do estacionamento do jornal. A primeira música, Eus, desestruturou toda minha desconfiança. Depois de uma linda introdução de guitarra, apareceu a voz abaianada daquele que chamei Baia. As frases, quase recitadas como um cordel-roqueiro, devem ter arrancado um sorriso: "eu peço licença nessa hora, pra mostra a minha arte a minha dor, como tudo que é arte é sem pudor, eu coloco a minha alma para fora". Antes de lhe conceder licença, um rock genuíno, com uma letra inteligente e descontráida, como o gênero demanda, invadiu meu ser roqueiro com ondas sonoras consistentes. Pronto, tive a certeza de que adoraria ter aquele som como companhia na volta para casa.

EUS

Desde que eu nasci tô no conflito
Aflito pra saber porque
Com tanta gente que eu podia ser
Eu nasci eu
Perdido entre sentimentos bons
Pequenos delitos e contradições
Entre a luz e o breu

Molho o pão no café e levo fé
Que Deus é preto e fuma cachimbo
Nasce menino, cresce mulher
Vira fumaça, não tem destino
Brinca de roda, roda nos ventos
Dança na chuva, pois é um índio
E cai no frevo, dança bale
No que imagino
Em tudo o que há, Ele é

Mas eu não sou um só
Não sou só um
Eu também sou milhões de eus
Não sou Deus mas sou Eus

Pois sou eu quem acredita em mim
Sou eu quem me explico
Quando me complico
Eu mesmo atendo as minhas preces
Eu mesmo quem ouço
Os meus próprios gritos

Oh, brother!
Buscando a minha própria conclusão
Oh, brother!
Foi Eus quem quis assim
Oh, brother!
Eus é Deus dentro de mim... Graças a Deus

A letra da música que abre o show eu li na internet na mesma noite, desacostumada a averiguar no encarte do disco. O interessante é que encontrei apenas atribuições a Baia e Rockboys na rede. Por algum motivo, naquela noite, todas as minhas recorrências ao Google trouxeram o Baia acompanhado dos garotos do rock; e nada de informações específicas sobre o cara no estilo Wikipedia. Interessada no som, deixei as pesquisas de lado e me dediquei a ouvir música por música. Na mesma ocasião, também tive a chance de apresentar o som à Gláucia e à Vilhena, numa espécie de teste de audiência. A cotação de Baia esteve totalmente positiva, e continua assim.

Em situações adversas, os colegas críticos de trabalho, amigos de diferentes apetições musicais e namorado avaliaram como "muito bom" este rock inédito. Para mim, que tenho ouvido o Baia no Circo pelo menos duas vezes por dia, este é um álbum completo, e não me assustarei caso se torne um bom fenômeno de sucesso. Tem a mesma característica de álbuns clássicos como Dark Side of The Moon, do Pink Floyd, Mais do Mesmo, da Legião Urbana, Líricas, do Zeca Baleiro, Infinito Circular, dos Novos Baianos, Moving Pictures, do Rush, Holy Diver, do Dio, Black Force Domain, do Krisiun, Back in Black, do AC/DC, Sabbath Bloody Sabbath, do Black Sabbath, Rust in Peace, do Megadeth... É bom do começo ao fim. Um clímax só. Não tem música ruim.

Se pode-se eleger um hit do Baia no Circo, o cargo fica com a balada-rock Habeas Corpus. Mais uma vez, a letra inteligente, de poesia peculiar, fica em primeiro plano, o que acontece em todas as músicas. Como geralmente acontece nas baladas-rock-hits, a história fala de um relacionamento amoroso. Mas não esperem uma aura romântica. "Me ameça quando diz eu vou embora, ora, vá, você tem o direito de ir e vir, mas eu também tenho o meu direito de querer ficar, não precisa pedido de habeas corpus, a porta está aberta", diz o refrão. E eu primo por boas letras.

Em tentativas de definir e comparar o som de Baia, passei por vários nomes. O primeiro deles, Raul Seixas, por motivos óbvios. Além de ambos serem baianos e cantarem parecido, o som deles não consegue receber nenhum rótulo que ultrapasse o simples e puro Rock. O segundo músico lembrado é Zé Ramalho. O paraibano faz participação especial na música Tá Tudo Mudando, e deixa clara a semelhança em estilo de compor/traduzir e cantar. No DVD, Baia confirma que sua voz muito o influenciou. Umas duas pessoas disseram que as músicas de Baia parecem com as de Mombojó. NÃO. Eu to falando de rock.

Um dos poucos materiais escritos sobre Baia na internet desvenda algumas dúvidas como esta, de influências. Em seu site oficial, que resolveu aparecer em meu terceiro dia de busca, sua biografia escrita em 2004 fala da proximidade artística com Raul e Ramalho, e lembra de coincidências com o timbre de Bob Dylan e sua dedicação às letras das músicas. Quando eu finalmente resolvi procurar por Rockboys do YouTube, ao invés de Baia, encontrei uma entrevista do Programa do Jô, de 2008. Dividida nas partes I, II e III, a conversa me adiantou muito na busca por quem, afinal, é Baia. Mais que isso, me entreteu bastante. Vale a pena assistir ao menos para rir das loucas histórias. "A professora, coitada, imatura, que não tinha maturidade para receber minha figura, olhou para minha cara e disse: 'mas o que é isto?', aí eu olhei pra ela, eu realmente não sabia o que era aquilo, eu mesmo, naquele lugar", disse Baia.

A entrevista traz duas informações primordiais. A confirmação, pela boca de Maurício Baia (Olha! Agora ele tem nome!), de que as letras são o ponto central de seu trabalho, e a revelação de que estudava filosofia, o que explica o teor seu sua obra (Coincidência: Raul Seixas também estudou filosofia). Um outro ponto que o programa confirmou foi que Baia é doidão. E isso já diz muita coisa. Porém, a apresentação de Jô, apesar de não dizer ladainha, generaliza além da conta. "Ele é um poeta criativo, lidera uma banda alternativa que mistura sons do nordeste com música americana: Baia e Rockboys", define O Gordo, que perde a chance de desvendar o que há por traz do nome Baia. Acho que a presença de ritmos do nordeste é muito sutil, ao menos neste álbum. Eu diria que ele oferece pitadas de ritmos brasileiros ao rock, o que fornece uma identidade nacional som.

Apesar do Baia ser desconhecido, ao menos nos meios onde investiguei, aqui no centro do Brasil, ele tem mais de 10 anos de carreira. Lançou seis discos, de acordo com seu site. Deles, apenas Overdose de Lucidez (DeckDisc/PolyGram) e 4 Cabeça (Bolacha Discos), além do Baia no Circo (Som Livre), pertencem a algum selo comercial. Os demais, Na Fé, Entrada de Emegência e Habeas Corpus, são independentes. Outra coisa intrigante, é o público cativo na gravação do show Baia no Circo, no Rio de Janeiro. A plateia vibrou e cantou todas as músicas, o que se repetiu nos lançamentos em Curitiba e São Paulo.

Caso o show chegue a Brasília, não tenho certeza se o mesmo acontecerá com o público daqui. Mas, pelo menos eu e a quem apresentei o Baia, estaremos vibrantes diante do palco.

Para matar um pouco a curiosidade de quem a tiver, aqui vai as músicas dele que encontrei com qualidade apresentável: Habeas Corpus e Baia e a Doida . Assim, vocês também podem opinar sobre o trabalho do dito cujo.

A festa de Bregović

2010-09-05T12:55:00.012-03:00

Cantor e guitarrista sérvio-bósnio Goran Bregović arma sua tenda cigana em Brasília para dar início à turnê nacional

O guitarrista e compositor chega ao país com a Orquestra para Casamentos e Funerais

Uma celebração à vida. Esta seria uma das definições para a música de Goran Bregović. No duo com a cantora polonesa Kayah, no clipe de “Prawy Do Lewego”, por exemplo, está tudo lá: o som que contagia, a dança que embriaga, a bebida que celebra. A bordo de um barco cujo destino seria desaguar no fim de uma cachoeira – a não ser que ele voasse –, um grupo de violeiros e violinistas acompanhados de uma fanfarra de sopros oferece um banquete sonoro aos passageiros. Não falta também a fartura gastronômica, tudo junto para criar a atmosfera de uma festa de casamento (não tão convencional). E dá-lhe senhores dançando como crianças, uma noiva (Kayah) que chora após se embriagar e um noivo (Bregović) que encontrou, como um marinheiro prestes a aportar, o amor de sua vida pelas lentes de um binóculo.

Essa é a festa de Bregović, que chega agora ao Brasil. É o casamento entre tradição e contemporaneidade para além dos Balcãs, é felicidade pós-guerra estampada num sorriso com dente de ouro – entre outros bordões que tentam se aproximar de sua mistura sonora. Na companhia da Orquestra Para Casamentos e Funerais, o cantor e guitarrista sérvio-bósnio arma por aqui sua tenda cigana feita de lona de circo para o início de sua turnê nacional. A primeira parada da caravana acontece no encerramento do Cena Contemporânea – Festival Internacional de Teatro de Brasília com show neste domingo (5), às 19h, na Praça do Museu Nacional da República. Daqui, o grupo segue para Porto Alegre, nos dias 8 e 9 de setembro.

O público brasileiro terá a oportunidade de assistir a Brega – como também é conhecido – tecer ao vivo sua colcha de retalhos eruditos e populares feitos a partir da tradição balcânica e da influência cigana. Ao som de 19 músicos, as apresentações da orquestra costumam fazer muita gente dançar, entoadas também por momentos delicados, costurados por um coro de cantoras búlgaras. Assim como sua terra natal, a antiga Iugoslávia, uma região composta por várias partes às vezes desconexas, a arte de Bregović também é, de certa forma, uma interseção entre diferentes mundos. “Minha música é certamente meio ‘Frankenstein’ também. Porque ela está sob influência de elementos que (em outro lugar) seria impossível misturar", afirma. Em entrevista concedida por e-mail ao Cena Contemporânea, Goran Bregović fala também do estrondoso sucesso alcançado com a extinta banda de rock Bijelo Dugme, da arte como instrumento de mudança e da experiência de produzir trilhas sonoras para filmes como “Vida Cigana” (1988), do cineasta Emir Kusturika.

Cena Contemporânea – Você é um compositor contemporâneo dos Balcãs que faz uma mistura de erudito e popular a partir da tradição. Como é a experiência de levar a música da sua terra para diferentes lugares do mundo?
Goran Bregović – Se eu tivesse nascido há cem anos, eu seria apenas um compositor local dos Bálcãs. Mas é bom sentir que o mundo se tornou mais curioso e é bom que milhares de pessoas das grandes culturas musicais, como alemães, espanhóis, franceses, ingleses, desenvolveram uma certa curiosidade em relação à pequena cultura musical balcânica.

O que você procura alcançar com sua música? Que mensagem pretende passar com álbuns como "Alkohol"?
Agora eu estou muito velho e muito distante dos tempos em que – sem vaidade – imaginei que a arte poderia mudar a ordem das coisas. Mas ainda estou muito jovem para perder a esperança! Entretanto, nos tempos comunistas, a arte e os artistas eram muito importantes. Eles foram os únicos que tiveram a possibilidade de introduzir um sistema de valores que se diferenciasse do sistema oficial – sem que, por isso, fossem parar na cadeia (ou quase). A resistência por meio da cultura e da arte era uma grande causa para os artistas naqueles tempos. Quando essa causa desapareceu, centenas de importantes artistas desse tempo desapareceram também. Cultura é um conceito de valores que se refere a princípios nascidos da política. E subcultura é algo que vem da vida. Assim, quando a sociedade mudou, a subcultura, a mais importante instigadora da cultura, seguiu uma direção diferente.

Bregović: "Sinceramente, não me considero um bom compositor para filmes. Nasci muito tarde para ter a oportunidade de trabalhar com cinema no tempo em que ainda se considerava esta a grande arte do século 20" (foto de Nebojsa Babic)

Entrevista - Segunda parte

2010-09-05T12:11:00.011-03:00

Bregović: "O sucesso do meu grupo de rock foi muito grande exatamente porque minha música sempre foi inspirada pela música tradicional e pela inevitável influência cigana" (foto de Stephanie Berger)

Quantas pessoas compõem a Orquestra Para casamentos e Funerais? Qual formação (reduzida ou completa) virá ao Brasil? Farão show de algum álbum específico e também tocarão trilhas sonoras?
Devo ir com minha orquestra, com 19 músicos no palco: um sexteto de vozes masculinas, um quarteto de cordas, mais meus solistas – cinco músicos de sopro, duas vozes búlgaras, um cantor/baterista e eu. Estou muito feliz por estar indo com a formação grande da orquestra porque me dá a oportunidade de apresentar uma variedade maior de músicas. Você ouvirá canções de meu último CD, “Alkohol”; peças da minha ópera “Karmen com um Final Feliz” e o álbum anterior “Contos & Canções de Casamentos e Funerais”, além de algumas velhas favoritas… Mas também devo executar algumas partes de minha liturgia laica, “Meu Coração Tornou-se Tolerante”, e da nova peça “Margot, Memórias de uma Rainha Infeliz”.

Da extinta banda Bijelo Dugme, que misturava rock e música regional, você levou a guitarra para a "Orquestra para Casamentos e Funerais". Você ainda aprecia rock, ouve rock, compõe rock, toca rock?
Eu era o guitarrista principal e – sobretudo – compositor da minha banda Bjelo Dugme. A orquestra com a qual toco minhas músicas agora é a Orquestra para Casamentos e Funerais. Sempre me impressionei muito com a música tradicional. Aos 15 anos, toquei música tradicional como profissional. O sucesso do meu grupo de rock foi muito grande exatamente porque minha música sempre foi inspirada pela música tradicional e pela inevitável influência cigana. Assim, tenho feito praticamente a mesma coisa por toda minha vida. Mas quando eu era mais novo, acreditava que minha música tinha que estar envolvida na vestimenta ocidental que tanto impressionou a juventude dos países comunistas da Europa Oriental. De certo modo, pode-se dizer que sempre toquei a mesma música. Só que antes, eu usava fraldas e agora uso minhas roupas comuns.

Quantas vezes já tocou no Brasil?
GB: Fizemos três apresentações em novembro de 1999, na bela Sala São Paulo, e uma apresentação no Festival Porto Alegre em Cena, em setembro de 2001. Desta vez, não iremos a São Paulo (há planos para janeiro de 2011), mas faremos um concerto em Brasília, no festival Cena Contemporânea, no dia 5 de setembro, e dois shows no Festival Porto Alegre em Cena, dias 8 e 9 de setembro.

Você disse certa vez que a Iugoslávia é a interseção de vários mundos: ortodoxo, católico, muçulmano. Assim como o lugar onde nasceu, sua música é uma espécie de interseção entre mundos diferentes. Como definiria sua música?
A Iugoslávia era um país meio “Frankenstein” – composto de várias partes que às vezes não se encaixavam muito bem. Minha música é, certamente, meio Frankenstein também. Porque ela está sob influência de elementos que, em outro lugar, seria impossível misturar. A Iugoslávia como um país político está perdido para nós, mas permaneceu dentro de cada um como um ente emocional, como um órgão rudimentar que sobrevive à mutação das espécies. Eu diria que minha música é parte desse ente emocional, então, é difícil encontrar uma casa na ex-Iugoslávia que não tenha algum dos meus discos.

Ainda produz trilhas para filmes? Como nasce uma trilha (para um filme de Kusturica, por exemplo)?
Sinceramente, não me considero um bom compositor para filmes. Nasci muito tarde para ter a oportunidade de trabalhar com cinema no tempo em que ainda se considerava esta a grande arte do século 20 e quando compositores – de Stravinsky ao Philip Grass – realmente fizeram música para filmes. Tive sorte, entretanto, de trabalhar com alguns diretores que fizeram filmes com essa ilusão. Mas nos dias de hoje, um filme é só um produto. E como qualquer produto, tudo o que ele precisa é de clichês. Então, posso colocar três ou quatro filmes na minha biografia, mas hoje tenho uma intensa sensação de estar perdendo tempo quando trabalho para filmes.

Quando compus minha primeira trilha, para Vida Cigana, eu era provavelmente a maior estrela de rock do meu país. E fiz aquilo por amizade ao Kusturica. Aquela música foi usada para os filmes, mas nunca foi escrita segundo o método que compositores usam para compor para filmes, o método da ilustração – este existiu independentemente. Hoje, toco minha música da maneira que é escrita originalmente, antes de ter sido adaptada para o cinema. Assim, as imagens não estão organicamente ligadas àquela música.

Duo com a cantora polonesa Kayah, no clipe de “Prawy Do Lewego”: o som que contagia, a dança que embriaga, a bebida que celebra

O Príncipe das Trevas é Pop

2010-08-15T20:06:00.017-03:00

“Diziam que eu nunca escreveria este livro, bom que se fodam porque aqui está ele, agora só preciso me lembrar de algo” é assim que começa a biografia de Ozzy Osbourne - Eu Sou Ozzy (Editora Benvirá) - seguida de um pedido de desculpas por não se lembrar de nada, branco gerado pelo efeito das drogas e do álcool. O livro mostra em 384 páginas toda a trajetória de um dos maiores astros do rock com muito humor- marca registrada do Madman.

Filho de uma famíllia humilde em Birmingham na Inglaterra Ozzy cresceu tendo que conviver com problemas como hiperatividade e dislexia, motivos pelo qual não se saiu bem na escola e acabou visitando brevemente o mundo do crime. Durante muitas tentativas de ganhar dinheiro ele trabalhou em um matadouro de vacas e até em uma fábrica de buzinas mas não permaneceu muito tempo em nenhum dos empregos.

Apesar das dificuldades o Príncipe das Trevas conseguiu se encontrar ao montar uma banda com o fortão da escola, Tommy Iommi. A trajetória do Black Sabbath é contada com muitos detalhes antes não conhecidos pelos fãs como: a saída relâmpago de Tommy para o Jethro Tull e a volta repentina do guitarrista com a ideia que mudaria a vida deles.

É impossível não rir com as histórias estapafúrdias contadas por Ozzy durante a ascensão do Black Sabbath, desde uma bebedeira do cantor que terminou com a morte de suas galinhas- presentes da primeira mulher de Ozzy para ele criar mais responsabilidade - ou a tatuagem feita na palma da mão com a palavra “thanks” para economizar nos cumprimentos.

Apesar de já serem famosos os incidentes com o morcego e os pombos “devorados” por Ozzy é interessante saber das histórias contadas por ele, que confessa se arrepender de muitas coisas feitas durante sua vida mas não as esconde. O livro que permaneceu meses na lista dos mais vendidos do New York Times promete conquistar até quem não conhecia o cantor.

Ozzy Osbourne se revela uma pessoa única, cheia de bebedeiras homéricas em uma vida regada à drogas e rock n´roll mas também mostra uma faceta de homem comum, que se preocupa em envelhecer perto da mulher, cuidando dos filhos e dos cachorros.

Buteco Cultural

2010-08-07T03:30:00.003-03:00

Vasculhando arquivos eis que encontro:

Da penumbra para a luz

2010-07-27T23:50:00.009-03:00

Com direção do espanhol Borja Ruiz, grupo Kabia apresenta em Brasília dois espetáculos criados sob a sombra da companhia Gaitzerdi Teatro

Cena de “Dizer chuva e que chova”, obra inspirada no imaginário poético do escritor basco Joseba Sarrionaindia (foto: Borja Relaño)

Investigar novas linguagens cênicas é um dos papéis que a companhia espanhola Kabia deve à escola Teatro-Estúdio do mestre russo Constantin Stanislavski (1863-1938), criador do que talvez seja o primeiro laboratório teatral da história, em 1905. Na época, para fazer frente a um aplaudido – porém fossilizado – teatro que tinha como base o naturalismo, Stanislavski fundou uma extensão experimental de seu famoso Teatro de Arte de Moscou. Apesar do fiasco da experiência diante dos espetáculos bem sucedidos da companhia principal (os testes sequer foram apresentados), lançava-se uma das principais características da investigação teatral do século 20: as escolas secundárias como abrigo para trabalhos alternativos ao teatro comercial.

Na penumbra do sucesso da companhia Gaitzerdi Teatro, os atores do Kabia - Espaço de Investigação Dramática, formado em 2006, encontrariam no projeto secundário a intimidade necessária para que criassem suas obras livremente, sem que tivessem a sensação de serem observados ou julgados. É o resultado da ideia de “sombra”, como abrigo para a criação, que o grupo de Bilbao mostra, a partir de 25 de agosto, na programação do Cena Contemporânea 2010 - Festival Internacional de Teatro de Brasília.

Braço experimental da Gaitzerdi – companhia principal dirigida por Kepa Ibarra, criada em 1988 –, o Kabia tem apostado no teatro como resultado da incursão por ambientes em que a experimentação é permitida e levada às últimas consequências. Sem a intenção de emular os grandes artistas, os atores são estimulados a indagar e reeducar-se na arte do teatro. Uma das linhas de atuação propostas pelo espaço, por exemplo, é o constante treinamento do ator, que explora diferentes matérias e linguagens (como acrobacia, clown, biomecânica, antropologia teatral, balé e até canto coral) para ampliar suas capacidades corporais, vocais e mentais.

O grupo espanhol que leva o teatro experimental às últimas consequências em cena de “Dizer chuva e que chova” (foto de Susana Elejalde)

Linguagem experimental
O grupo chega ao país com dois espetáculos dirigidos pelo jovem encenador vanguardista Borja Ruiz, primeiro a receber o Prêmio Internacional Artez Blai de Investigação sobre as Artes Cênicas pelo estudo “A arte do ator no século 20 – Uma viagem teórica e prática pelas vanguardas” (2008), em que compila e compara as teorias da arte da atuação. Ruiz, que também tem no currículo trabalhos como ator para a Gaitzerdi desde 2005 (entre eles o premiado “Otsoko”, de 2008), assina “Dizer chuva e que chova” (2010), obra com livre inspiração no imaginário poético do escritor basco Joseba Sarrionaindia, também conhecido como Sarri. No elenco, Juana Lor, Iosu Florentino, Ane Pikaza, Joseba Uribarri, Karol Benito e Yolanda Bustillo.

Responsável por projetar o nome da companhia que tem renovado a cena teatral com sua linguagem experimental, o espetáculo de estreia do grupo espanhol é outro dos grandes destaques da programação do Cena Contemporânea 2010. Com a intérprete Juana Lor, “Paisagem com Argonautas” tem inspiração num poema do pensador alemão Walter Benjamin, feito a partir de um quadro de Paul Klee, em que um anjo pego pelo vento não pode voltar atrás para desfazer as atrocidades cometidas no mundo. Na peça, o infortunado anjo protagoniza texto homônimo do dramaturgo alemão Heiner Müller sobre os argonautas, lendários heróis gregos que viajaram na mitológica nau Argo em busca do velocino de ouro.

Serviço

Cena Contemporânea 2010 — Festival Internacional de Teatro de Brasília
De 24 de agosto a 5 de setembro, na Praça do Museu Nacional da República e em vários teatros no DF. “Paisagem com Argonautas”: dias 25 e 26 de agosto, às 19h, no Teatro Garagem. “Dizer chuva e que chova”: dias 27 e 28 de agosto, às 21h, e dia 29 de agosto, às 20h, na Sala Martins Penna do Teatro Nacional. Ingressos: R$ 16 e R$ 8 (meia). Informações: 3349-3937. Não recomendado para menores de 14 anos.

Fotografando o espetáculo

2010-07-16T09:29:00.006-03:00

Fotos: Fred Cintra. Cenas de A obscena Sra. D / Cena Contemporânea 2009

O Espaço f/508 de Fotografia, em parceria com o Cena Contemporânea 2010 – Festival Internacional de Teatro de Brasília, promoverá a partir do dia 02 de agosto o Curso de Fotografia de Espetáculos. Os alunos terão acesso à programação do festival, que servirá como plataforma para as aulas práticas. O curso destina-se a fotógrafos e interessados de modo geral que tenham interesse na cobertura de peças de teatro, dança, circo e shows.

Esta parceria propiciará ao aluno a experiência direta e a possibilidade de formação de portfólio, dificuldades recorrentes para quem quer se dedicar a esse segmento da fotografia.

Em 2010, o Cena Contemporânea chega à sua décima primeira edição, com uma programação diversificada, que inclui espetáculos nacionais e internacionais, oficinas, seminários, projeções, festas e grandes shows ao ar livre.

Pré-requisito:
Os pré-requisitos visam ao melhor aproveitamento dos participantes. Para participar é necessário ter domínio de fotometria e possuir equipamento DSLR, além de teleobjetiva zoom (aconselhável no mínimo 70-200mm).

Horário:
Aula teórica - Segunda: 19h às 20h30
Aula prática – Festival Cena Contemporânea

Duração: 02 de agosto a 20 de setembro
Total de aulas teóricas: 08
Carga horária: 12h/aula

Período de matrículas: até 26 de julho

Professor
Humberto Lemos. Fotógrafo há mais de 25 anos, atuou no mercado de fotografia publicitária e de shows do Rio de Janeiro, atendendo a grandes clientes como White Martins, Shell, Coca-cola, Souza Cruz, Bradesco Seguros e junto às maiores gravadoras do Rio. Foi fotógrafo exclusivo do Free Jazz Festival para a Souza Cruz (Rio e São Paulo). Cobriu shows de importantes músicos, como: Sonny Rolins, Chet Baker, Pat Metheny, Bob McFerrin, Chick Corea Electric Band, Take 6, Nina Simone, Sarah Vaughan, Grover Washignton Jr., Stanley Jordan, Miles Davis, David Sanborn, Spyro Gyra, Art Blakey, Yellow Jackets, John Mayall, John Lee Hooker, George Benson, Ray Charles, Wynton e Branford Marsalis, entre vários outros.

Programa:
.Diferentes posturas para espetáculos de dança, teatro e shows;
.Equipamentos utilizados;
.Análise da iluminação do espetáculo;
.Balanço do branco (temperatura de cor), auto-foco/foco manual, escolha da velocidade do obturador, abertura do diafragma, ISO, “puxadas”;
.Seqüência de imagens;
.Momento do clique;
.Bastidores, ensaios e cena;
.Fotos de bandas/grupos;
.Análise das fotos produzidas.

Certificado.

Investimento: R$ 500,00
Valor com desconto para pagamento à vista: R$ 400,00 (em dinheiro ou cheque)

Dúvidas freqüentes

Como os alunos terão acesso aos espetáculos?
O Cena Contemporânea irá liberar convites para os espetáculos, conforme seleção da equipe, os quais serão distribuídos pelo f/508 aos alunos, de forma que cada um possa cobrir o mínimo de 03 eventos. Dada a complexidade do trabalho e em respeito aos espetáculos, serão selecionados 02 alunos por evento, a serem estipulados pelo f/508.

O acesso será gratuito?
O acesso já está incluso no valor do curso.

Há alguma regra sobre a divulgação das imagens?
O Cena Contemporânea poderá fazer uso das imagens, desde que exclusivamente vinculado à divulgação do festival e com os devidos créditos atribuídos ao autor. Os alunos poderão utilizar o material produzido em suas páginas pessoais, sem restrições, reforçando um dos objetivos do curso que é possibilitar aos participantes a formação de portfólio.

As aulas serão todas às segundas?
As aulas teóricas serão sempre às segundas e as práticas, distribuídas ao longo da semana no festival.

Cronograma
02/08: Aula teórica - show
09/08: Aula teórica - teatro
16/08 : Aula teórica – dança
23/08: Orientação e sorteio dos espetáculos
24 a 29/08: Prática no Cena Contemporânea
30/08: Aula teórica/ análise do material produzido
31/08 a 05/09: Prática no Cena Contemporânea
06/09: Aula teórica/ análise do material produzido
11/09 (sábado): Prática – Foto de divulgação de banda/grupo – locação externa
13/09: Aula final/ Apresentação de Portfólio

Mais informações:
Tels.: 61. 3347 3985 / 8414 8926
e-mail: fotoclubef508@gmail.com

(Fonte: Fotoclube f/508: http://www.fotoclubef508.com)

Valquírias Midiáticas

2010-06-18T13:17:00.003-03:00

Livro mostra tragetória de sete jornalistas na defesa dos Direitos da Comunicação.

Enquanto a categoria se mobiliza pela obrigatoriedade do diploma, os jornalistas José Marques de Melo e Francisco de Assis lançam o livro "Valquirias Midiáticas" (Editora Arte e Ciência), com a luta de sete mulheres ícones na atuação acadêmica do jornalismo.

O livro mostra a trajetória de Adísia Sá, Anamaria Fadul, Cremilda Medina, Lucia Santaella, Maria Immaculada Vassallo de Lopes, Sonia Virgínia Moreira e Zélia Leal Adguirni. O título do livro, Valquírias Midiáticas, remete à primeira revista feminina do Brasil - Walkyrias -, lançada na década de 1930 pela jornalista-empresária Jenny Pimentel de Borba, época da Constituição de 1934, que garantiu o direito de voto à mulher e que a incentivava a tomar consciência de seu papel de cidadã.

Quem são as Valquírias Midiáticas?

Adísia Sá - cearense, foi primeira mulher a integrar uma redação de jornal, a Gazeta de Notícias, em 1955. Foi a primeira repórter policial feminina, primeira mulher sindicalizada no estado do Ceará e fundadora do Curso de Jornalismo da Universidade Federal do Ceará.

Anamaria Fadul - pesquisadora da comunicação no Brasil e América Latina, foi presidente da Sociedade Brasileira de Estudos Interdisciplinares da Comunicação (INTERCOM) de 1983 a 1985. Analista da qualidade das escolas de Comunicação e o papel da televisão na sociedade brasileira.

Cremilda Medina - portuguesa de nascimento, a jornalista foi uma das pioneiras no curso de jornalismo da Universidade Federal do Rio Grande do Sul (UFRGS) e teve destaca atuação na mídia paulista - Jornal da Tarde, Tv Bandeirantes, Tv Cultura - e na vida acadêmica na Universidade de S.Paulo.

Lucia Santaella - uma das principais referências nacional e internacional sobre estudos da Semiótica, com atuação de estudos em Tecnologia e Cibercultura pela PUC-SP, foi articulista de artes e literatura do Jornal da Tarde. Suas pesquisas de semiótica integram as tendências em artes tecnológicas.

Maria Immaculata Vassallo de Lopes - acadêmica da USP nos anos 60, estuda a influência das comunicações populares na vida comunitária. Foi presidente da Intercom, de 1995- 1997.

Sonia Virginia Moreira - formada pela Universidade Gama Filho (RJ), atuou na Rádio Jornal do Brasil durante a ditadura. É pesquisadora de comunicação em rádio. Autora do livro - Rádio Nacional- o Brasil em sintonia.

Zélia Leal Adghirni - acadêmica da Universidade de Brasília (UNB), destaca-se pelo estudo do papel do jornalista no contexto do século XXI. Atuou na imprensa marroquina nos anos 80 e trabalhou nas sucursais dos jornais Zero Hora e O Estado de S.Paulo nos anos 90.

Valquírias Midiáticas

Organizadores - José Marques de Melo e Francisco de Assis
335 páginas
Preço: R$ 64,00
Editora Arte e Ciência

Isabella Encantadora

2010-06-18T13:07:00.002-03:00

A cantora e compositora Isabella Taviani traz para Brasília o repertório do CD “Meu coração não quer viver batendo devagar”, lançado em 2009. Serão duas apresentações, nos dias 18 e 19 de junho, sexta e sábado, às 21h, no Teatro Oi Brasília, pelo Projeto “Encantadoras”. "É maravilhoso retornar a Brasília participando de um projeto que já trouxe tanta artista bacana a esta terra! Com um nome deste, o projeto tinha que ser um sucesso!", enfatiza Isabella.

Sobre Isabella Tavianni

Quem conhece Isabella Taviani entende bem o nome de seu novo álbum. A cantora e compositora de sucessos como “Digitais”, “Luxúria” e “Diga sim pra mim”, gosta de emoções fortes e agora se arrisca em parcerias com amigos. “Meu coração não quer viver batendo devagar” tem 14 faixas, sendo que 13 levam sua assinatura, como o primeiro single “Presente-passado”. A única música que não é de sua autoria ou coautoria é “Sob medida”, de Chico Buarque, gravada por ela especialmente para a novela “Caminho das Índias” e que entrou neste CD como faixa bônus.

Produzido por Rodrigo Campello e Jr Tostoi (MiniStereo), o álbum é a base do repertório deste show. Além dos sucessos anteriores e o novo single, estão garantidas as músicas “Eu não moro na sua vida” (Isabella Taviani e Dudu Falcão), “Argumentos da vida” (dela com Jorge Vercillo), “Arranjo” (dela com Zélia Duncan) e “Depois da chuva” (Isabella, Jorge e Zélia).

Projeto Encantadoras

Reunir cantoras consagradas e abrir espaço para novos talentos, que ocupa parte da programação do Teatro Oi Brasília no primeiro semestre. Iniciado em 2009, Encantadoras já trouxe a Brasília Fernanda Abreu, Zélia Duncan, Maria Gadú, Paula Tesser, Bruna Caram, Ana Costa, Ana Ratto.

Serviço: Isabella Taviani. 18 e 19 de junho, no teatro Oi Brasília (SHTN Trecho 1, conjunto 1B, bloco C, no Hotel Alvorada Tulip ). R$40 (meia). Classificação: 14 anos.

A cultura da cachaça

2010-06-18T01:54:00.003-03:00

Eu estava vendo umas fotos de uma amiga que viajou por Minas Gerais e encontrei uma imagem muito explicativa. Como estamos no Buteco Cultural, acho que esta sabedoria tem extrema relevância para nosso papo. Compartilhemos:

A verdade sobre o divino

2010-06-15T19:00:00.005-03:00

Depois de pouco mais de uma hora de apresentação ao lado da banda Pandemonium, Seguei, ícone do rock'n'roll desde os anos 60, mostrou à Brasília que é o seu estilo louco, mítico e despojado que o mantém como o Divino do Rock. Não era preciso estar suficiente bêbado, como eu, para entender isso. Serguei não canta como antes.

A apresentação aconteceu pouco depois das 1h da manhã, no dia 11 de junho, na nova casa de shows América Rock Club, em Taguatinga. Aos 76 anos, as mesmas roupas e os mesmos cabelos bagunçados, o divino se recusou a receber alguns fãs para fotos e autógrafos. Alguns comentavam com tristeza, outros nem notaram.

Custei um pouco para conseguir ouvir a voz de Serguei. Somente na terceira música ele mesmo notou que seu microfone estava praticamente desligado. Sua voz era frequentemente ofuscada por André Ribeiro, vocalista da banda Pandemonium. Apesar dos pesares, ele não parava no lugar. Corria de um lado pra outro e, tenho que confessar, seu jeito desengonçado é encantador.

A apresentação foi satisfatória. Todos queriam deixar o rock rolar. E ele rolou.

Já ouvi, posso morrer III

2010-06-13T20:59:00.015-03:00

Fazer uma lista dos 10 mais de nossa carga musical é uma tarefa árdua. Os hits de nossas vidas estão aqui, ali, acolá... Juntar os pedaços como um quebra-cabeça imenso. Desde que nosso querido Felipe iniciou a sessão, venho pensando nas possibilidades que geram outras e outras tantas. Minha lista não é da mais eclética. Na verdade, o ecletismo me causa uma certa urticária. Por isso, vamos falar do velho rock'n'roll.

10 The Police - Outlandos d'Amour (1978)

Este é o álbum de estréia da banda. E, como podemos perceber, Sting nasceu para ser rebelde. Sua vontade de polemizar o fez escrever Roxxane, a história de uma prostituta: "Roxanne, você não tem que se despir sob as luzes vermelhas". Apesar da polêmica, Outlandos d'Amour é um álbum animado acima de tudo. Vale a pena conferir.

9 Legião Urbana - Uma Outra Estação (1997)

Este álbum de tão triste virou póstumo. Foi lançado um ano depois da morte do líder da Legião Urbana, Renato Russo. De todos os amores que tive, Renato foi o mais intenso. Digo por ser amor de infância. De tanto amor fiz, muitas vezes, de suas dores as minhas. Uma Outra Estação mostra que, da voz cansada da morte, muitas dores podem se tornar poesias eternas.

8 Kiss - Kiss (1974)

Mais um álbum de estréia de banda. Nada me tira da cabeça que o bom é o inovador. O Kiss apareceu de cara pintada e salto alto. Gene é um grande líder, mas a melhor voz é, sem dúvidas, de Paul. E é dele também a autoria das melhores músicas desse álbum, como Firehouse e Black Diamond.

7 Megadeth - So Far, So Good... So What? (1987)

Dave Mustaine foi expulso, sem explicação, de uma curta temporada como guitarrista do Metallica. Surgiu então com sua nova banda: o Megadeth. Com um vocal extremamente particular, chegou firme pela disputa de um espaço nos anos de ouro do Thrash Metal. So Far, So Good... So What? é o terceiro e mais sonoro disco da banda. Conta com um cover dos Sex Pistols e uma bela homenagem para Cliff Burton (morto em 1986) com a canção In My Darkest Hour.

6 Iron Maiden - Poweslave (1984)

Steve Harris e Bruce Dickinson fizeram um trabalho marcante e excepcional para o Heavy Metal mundial. O baixista e o vocalista do Iron Maiden souberam bem como unir técnica a uma boa história. Tenho que fazer considerações especiais para duas músicas: Powerslave, que dá nome ao álbum; e Rimme of the Ancient Mariner. Ouvi ambas as canções ao vivo por duas vezes e ainda sinto arrepio só de lembrar.

5 Morbid Angel - Altars of Madness (1989)

Outro álbum de estréia na minha lista dos melhores. Agressividade, força e muita loucura. Poucos dias depois que nasci, o Morbid Angel lançava essa preciosidade do Death Metal. Sujo e blasfemo, do jeito que o estilo tem que ser. Ótimos riffs de guitarra e um vocal arrasador.

4 Pink Floyd - PULSE (1995)

A escolha desse álbum para a minha lista se dá por um único motivo: a impossibilidade de escolher o melhor álbum do Pink Floyd. Já que me meti num labirinto onde todas as entradas te levam para um paraíso, decidi que o PULSE merece essa posição. Se não há como decidir o melhor, ponha todos os bons em um só. O destaque fica com a encatadora voz de David Gilmour.

3 The Clash - London Calling (1979)

Falo de Punk, penso logo em London Calling. Nada dos anos 70 supera esse disco. A criatividade e a aposta na missigenação de estilos, dentro do rock'n'roll, deixou uma marca irreversível no meu coração. O London Calling é simplesmente o suprassumo do Punk Rock sem a mínima dúvida.

2 Misfits - Walk Among Us (1982)

Depois de descobrir que o bom Punk é aquele com influências reais, pude entender também que Punk perfeito é feito com horror. A bizarrice que cerca a banda Misfits define perfeitamente a quem a banda veio falar. Glenn Danzig apostou em uma nova proposta, agradeço por isso. Para Walk Among Us, só posso fizer uma frase: Mommy, can I go out and kill tonight?

1 Dio - Holy Diver (1983)

Obrigada, Dio.

Deixem Ela Entrar

2009-12-07T15:08:00.018-02:00

Let the right one in
Let the old dreams die
Let the wrong ones go
They cannot
They cannot
They cannot do what you want them to do

Morrissey, Let The right One Slip In.

Apesar de ser muito medrosa com filmes de suspense/terror eu resolvi arriscar e assistir Deixa Ela Entrar (Låt den rätte komma in) quando o vi na capa do Cineplayers. A sinopse não é uma das mais atraentes - histórias de amor com vampiros já foram exploradas demais – bom, isso era o que eu pensava.

O filme sueco - já começa por aí - não é qualquer romance adolescente, ele trata de assuntos sérios. O suspense conta à história de Eli, uma garota de 12 anos, branca, de cabelos longos e escuros, e vampira. A menina se muda para o prédio ao lado de Oskar, um menino da mesma idade, que sofre com constantes assédios - físicos e morais de seus colegas de escola.Eli e Oskar apesar de serem somente crianças, são personagens responsáveis pela parte mais humana da história.

Eli é representada como uma figura romântica, assim como a maioria dos vampiros, e também de forte personalidade. A garota ajuda Oskar a enfrentar seus medos e nunca esconde dele o que é de verdade. O menino que sofre com a exclusão na sua escola é frágil e demora para entender o que se passa com sua “namorada” mas cede e se entrega ao quu sente por ela.

Mesmo lidando com temas sérios, como a morte, vista de perto já que Eli precisa se alimentar e isso desencadeia em uma série de assassinatos na cidade, a obra consegue passar muito mais que tensão. Com um ritmo lento, mas nada cansativo, o filme é cheio de cenários únicos, sombrios e com cores frias, mas belos ao mesmo tempo, eles só perdem a sobriedade nas cenas mescladas de sangue - que ao surgir na tela se destaca de todo os outros elementos.

Deixa Ela Entrar é baseado no livro do John Ajvide Lindqvist, que também assina o roteiro. Uma curiosidade se deve ao nome do filme, que ganhou esse batismo graças a um dos trechos da música favorita do autor: Let The right One Slip In, de Morrissey, que diz: “Eu diria que você tem todo o direito de dar uma mordidinha na pessoa certa e dizer. O que fez com que você demorasse tanto?"

Muito mais do que uma história de amor adolescente, ou um filme clássico de vampiros, Deixa Ela Entrar é uma obra-prima que trata da solidão e do companherismo de maneira esplêndida. O amor e carinho que existe entre os dois garotos mostram que para enfrentar alguns desafios na vida é possível ter ajuda, e que não há nada errado nisso.

Já ouvi, posso morrer II

2009-11-30T15:22:00.017-02:00

Parece, mas não é uma tarefa fácil. Primeiro vem uma pré-lista, um pré-ranking. “Opa, faltou esse. Tira aquele.” Quase um mês depois, aí está mais uma lista de álbuns obrigatórios. Eclética? Sim. Bandas, duplas, grandes encontros que mudaram a história da música – mundial e brasileira.

10 Gotan Project – La Revancha Del Tango (2001)

Somente a mistura entre um francês, um argentino e um suíço seria capaz de dar origem a um trabalho inovador como esse. La Revancha Del Tango é a materialização do experimentalismo do trio cosmopolita que toca tango com arranjos eletrônicos. Disco irresistível para as horas vagas do dia.

9 The B-52s – Time Capsule (1998)

Sou contra coletâneas, mas esta não poderia faltar. Os B-52s existem desde 1976 e Time Capsule reúne o que a banda de visual psicodélico e futurista fez de melhor ao longo de todos esses anos. Além das clássicas Private Idaho e Love Shack, o disco tem músicas irreverentes com letras impagáveis como Strobe Light e Legal Tender.

8 Limp Bizkit – Chocolate Starfish and the Hot Dog Flavored Water (2000)

Um adolescente compra um disco de músicas pesadas com o aviso “Contém Letras Explícitas” e pensa: “sou diferente de todos”. Com o passar dos anos, aquilo parece pouco em meio a toda a produção musical mundial. Mesmo assim, Chocolate Starfish fica na memória. Desde as melancólicas, como It’ll be Ok, às mais ácidas, como Livin’ it Up.

7 Nirvana – Nevermind (1991)

O grunge não seria a mesma coisa sem Nevermind. Todos sabem disso. E é por isso que o disco faz parte do TOP 10 de muita gente pelo mundo afora. Sem mais comentários e sem menosprezar as demais faixas, registro aqui as preferidas: Smells Like Teen Spirit (óbvio), In Bloom, Lithium e Polly.

6 Secos e Molhados – Secos e Molhados (1973)

É do Brasil ditatorial que surgiram os trabalhos mais fascinantes. Nesse cenário, o compositor João Ricardo juntou-se a Ney Matogrosso e Gerson Conrad. Pintaram os rostos, vestiram roupas extravagantes e decidiram rebolar para o país. Por detrás do gingado, a coragem de criticar o regime militar em músicas como Assim Assado e Primavera nos Dentes.

5 Franz Ferdinand – Franz Ferdinand (2004)

Alternativo, oitentista e geek. Assim pode ser definido o trabalho do Franz Ferdinand. A banda é formada por escoceses de Glasgow que, neste álbum, vão do indie ao pop. Destaque para: The Dark of the Matinee e This Fire. Vale lembrar que Take me Out já consta como uma das músicas mais populares da primeira década dos anos 2000.

4 Ney Matogrosso e Pedro Luís e a Parede – Vagabundo (2004)

A arte de Ney encontra a criatividade de Pedro Luís e resulta em Vagabundo. Sofisticado, o disco é um culto à música brasileira de qualidade. Letras engajadas (Seres Tupy e O Mundo), faixas cômicas (Napoleão), versos poéticos (Noite Severina) e regravações históricas (A Ordem é Samba e Transpiração). Seleção imperdível e para todos os gostos.

3 Daft Punk – Discovery (2001)

Em tempos áureos das chamadas festas rave, não esqueçamos a verdadeira música eletrônica de artistas como Daft Punk. A dupla de franceses mascarados fez um trabalho de peso, que inclui ícones como One More Time, Digital Love e Harder, better, faster, stronger. As faixas de Discovery deram origem também ao longa Interstella 5555, baseado em animações japonesas.

2 Os Mutantes – Tecnicolor (1999)

No auge do sucesso, em 1970, Rita Lee e os Mutantes gravaram Tecnicolor, em Paris. O projeto saiu da gaveta somente em 1999, quando a gravadora Universal decidiu lançá-lo. Vieram à tona versões em inglês de músicas já conhecidas, como Panis et Circenses e Baby. Há espaço ainda para a balada progressiva I’m Sorry Baby, para as brasileiríssimas Adeus, Maria Fulô e She's My Shoo Shoo (A Minha Menina) e para a psicodélica Bat Macumba.

1 Green Day – Dookie (1994)

Quando lançaram Dookie, os californianos do Green Day eram a aposta do punk rock. Quem acreditou estava certo. As faixas deste álbum viraram verdadeiros hinos para adolescentes revoltados dos anos 90. Músicas sobre masturbação e falta do que fazer (Longview e Basket Case), dor de cotovelo (When I Come Around), entre outros assuntos e um bônus com All By Myself em uma versão amadora. Disco agressivo, marcante, inesperado e obrigatório.

Já ouvi, posso morrer

2009-11-06T23:25:00.002-02:00

O post da vez é pra abrir a série 10 álbuns que já ouvi, posso morrer (rs)*, na qual TODOS os editores do buteco cultural deverão contribuir - na verdade, nem todos foram consultados e o nome dado a isso foi meu, mas acredito que vai variar em cada listinha.

Tudo começou num dia random dessa semana, quando eu, a Glaucia, o Lucas e a Vilhena estávamos conversando sobre nossos gostos musicais no horário (chuvoso) de almoço. Então tivemos a (nada original) idéia** de postarmos aqui listas comentadas dos álbuns que mais marcaram nossas vidas (snif).

Como os três ficaram com preguiça de iniciar a miséria, já que isso implicaria em também estabelecer um padrão para os posts, fui obrigado - sob a ameaça de ter cigarros apagados na minha cabeça - a ser o primeiro.

E COMO foi difícil apontar apenas 10 álbuns, gente! Foi difícil, foi injusto, mas foi bem legal.

A seguir, os discos mais importantes da minha vida (pelo menos até ontem, quando achei um tempinho pra elaborar o negócio):

10 John Coltrane - A Love Supreme (1965)

Talvez o trabalho mais cultuado do deus John Coltrane. E, certamente, não é para menos. São quatro faixas de uma das gravações mais importantes da história do jazz (leia-se: música). Acknowledgement, Resolution, Pursuance, Psalm. Pura elegância e magnificência.

9 Sigur Rós - Ágætis byrjun (1999)

De início, não precisei nem ao menos entender o significado das letras, porque o ambiente proporcionado por instrumentos e vozes já parece dizer tudo. Som atmosférico, etéreo, feito para elevar a alma. Um trabalho delicado, doce e confortante. Mágico, para resumir. Starálfur é um encanto.

8 Miles Davis - Seven Steps to Heaven (1963)

Eu poderia colocar o Kind of Blue aqui, mas o trabalho do Miles desta posição foi o que me fez realmente gostar do jazz nunca enfadonho e sempre criativo desse trompetista genial (e essencial). O instrumental de I Fall In Love Too Easily (cuja interpretação de Chet Baker é absurdamente linda e sentimental, uma das minhas coisas favoritas dentro do jazz), a faixa mais cool do disco, é divino.

7 Sylvia Telles, Lúcio Alves & Roberto Menescal - Bossa Session (1964)

Ouço sempre com um sorriso largo no rosto. O que vou dizer vai parecer ridículo, mas esse é o álbum mais alegre e divertido que os meus ouvidos já tiveram o prazer de apreciar. A must, mesmo para quem não gosta de bossa nova.

6 Pavement - Crooked Rain, Crooked Rain (1994)

O álbum aqui colocado em sexto é um lo-fi impecável, embalado pela voz inconfundível de Stephen Malkmus (no meu ranking mental de melhores vozes masculinas de rock, só fica atrás de Jeff Buckley), e ainda um marco na cena indie dos anos 90. Aliás, um marco não, o marco, o melhor álbum indie da última década. Elevate Me Later e Gold Soundz não saem nunca mais da minha cabeça. Fillmore Jive, Newark Wilder e Range Life são composições primorosas.

5 Astrud Gilberto - The Astrud Gilberto Album (1964)

A minha iniciação na bossa nova se deu pela voz da Astrud Gilberto. Ela não teve (tem) o vigor de Elis Regina e Nara Leão, ou a delicadeza de Sylvinha Telles (e olha que a Astrud é sensível, viu...), mas é dona da voz feminina que mais me encanta. Nunca vou me esquecer da sensação maravilhosa que tive quando da primeira audição da faixa inicial, Once I Loved. Tive uma súbita certeza de que o restante do álbum seria de uma leveza, de uma singeleza que me marcariam para sempre.

4 Radiohead - Ok Computer (1997)

Foi aqui que eu conheci a minha banda favorita. À primeira audição, desconforto. Após umas dez, a constatação (clichê, quase todos os reviews já disseram, dizem e vão dizer isso, mas aí vai, em palavras minhas): um dos cinco, dez melhores álbuns de rock da história. Let Down, talvez, a canção da minha vida (arrepiei). E Climbing Up the Walls (meu tema stalker, hehe), a mais visceral, sinistra e belamente sombria que já ouvi. A inventividade do Radiohead aqui é algo magistral.

3 Bob Dylan - Blood on the Tracks (1975)

Talvez não seja, melodicamente falando, o melhor trabalho do Dylan. Mas é um vindo da alma de um dos maiores poetas musicais vivos. ALERTA: Simple Twist of Fate, Shelter from the Storm e You're Gonna Make Me Lonesome When You Go podem levar você às lágrimas. Apaixonante.

2 John Coltrane - Coltrane Live at Birdland (1964)

Basta dizer que Afro Blue, Alabama e I Want to Talk About You são as músicas instrumentais de jazz da minha vida, sem exageros. A última faixa citada é arrepiante. E vivo cantarolando loucamente trechos desse álbum por aí. Coltrane foi (é) o maior.

1 Radiohead - The Bends (1995)

Enérgico, melancólico, vibrante. O álbum que reúne tudo aquilo que o Radiohead tem de melhor, num equilíbrio lírico e musical que inexiste em qualquer outro trabalho da banda de rock mais importante dos últimos 20 anos. Amo cada faixa do disco, até mesmo (Nice Dream) e Sulk, underrated ao extremo.

*Quem quiser (noobs) fazer download (ilegal, claro) dos discos deve pedir via comentário.
**Só pra deixar registrado que eu NÃO aderi ao Acordo Ortotrágico.

Um filme-verdade sobre a fossa

2009-10-15T22:27:00.002-03:00

A melhor distribuidora de filmes indie do momento, a Fox Searchlight (para citar alguns que aprecio: Apenas uma vez, Pequena Miss Sunshine, Quem quer ser um milionário? e Terra de sonhos), entrega mais um exemplar irresistível.

É (500) Dias com ela ((500) Days of Summer) - apresentado recentemente aos brasileiros-cariocas no Festival do Rio -, um dramedy construído à maneira de Amnésia, no qual um sujeito mezzo cool, mezzo loser, Tom Hansen, se apaixona por uma cativante jovem de enormes olhos azuis, Summer Finn. E ela - que não acredita em amor, paixão, alma gêmea e todas essas coisas - não.

A princípio, a simplicidade da história, que não traz nada de muito original às comédias dramáticas ditas indie, pode enganar os desavisados - ou seja, aqueles que nem ao menos se deram ao trabalho de assistir ao trailer. O roteiro bem amarrado e criativo da dupla Scott Nustadter/Michael H. Weber se utiliza de uma narrativa não linear, na qual os eventos envolvendo o casal Tom/Summer são mostrados de forma desorganizada, deliciosamente desorganizada. Os 500 dias de amor, desamor, carícias e brigas aparecem na tela sem compromisso com a ordem cronológica dos fatos. Tal dinamismo também é visto no direção das cenas, costuradas pelo novato diretor Marc Webb. O ritmo musical do filme não é à toa. Webb vem da escola de videoclipes.

O visual vívido, enérgico concebido pela diretora de arte, Laura Fox, também é protagonista num filme em que os dois atores principais, Joseph Gordon-Levitt e Zooey Deschanel, estão em absoluto estado de graça. A cena do elevador, em que ambos confidenciam o gosto por The Smiths (foto: Divulgação), o amasso na sala de xerox, a sequência musical em que Tom, um graduado em arquitetura mas escritor de cartões, vai para o trabalho com um enorme sorriso no rosto depois da primeira noite com Summer (esqueci de dizer, ela é assistente do chefe de Tom)... Enfim, são cenas e mais cenas com atuações honestas e sinceras, que servem à uma história cheia de sensibilidade - em contrapartida, o elenco de apoio é fraquíssimo, coisa rara em dramedies.

No fim, (500) diz o que poucos romances, sejam eles indies ou não, ousam dizer: nem sempre é possível amar e ser amado, e a vida deve continuar.

E o filme explicita isso com tanto charme, clareza e energia que saí dele parcialmente destruído, parcialmente esperançoso.

Profecia do fim do mundo

2009-10-04T15:36:00.013-03:00

Marlon Maciel
Especial para o Jornal de Brasília

A distorção das guitarras da faixa Noche De Los Muertos abre o álbum dos argentinos em clima apocalíptico de um filme de horror B, com zumbis a vagar entre ruas e carros destroçados de uma cidade-inferno. Apesar do panorama caótico, uma calmaria rock'n'roll pós-tempestade (Día De Los Muertos) permite a presença de uma pegada pop com vocais melódicos ensolarados (El Último Sereno). Em um dos melhores momentos do disco, a segunda faixa, El Día Del Huracán, oferece a trilha sonora para a cena do fim do mundo. "Viajando pelo céu azul, esperando o armageddon, você e eu / Contando que sabemos aos que morrerão / Seu cabelo ruivo flutua ao vento do tufão que tudo destruirá esta noite", fataliza a letra. O tema aqui é a morte, que finaliza a trilogia que explorou o nascimento (Navidad de Reserva, 2005) e a vida (Un Millón de Euros, 2006). Uma cruel profecia do fim de tudo? Existe luz antes dos créditos ao final do filme.

Serviço – Día De Los Muertos (2008); El Mató A Un Policía Motorizado; Faixas: 7; Gravadora: Laptra; Importado; Quanto: R$ 25, em média

PS.: Fãs de Mutantes e Legião Urbana, os hermanos do El Mató A Un Policía Motorizado, cujo nome foi inspirado numa fita de terror, integrou o duo de headliners internacionais da última edição do Porão do Rock junto com os americanos do Eagles of Death Metal.

Ao infinito e além

2009-09-24T16:43:00.007-03:00

Quem tem saudade de convencido astronauta Buzz Lightyear e suas brigas com o Cowboy Woody tem um motivo pra comemorar - O Cineclick acaba de anunciar que os dois filmes Toy Story (1995) e Toy Story 2 (1999) serão exibidos em versão 3D nos cinemas brasileiros a partir de 26 de fevereiro de 2010. Além da novidade para os fãs da saga dos brinquedos, um pequeno vídeo também foi divulgado pela Pixar em que os personagens do filme se veêm em versão 3D.

A estratégia é aquecer os fãs para a continuação do longa animado mais famoso ( e melhor na minha opinião) dos estúdios Pixar. Toy Story 3 deverá ser lançado no Brasil em 18 de junho de 2010.

O fim da adolescência

2009-09-16T14:51:00.008-03:00

Por Gláucia Chaves

Esqueça os riffs barulhentos, o vocal revoltado, as letras de protesto e a bateria insana: prometido para 20 de setembro, "Backspacer" traz um novo Pearl Jam, centrado e maduro

Mesmo para os que (como eu) só tiveram a oportunidade de curtir o movimento grunge através da MTV e CD's roubados do irmão mais velho, é quase consenso que músicas como "Alive", "Black" ou "Do the evolution" são faixas obrigatórias na playlist de qualquer rockeiro que se preze. Mas os berros de Eddie Vedder transcenderam a geração noventista e conquistaram também as que vieram em seguida, compondo a trilha sonora perfeita para o período em que os hormônios -- sempre eles! -- transformam doces crianças em revoltados dispostos a acabar com o sistema: a adolescência.

Entretanto, a fase das espinhas um dia acaba. Com o começo da vida adulta, os hormônios sossegam e surge a necessidade natural de quebrar os grilhões e perseguir a tão sonhada independência. Após 19 anos de "moshes" e guitarras quebradas, o Pearl Jam resolveu, finalmente, crescer. Para marcar a nova fase, os ex-grunges juntaram suas coisas, fizeram as malas e saíram de casa: cancelaram o contrato com a gravadora J Records e resolveram apostar no voo solo.

Como de praxe, trabalho já está disponível na internet. A novidade para os politicamente corretos que optarem por comprar em lojas virtuais é que o CD terá também uma edição especial, em LP. Junto com o vinil, os fãs levarão um livro de 24 páginas produzido em conjunto com o ilustrador Tom Tomorrow, cujas tirinhas são publicadas em mais de 90 dos mais importantes jornais dos Estados Unidos e Canadá, como o The New York Times, The New Yorker e The Economist.

Muito mais introspectivo que seu antecessor "Pearl Jam", de 2006, "Backspacer" é o espelho da fase atual dos músicos: casados e pais de família, ficaram sem o mesmo pique para músicas barulhentas e politizadas. Curto e grosso (o CD não dura mais que 37 minutos, divididos em 11 músicas), o novo trabalho dos conterrâneos do Nirvana prova que o fim da adolescência não é, necessariamente, uma coisa ruim.

Onde encontrar:

iTunes Music Store
Coalition of Independent Music Stores

Veja a lista de músicas de "Backspacer":

Gonna See My Friend
Got Some
The Fixer
Johnny Guitar
Just Breathe
Amongst the Waves
Unthought Known
Supersonic
Speed of Sound
Force of Nature
The End

MPB do contra

2009-09-06T12:30:00.007-03:00

Marlon Maciel
Especial para o Jornal de Brasília

O compositor catarinense Carlos Careqa dedica as 14 canções inéditas deste sexto álbum a São Paulo – cidade que o recebeu de "faróis abertos". "Moro lá na roça, onde tudo é devagar", trecho da letra de Feltro no Ferro, fala sobre uma espécie de alterego. Nas fotos que ilustram o encarte, um homem com cabeça de cavalo passeia pelas ruas da metrópole, toma tranquilamente um café, vai à loja de discos à procura de um som, descansa deitado num banco público. É como se, sob a pele do cantor e compositor, um animal interiorano e solitário estivesse tentando se achar (e se adaptar) em meio à velocidade da selva urbana. A situação nonsense é traduzida na mistura de ritmos da moderna e não convencional MPB de Careqa. Momentos interessantes como o samba Canção de Ninar Para Uma Madrugada Insone (Thadeu W./Carlos Careqa) se alternam com outros nem tanto, como em Fantasias, monocórdico com Fernando Vieira e Camilo Carrara. Destaque para as participações das cantoras Mônica Salmaso (28 (vinte e oito)) e Tatiana Parra (Isso Passará, que inicia-se com voz de Mario Quintana a declamar seu Poeminha do Contra).

Serviço – Tudo que Respira Quer Comer; Carlos Careqa; Gravadora: Barbearia Espiritual Discos; Quanto: R$ 25, em média

Um filme sobre o afeto

2009-08-28T11:09:00.015-03:00

Belmonte estreia em Brasília seu quarto longa, o premiado Se Nada Mais Der Certo

Marlon Maciel
Especial para o Jornal de Brasília

"O público se interessa por bons atores". A frase do montador Frederico Ribeincher é citada pelo cineasta José Eduardo Belmonte para confirmar um dos critérios levados em consideração pela equipe de Se Nada Mais Der Certo (2008) para a escolha dos atores que compõem o elenco de seu nono filme, quarto em longa-metragem, que estreia hoje na cidade. Como pode ser constatado em produções anteriores, como A Concepção (2005) e Meu Mundo em Perigo (2007), o elenco é uma das forças motrizes do cinema de Belmonte.

Com Cauã Reymond (melhor ator no 19ª Cine Ceará), João Miguel (Estômago, 2007), Luiza Mariani e Caroline Abras (melhor atriz no Festival do Cinema Brasileiro de Paris e no último Festival do Rio), Se Nada Mais Der Certo conta a história de quatro jovens que se unem para dar um golpe.

Apesar das diferentes formações dos nomes cotados, Belmonte afirma que nunca trabalhou com um elenco "tão bom e bem entrosado"; e analisa que o resultado final ficou "orgânico". "São atores que não estão para o cacife de um filme de baixo orçamento", declara o diretor que tem dois atores do elenco principal (Reymond e Miguel) como produtores associados do longa.

Em entrevista no 19ª Cine Ceará, no início do mês, o produtor do filme Ronaldo d’Oxum (que há quatro anos produz filmes com Belmonte, desde Meu Mundo em Perigo), contou que, apesar das dificuldades em função do baixo orçamento, conseguiram realizar o filme "da melhor maneira", por exemplo em relação "à escolha certa" do elenco e da equipe técnica.

Belmonte relata que queria fazer um filme sobre o afeto, em "diálogo honesto" com o que viu e conviveu. "Quis transformar tudo isso numa narrativa atraente sobre pessoas que estão à margem, que estão na fronteira, mas que podem atravessá-la", esclarece.

O mote para a construção do roteiro do longa (que acumula prêmios de melhor filme em festivais no Rio de Janeiro, Ceará e Paris) surgiu de situações por quais passou e presenciou. "A arte é uma construção, uma abstração. Não é a vida. A vida real é muito chata e já disseram que ela como é não daria um bom filme", observa o cineasta.

Para ele, Se Nada Mais... e A Concepção compartilham referências e "dialogam muito", por exemplo, em relação à temática dos dramas da sociedade brasileira urbana. "Enquanto Concepção é mais clipe, Se Nada Mais... tem uma dramaturgia mais clássica. Mas os dois retratam pessoas de classe média que estão à margem e tentam se achar no sistema".

Honestidade
Sobre uma crítica publicada na imprensa que sugeriu que o diretor preferiu o risco de incomodar o público com seu longa mais recente, e perguntado se é uma preocupação se fazer entender pela plateia, Belmonte respondeu que não busca agressão com seu cinema. "Quem busca agredir é Cláudio Assis (Amarelo Manga, 2003, e Baixio das Bestas, 2007)", brinca.

Os filmes de Belmonte, segundo sua própria perspectiva, buscam ser honestos. O diretor afirma que não vai "maquiar o que não é" e resume tal honestidade em relação ao público e a si mesmo na ideia de "não corromper ou ser corrompido". "Quero que (meus filmes) nasçam do que eu e os atores queremos contar".

É óbvio para o cineasta que suas produções procuram estabelecer um diálogo com o público. "Não acho bacana filme muito hermético ou autista", ilustra. Entretanto, Belmonte aponta um "grave problema" de distribuição nacional dos filmes que afasta o público (em Brasília, o filme está em cartaz apenas no Cine Academia 2).

Sobre a estreia de Se Nada Mais Der Certo na cidade onde mora, Belmonte diz que "queria muito que o longa fosse visto aqui e causasse interesse". E lamenta o fato de a capital do País ter sido uma das piores praças para produções suas como A Concepção, com menor público e faturamento em relação a São Paulo e Goiânia, por exemplo.

Outras faces de Cora

2009-08-20T15:50:00.005-03:00

Nos 120 anos de seu nascimento, biografias reconstituem algumas das "histórias reais" da poetisa goiana

Marlon Maciel
Especial para o Jornal de Brasília

Alguns dos mitos e mistérios a respeito da personalidade por trás do pseudônimo da poetisa goiana Cora Coralina (1889–1985) não foram totalmente esclarecidos. Mas parte deles ganham novas visões na ocasião de seus 120 anos de nascimento, completados hoje e comemorados no festival Cora Viva Coralina, aberto ontem na Cidade de Goiás, sua terra natal localizada a 320 km de Brasília.

As biografias existentes sobre a mulher que se tornou uma das principais personagens da história do Estado de Goiás parecem não dar conta do retrato fiel de Ana Lins dos Guimarães Peixoto Bretas, nome de batismo de Cora. No entanto, uma série de lançamentos literários buscam lançar luz sobre vida e obra de Coralina e deixar esse panorama menos obscuro – já que, até em seu estado de origem, boa parte do público não conhecia toda sua história.

Um deles é Cora Coralina: Raízes de Aninha (Ideias & Letras), fotobiografia lançada no Museu Casa de Cora Coralina, que passa atualmente por reforma e atualização literária. Por meio de documentos e fatos reais, os autores Clovis Britto e Rita Elisa Seda procuraram reconstituir a vida da menina, moça, dona de casa, mãe, sertaneja, cozinheira, literata e doceira (atributo que ela dizia valorizar mais que o de poetisa). "Na verdade, a sua biografia está sendo escrita agora", diz a presidente da Associação Casa de Cora Coralina, Marlene Vellasco.

Em versos como "Eu sou a terra milenária, eu venho de milênios / Eu sou a mulher mais antiga do mundo, plantada / E fecundada no ventre escuro da terra", do poema A Gleba Me Transfigura, constata-se o teor autobiográfico da criação coralineana. Ao estudar a fundo com Rita Elisa o vasto material, Britto conta que descobriu mais sobre a personalidade da artista pelas "meias confissões" de Coralina ao longo de sua obra, a partir das quais revelaram "as outras metades".

"Ela morou a maior parte do tempo aqui, na antiga Vila Boa de Goiás. E em cada cidade que morou, deixou marcas e ações de muitas dessas outras Coras, como a ambientalista, a política (que subiu em palanque para discursar) e a social (que fundou instituição filantrópica)", argumenta. Entre os volumes existentes, que buscam reconstituir o
passado de Coralina, Britto cita Cora Coragem Cora Poesia, escrita pela filha Vicência Bretãs Tahan (que lança, em breve, um livro-tributo com receitas), com uma biografia
romenceada – "sem determinada preocupação documental e que não pretende ser a verdade", segundo Britto.

Fascinante e mitológica
Paulo Sales, um dos netos que mais conviveu com Coralina, conta que conheceu a avó quando menino, nas visitas que ela fazia a São Paulo para ver a família. Entre as principais lembranças da infância estão as conversas nas quais trocavam ideias, inclusive sobre poesia. "A Cora que vai sair dessa biografia – cujo trabalho de pesquisa profundo se utiliza de documentos que estavam adormecidos – é muito mais rica e fascinante do que imaginávamos. Não se trata daquela velhinha que começou a publicar depois da terceira idade. Aos 17 anos, por exemplo, ela publicava e, alguns anos mais velha, era considerada uma das maiores escritoras goianas", comenta.

O segundo lançamento memorial a Cora, Moinho do Tempo – Estudo Sobre a Obra de Cora Coralina, dos organizadores Clovis Britto, Maria Eugênia Curado e Marlene Vellasco, é um trabalho sobre a vida e a trajetória da poetisa, descendente de bandeirantes. "Ao resgatar outras Coras, a publicação busca suprir uma lacuna existente entre a poetisa e a doceira, ao seguir um novo viés, que traz a interpretação da Cora mitológica", afirma Britto.

Quem foi Cora Coralina?

2009-08-20T15:37:00.005-03:00

"Uma mulher muito à frente de seu tempo. Sua trajetória contempla a história de Goiás e do País em torno das mulheres brasileiras, tanto das interioranas como as das capitais. Cora sintetiza coragem. Sua obra não é previsível. Pode-se pensar que vai encontrar queixumes de uma senhora, mas sua obra é forte, crítica, irônica" – Clovis Britto, organizador bibliográfico

"Uma pessoa de todas as épocas e lugares, cuja mensagem não tem data marcada. Ela fala do passado, do presente e do futuro. Ultrapassa limites de espaço e tempo" – Paulo Salles, neto

Teatro brasiliense presta seu tributo

2009-08-20T13:55:00.007-03:00

A série de ações de resgate em torno do festival que comemora 120 anos da poetisa Cora Coralina incluem apresentações musicais, espetáculos teatrais, recitais, oficinas e roteiro gastronômico com pratos dedicados a ela. Nas artes cênicas, duas trupes de Brasília estão na Cidade de Goiás, onde prestam seu respeito à obra da desbravadora goiana.

Adaptadação do livro Os Meninos Verdes, a peça infantil homônima da Cia Voar de Teatro de Bonecos reflete sobre a aceitação do desconhecido, ao contar a história de
duas plantas que geram pequenas criaturas verdes. A segunda homenagem
brasiliense, Flor de Beco, do grupo Teatro do Inconsciente, tem inspiração nos poemas e contos de Cora e Monteiro Lobato, que retrataram situações e personagens típicos do interior do Brasil.

Além do festival na Cidade de Goiás, que tem entre os destaques um show do cantor e compositor Zeca Baleiro, autor de Meu Amor, Minha Flor, Minha Menina, em reverência a Coralina, está na agenda das homenagens aos 120 anos a exposição
Cora Coralina Coração do Brasil, a ser aberta no dia 28 de setembro, no Museu da Língua Portuguesa, na Estação da Luz, em São Paulo, para onde Cora migrou
após deixar Goiás, em 1911.

A presidente da Associação Casa de Cora Coralina, Marlene Vellasco, chama a atenção para o incentivo à leitura a partir da exposição abrigada pelo museu. "Cora estudou até a 3ª série e teve uma professora. Foi através da leitura que conseguiu publicar seus livros", acrescenta.

Os eventos em comemoração aos 120 anos de nascimento da poetisa e doceira podem ser vistos como forma de valorizar a identidade do povo goiano, a partir do resgate da
vida e obra de um de seus maiores ícones histórico-culturais. "Esse é o primeiro passo para resgatar a história de vida de outros escritores, não tão celebrados, e que possuem muitos aspectos não conhecidos pelo grande público", observa o organizador biográfico Clovis Britto.

Reconstituição
Segundo Vellasco, a filha Vicência Bretas e o neto Paulo Salles tiveram papel fundamental na disponibilização pública do material reunido a partir de acervos pessoais – caso das certidões de nascimento e de casamento, que estão entre o material inédito. "Abrimos o baú junto à família de Cora", explica a presidente.

Vellasco conta também que Coralina, uma mulher forjada pela dureza da vida, chegava a receber turistas em sua Casa Velha da Ponte, às margens do Rio Vermelho, mas que não gostava que dirigissem a ela certos tipos de perguntas consideradas não pertinentes (um dos motivos de ser relacionada por alguns à imagem de uma senhora "sem educação"). "Na verdade, era uma mulher que tinha um temperamento forte. Era muito decidida. Teve uma vida difícil. Era muito realista", conta a presidente que, por volta de seus cinco anos de idade, estabeleceu contato pessoal com a doceira que gostava, em particular, de jovens e crianças, sobre os quais dizia passarem para si uma energia positiva.

A presidente garante que as pessoas que visitam diariamente o Museu Casa de Cora Coralina sabem quem ela foi e procuram conhecer a fundo sua obra. "É emocionante acompanhar as pessoas que chegam à casa. De crianças a idosos, muitos chegam aqui para visitar ‘a casa da Cora’ – e sabem quem ela é. A maioria compra livros depois", conta.

Ela revela que algumas pessoas choram "e se realizam" dentro da casa, tomadas pelo sentimento de desprendimento que o ambiente pobre e suas ricas poesias inspiram. E avisa aos que não conhecem o lugar rústico e imaginam encontrar lá um imponente museu: "A riqueza da casa está na literatura, na poesia. A grandiosidade do museu está na simplicidade, na xícara quebrada, no pratinho no qual ela comia".

Para Clovis Britto, colaborador das duas publicações recentes, que também participa como palestrante da mesa-redonda "Dentro e Fora de Cora – A Natureza em Coralina, amanhã, a atualidade da obra da goiana reside no fato de Coralina reescrever a história oficial a partir da poesia, segundo ângulos como o marginal (se identificava com crianças abandonadas e prostitutas, por exemplo) ou o da juventude (ao se perguntar, por exemplo: "Será que sou velha?"). "Seu trabalho é muito atual também quando fala da importância do novo, das novas ideias. Por trás de suas metáforas, Cora Coralina nos traz ensinamentos", salienta.

Esquenta Porão do Rock

2009-08-10T14:34:00.005-03:00

As seletivas do Porão do Rock acontecem nesse próximo fim de semana(15 e 16 de agosto)na Torre de TV. Serão 16 bandas que se apresentarão nos dois dias disputando quatro vagas para o festival que será realizado nesse ano, de 18 a 20 de setembro. Algumas bandas farão participações especiais na abertura e encerramento do evento como Autoramas (RJ), Raimundos (DF), Ratos de Porão (SP). Os shows começam ás 19h no sábado e às 18h no domingo. A entrada é franca.

Bandas concorrentes: Blazing Dog, Bootlegs, Cassino Supernova, Dias de Um Futuro Esquecido, Gonorants, Hellena, High High Suicides, Kanela Seka, Misty Mountain, Mostarja, Na Lata, Ranka, Rhevange, River Phoenix, Soatá e Terno Elétrico.

Participações especiais: Autoramas (RJ) e Raimundos (DF) (no sábado), Ratos de Porão (SP) e Krisiun (RS) (domingo).

De volta aos 80`s

2009-08-09T16:57:00.014-03:00

Nessa última quarta-feira faleceu John Hughes, um dos cineastas norte-americanos mais conhecidos dos anos 80. Você pode até não lembrar dele de nome, mas com certeza todos nós já assistimos algumas de suas obras. O diretor de filmes vespertinos, como “Curtindo a vida adoidado” que justificava qualquer falta no colégio e “Garota de rosa-choque” com a talentosa Molly Ringwald e o carismático (e lindo) Andrew McCarthy, jamais será esquecido. Hughes e seus filmes high school serão relembrados por toda uma geração.

Para não deixar em branco a data, compartilho o trailler de um dos meus filmes favoritos do diretor e escritor."O Clube dos Cinco" é uma das poucas histórias que consegue mostrar quase que fielmente o que é ser jovem e as barreiras enfrentadas para se encaixar (ou não) em um grupo, e que ser adolescente, é difícil em qualquer época.

Cultura de Violência e sensacionalismo no Profissão Repórter

2009-08-05T09:55:00.008-03:00

Por Vinícius Borba

Profissão Repórter faz reportagem sensacionalista sobre violência em São Sebastião

No dia 28 de julho, terça-feira, foi ao ar mais uma edição do programa Profissão Repórter, da Rede Globo. Neste “episódio”, o tema era a violência de gangues na periferia de Brasília. E para tristeza da comunidade, a cidade foi retratada como um “Faroeste Caboclo”, além da citação de “Cidade Mais Violenta do DF”, com base em dados da Polícia Civil. “De toda forma, mesmo que a informação não esteja incorreta, a reportagem tem que atender a um princípio de pluralidade”, diz o professor do Departamento de jornalismo da Univeridade de Brasília(UnB), Luiz Martins.

Mostrarem as dificuldades e problemas da localidade não seria problema se os jornalistas tivessem também publicado os movimentos de cultura de paz aqui existentes. Não, não. O importante e destacado mesmo foram as marcas de bala nas paredes e relatos pobres de jovens marginais querendo aparecer na TV. O Tribuna de São Sebastião entrevistou um dos jovens que aparecem na reportagem para saber como foi a abordagem dos globais. E descobrimos o que eles realmente estavam atrás em São Sebastião. Eles queriam sangue!

Sarau dentro da escola. A equipe do Profissão esteve lá, mas nem comentou

Foto Vinícius Borba

Onde ficou a cultura de paz?
O programa é chefiado por Caco Barcelos, jornalista famoso no país. A equipe que veio era composta por Felipe Gutierrez e Caroline Kleinübing.Eles estiveram em visita ao Centro Educacional(CED) São Francisco, onde entrevistaram personagens como a Diretora Leisa Sasso e alguns estudantes. Apesar de serem formados, os repórteres não conseguiram, durante todo o dia algum relato mais contundente, mostrando a violência ou algum envolvimento dos alunos. Naquele dia, 10 de julho, estavam sendo encerradas as aulas no prédio provisório do CED São Francisco. A escola inteira seria logo transferida para o novo prédio construído no bairro de mesmo nome da escola. Naquele exato dia os alunos estavam se despedindo da escola. E fizeram para tanto um grande Festival Cultural, com circo, sapateado e muita arte. Mas o Profissão Repórter não publicou nada sobre a arte ali apresentada. Pelo contrário. Isolou dois alunos de sapateado num canto -- enquanto o sarau rolava atrás deles -- e começou um interrogatório duro e seco. Só se mostrou a cultura de violência. A cultura de paz foi jogada ao vento.

O interrogatório

“Eles perguntaram como era minha atuação em gangues, só por que eu moro na quadra 202. Foi constrangedor. Queria falar sobre os projetos da escola. Mas eles retomavam a discussão sobre violência. Eles são péssimos. Deviam voltar para a faculdade”, disse Gleiton Soares, 20 anos, aluno do CED São Francisco. Ele também alega que os repórteres induziam constantemente as respostas dele e dos outros entrevistados. Segundo Gleiton, de tudo que eles disseram sobre paz e cultura dos jovens da cidade, o Profissão só publicou os pequenos trechos sobre gangues, ignorando o outro lado da questão.

A diretora, Leisa Sasso, diz ser frustrante uma equipe de reportagem passar dois dias dentro de uma escola com projetos diferentes para envolver os alunos longe da violência, não mostrar praticamente nada e ainda tratá-los como marginais. “É uma minoria que faz estes crimes, nós não somos esta violência. A cidade fica estigmatizada como um todo”.

Foto: Herick Murad

B-boy e palhaço, o aluno Diones também é grafiteiro.

Na matéria, sobre arte nem um ai!

Cidade toda paga o preço

Para o professor Luiz Martins, da UnB, no Brasil atualmente há, paralelo à criminalidade, outro movimento. “O que acontece no Brasil hoje é que por toda a mobilização dos movimentos sociais da sociedade civil, é que ao lado da cultura de violência existem ações de cultura de paz, e pelo que se viu no programa não foram mostradas e isto já caracteriza uma tendência, uma parcialidade”, disse o professor. São Sebastião sem nadaO programa Profissão Repórter tem um blog na internet, pelo qual seus jornalistas comentam as reportagens. Carol Kleinübing, a repórter que esteve em São Sebastião e participou do grande sarau organizado na tarde em que ela esteve lá, relata sobre a experiência de andar pela cidade, segundo ela, "de norte a sul, de leste a oeste". Afirma não ter visto nenhuma boa oportunidade para solucionar as dificuldades da comunidade. E ainda diz também ter perguntado a todas as pessoas por quem passou e entrevistou se haviam opções de lazer, cultura ou esporte, tendo tido como resposta que a cidade "Não tem nada", de todos os jovens do local.

Neste relato, ela demonstrou o quanto se equivoca e é parcial, ao pintar um "inferno" numa cidade com bons equipamentos públicos. Há alguns anos até poderíamos afirmar o que ela diz, mas hoje em dia não. A repórter andou pelo Prédio Provisório do CED São Francisco. Ele fica dentro do CAIC, no centro da cidade. Pois, em frente ao CAIC existe uma linda praça, com bancos, playground(parquinho infantil com areia) e árvores de sombra. Um local que já foi palco de saraus e shows. Que foi recentemente palco do 16º Aniversário da comunidade. Asfaltado e bem urbanizado, com calçadas e faixa de segurança. Diz ela, "Sempre achei que a primeira e mais eficiente alternativa no combate às influências ruins fosse a oferta de oportunidades boas. Reforcei minha lógica depois de conhecer São Sebastião. Andamos por todas as quadras,de norte a sul, nos extremos leste e oeste, e não encontramos praças, nem bancos, nem quadras de esporte. Também não existe cinema, nem teatro".

A estrutura inexistente ou a cegueira proposital?
Lista de equipamentos e manifestações culturais relatados em comentário à seu texto no blog do Profissão Repórter. Quem relatou foi Eduardo Nunes, músico e morador local. Com base em informações da Administração Regional de São Sebastião:

10 praçasAulas de musica para iniciantes semanal;
aulas de música para músicos semanal;
oficina permanente de circo;
01 brinquedoteca que funciona diariamente e atende 200 crianças;
Evento de rap periódico- hip hop solidário - que acontece bimestralmente;
01 fórum de entidades que reúne cerca de 40 entidades do terceiro setor que se reúne mensalmente;
Artistas premiados em teatro e música;
10 campos de futebol, sendo 04 iluminados e 01 com grama sintética de uso gratuito e mais 05 com grama sintética particulares;
02 ligas desportivas que promovem campeonatos semestrais há anos.
06 kits malhação com circuito inteligente pensado por especialista em educação física;
08 quadras de esporte;
02 ginásios de esporte;
01 Sarau que é realizado mensalmente há sete anos, com teatro, música, poesia, dança, artes plásticas, vídeos, etc.
20 Grupos de Dança;
01 evento de rock que é realizados a cada dois meses;
01 grupo de catira;
01 escola de samba;
05 quadrilhas juninas premiadas no concurso regional;
10 playgrounds de uso gratuito espalhados pela cidade;
05 campos de futebol de areia de uso gratuito espalhados pela cidade;
01 vila olímpica em fase final ( a maior do DF);
01 parque ambiental com vários equipamentos públicos em construção;

Em jornalismo é prática corrente desconfiar de informações oficiais e checá-las à exaustão a fim de confirmar um dado. Num jornalismo preguiçoso, publica-se qualquer coisa sem apuração. Nesta situação, Carol escreveu texto falando da falta de uma infra estrutura básica na cidade. Não procede.

Polícia em ação
Vale ressaltar que recentemente as polícias, civil e militar, fizeram grande a Operação Tsunami II, que prendeu quase 50 envolvidos com crimes na nossa localidade. E que nos últimos anos só há alguns períodos isolados onde ocorrem incidentes entre os grupos rivais. Não estamos no Rio de Janeiro.

Arte em segundo plano. Cultura de paz também

Caco: meu conterrâneo me decepciona
Assisti na Universidade de Brasília(UnB) uma grande palestra, num projeto chamado Diálogos Universitários. Foi em 2008 ainda, Caco Barcelos discursou sobre uma constatação de seus anos de jornalismo investigativo. Falava sobre a Cultura de Violência que aflige nossa sociedade. Na palestra, ele defendeu que há uma cultura de violência em nossa sociedade, com base em estatísticas sobre a quantidade de homicídios por armas de fogo na capital paulista. Segundo a pesquisa, somente 4% dos assassinatos à mão armada na capital da garoa são cometidos por criminosos com real envolvimento marginal. Naquele período de pesquisa exposto por Barcelos, 20% das mortes "à bala" foram responsabilidade de policiais. E concluiu dizendo que os demais 76% dos crimes desta natureza são feitos por supostos cidadãos comuns, em situações inesperadas e tal. E justifica isto como sendo a cultura de violência que impera em nosso meio social violento, mostrando também o alto índice de pessoas que aceitariam práticas de tortura contra bandidos presos para obtenção de informação. Fiquei pasmo com aquela palestra. Fiquei fã do editor chefe do Profissão depois disto.

Não esperava a edição dada à matéria sobre as gangues no DF. Vamos sobreviver. Nossa comunidade já sofreu de estigmas piores como a cidade com hantavirose, recordista de dengue e mais nviolenta do DF. E que para a projeção de meia dúzia de jornalistas fomos mais taxados ainda. A opinião pública da comunidade é diferente do que este programa refletiu e gostaríamos muito de mostrar o outro lado da moeda, a nossa cultura de paz. Já fui muito orgulhoso de saber inclusive que Caco era gaúcho. E um cara de origem simples, não sei se de favela, não sei se ele já teve o sentimento de "perifa", de pertencer a um lugar. Tomara que ele se lembre disto quando edite suas matérias sensacionais. São Sebastião não vai se esquecer.

Comecei a estudar jornalismo por causa de profissionais de classe média como estes, que falam de coisas das quais não entendem e que mesmo vendo e convivendo com as realidade de comunidades tão ricas quanto esta não conseguem transpor o sentimento de um local. Presos ao factual, pontual. Vem com uma tese fechada só para ilustrar e não constatar quais são os fatos in loco. Abram-se para se surpreender com o que encontram senhores comunicadores. Consegui bolsa de estudos por meu mérito e vou me formar. Trabalho com jornalismo comunitário e pretendo muito poder dar voz às favelas pelos nossos próprios meios. Nossa resposta será dada em voz alta e bom ton. Ninguém precisará mais pôr palavras na boca de nossos jovens ou pintar o inferno para parecer correspondente de guerra em início de carreira e se projetar. Tomara!

Música, alimento para a alma

2009-07-31T18:37:00.008-03:00

De nome novo, Joyce Moreno tem quatro discos lançados este ano

Em Slow Music, cantora carioca pretende despertar o ouvinte para uma fruição tranquila de bons alimentos musicais (Foto: Leo Aversa)

Marlon Maciel
Especial para o Jornal de Brasília

Quem é a cantora Joyce Moreno? Foi a pergunta que não quis calar até cinco minutos depois de um "Google" num dos computadores da redação. Seria uma iniciante em busca de espaço para demonstrar seu talento? Na busca pelos primeiros dados para compor essa matéria, o site Joyce Moreno deu a resposta.

Para matar a charada, uma dica ao leitor: tire o "Moreno" e fique com o "Joyce". Sim, estamos falando da cantora, violonista e compositora carioca cujo sucesso veio em 1980 com a música Clareana, com Maurício Maestro, no Festival de MPB. Um "Ah, é a Joyce!" logo veio à cabeça do repórter ao lembrar daquela doce figura de cabelos pretos curtos e lisos.

Como a própria me explicou, Joyce passou a adotar, adicionar e assinar o nome civil (que inclui o sobrenome "Moreno" do marido e baterista Tutty) nos trabalhos a serem realizados e divulgados a partir desse ano. Ela esclarece que estava cansada de sempre usar apenas o primeiro nome.

Outro motivo para a escolha, segundo ela, é o fato de que "Joyce" é um nome muito comum no exterior – ou "nada raro" em suas palavras. Dado o grande sucesso no exterior (Moreno acaba de retornar da primeira turnê pelo Canadá), a troca também representa uma estratégia para que os estrangeiros possam identificar e localizar, de maneira mais fácil, a cantora – por exemplo na internet, sem ter que digitar "Joyce+cantora+brasileira" no Google.

De forma direta ou indireta, o novo nome faz referência à sua origem brasileira. "Embora venha da Espanha, 'Moreno' virou um nome baiano aqui", ri a carioca de 61 anos que lançou, aos 20, seu primeiro disco homônimo, na época, apenas Joyce (1968).

Além do novo nome, o ano de 2009 também trouxe uma maré de lançamentos para a cantora. Moreno teve quatro discos lançados, "todos eles em territórios diferentes". O achado Visions of Dawn, na foto, era uma espécie de LP perdido – cujas seções de gravação aconteceram no ano de 1976 em Paris – e que só foi resgatado esse ano pelo selo londrino Far Out Recordings.

Com participação do percussionista Naná Vasconcelos e do produtor, arranjador e multiinstrumentista Maurício Maestro, o projeto foi lançado em versão digital, CD e LP (com tiragens limitadas) e traz músicas como Banana e o sucesso Clareana. "Para minha surpresa, o disco recebeu boas críticas da imprensa especializada na Europa", comenta.

Joyce confirma a boa repercussão internacional da música brasileira que, segundo a cantora, não recebe o devido valor por parte dos pelos próprios brasileiros, muitas das vezes. "Sempre existiu e sempre vai existir interesse pela música brasileira de qualidade", diz. Mas lamenta o fato de muitos artistas brasileiros não conseguirem lugar junto ao público local e irem para países do exterior, cujas portas se abrem para que eles exercitem sua criatividade.

Devagar quase parando
Celebrating Jobim – Joyce with WDR Big Band (Carcalla/Alemanha e Omagatoki/Japão), o segundo lançamento do ano, é uma compilação de concertos com a big band de Colônia (Alemanha). O prata da casa Slow Music (Biscoito Fino) sai apenas em terras brasileiras por enquanto. Segundo Joyce, o disco toma o caminho inverso dos últimos lançamentos – que saíram primeiro no exterior e depois chegaram por aqui.

Entre outros aspectos, a proposta conceitual de Slow diz respeito ao próprio modo como as 12 músicas foram gravadas e a um estilo de vida ao qual a cantora faz referência neste trabalho: tudo se propõe muito devagar, quase parando. "São canções de amor. Músicas lentas que falam e refletem sobre esse sentimento. Não queria fazer um disco 'água com açúcar' e nem passional como um tango, mas que tivesse ironia, questionamento", conta.

Para compor o disco, Joyce selecionou canções que traçassem esse panorama romântico, porém lúcido. O nome do disco, por exemplo, se refere ao movimento italiano Slow Food, que defende o respeito ao tempo destinado à apreciação dos alimentos. "Muitas vezes, fazemos refeições em pé, num balcão, e não sentamos para comer", exemplifica. Joycve conta que refletiu sobre o que isso tinha a ver com a música, no sentido de que ela tem que ser da melhor qualidade, já que é alimento para a alma. A intenção é despertar o ouvinte para uma fruição (tranquila) de bons alimentos musicais.

No mês que vem, a cantora lança a edição japonesa de Aquarius – Joyce with João Donato (Toy´s Factory/Japão) e, com Donato, parte para o Japão para apresentação na Blue Note Tóquio. A cantora não tem previsão para se apresentar em terras distritais com o novo nome. Joyce disse que gostaria muito de fazer shows em Brasília e aguarda uma resolução da sua produção para que as datas sejam agendadas. Mas fique tranquilo, caro leitor, Brasília conhecerá (a nova?) Joyce Moreno sem demoras.

Disco por disco

Slow Music – Biscoito Fino; R$ 29, em média. O amor é o assunto de composições de Joyce com autores como Robin Meloy Goldsby, Paulo César Pinheiro, Vinicius de Morais (Medo de Amar) e Chico Buarque (Samba do Grande Amor)

Visions of Dawn – Far Out Recordings; (Importado; U$ 15, em média). Também em versão digital e LP, o CD foi gravado em 1976, em Paris, com participação de Naná Vasconcelos e Maurício Maestro

Celebrating Jobim – Joyce with WDR Big Band – Carcalla/Alemanha e Omagatoki/Japão; (Importado; U$ 34, em média). Compilação de concertos com a big band alemã

Aquarius – Joyce with João Donato – Toy's Factory/Japão; (Importado; U$ 25, em média). O nome que dá título ao disco é um tema instrumental de Donato, pérola dos anos 60

O brega não existe

2009-07-25T16:23:00.008-03:00

Sem preconceitos, Reginaldo Rossi canta da mesma forma para todas as classes

Cantor é taxado de brega, mas defende que música boa não tem rótulos

Marlon Maciel
Especial para o Jornal de Brasília

Ao longo de 40 anos de carreira, Reginaldo Rossi tocou tanto em grandes palcos, como o do Canecão, no Rio de Janeiro, quanto em outros menores em cidades do interior, como Santa Maria (DF), onde o cantor se apresenta hoje como uma das principais atrações da 19ª FasSanta, festa de aniversário da cidade localizada a 26 Km de Brasília.

Na última quarta, por exemplo, Reginaldo fez show em uma festa para jornalistas e autoridades políticas numa boate high society de Recife. "Já cantei para ministro e para gari. É tudo igual. Só no Brasil inventaram essa história de brega e chique. Música não tem divisão", comenta a respeito do contraste entre os diferentes tipos de palco e público pelos quais passou.

Você Não Vale Nada Mas eu Gosto de Você é tão boa para algumas pessoas como a Sinfonia n°5 de Beethoven, segundo Reginaldo Rossi. O que um cantor não pode fazer, segundo o próprio Reginaldo, é chegar na periferia e cantar um brega americano sem contextualizar. Ele garante que diz à plateia durante os shows, em especial ao público mais novo, que vai cantar em inglês – e enfatiza: "quem não aprender a falar inglês daqui a alguns anos vai ser considerado analfabeto".

Ainda em sua crítica a respeito de uma hierarquia musical, muitas vezes feita pela mídia para atestar ou detratar a qualidade de artistas, o cantor recifense de 65 anos diz que interpreta Ne Me Quitte Pas com a mesma honra com que declama Beber, Cair e Levantar – já adiantando o repertório assumidamente eclético da apresentação de hoje à noite.

Ele também cita canções de Caetano Veloso como exemplo. Reginaldo supõe que mil pessoas acompanhem Caetano ao cantar Qualquer Coisa, de letra mais elitizada, e que 80 mil entoem um só coro em músicas como Você Não me Ensinou a te Esquecer. "Negro ou branco, todos cantam. O sentimento, que é o que importa, é o mesmo. Todos sentem quando dói o cotovelo ou o chifre", defende.

Momento lindo
Apesar de ter produzido pouco nos últimos anos, Reginaldo garante que o momento da carreira "é ótimo". Ele se queixa apenas de que o processo criativo é ameaçado pela pirataria, que "acabou com a indústria do disco", segundo ele. "O esforço intelectual (do artista) é descaracterizado por bandidos que vão ganhar um fortuna", dispara.

Para o cantor, a internet não representa uma ameaça à venda de discos. Pelo contrário, diz acreditar que ela ajuda a divulgar ainda mais o trabalho artístico. Todo artista gosta de ser popular e que sua obra se espalhe pelo mundo, segundo o compositor de hinos do brega como Garçom. "O problema é que os artistas não são retribuídos. As pessoas baixam e não se preocupam em pagar os direitos autorais, que no fundo, custa pouquinho".

Perguntado se considera que existe uma onda de resgate e de exaltação à música brega por parte de bandas da nova geração (como Del Rey e Sua Mãe), Reginaldo é categórico em seu "não". "Não tem brega nem chique, mas já que rotularam...", volta a lamentar. Ele cita o fato da recente turnê dos 50 anos de carreira de Roberto Carlos ter todos ingressos esgotados para defender que a velha guarda do brega está à toda. "Ficaram as músicas que ficaram – e essas são as mais românticas", afirma antes de cantar "Quando eu estou aqui / Eu vivo esse momento lindo", techo de Emoções (Roberto e Erasmo Carlos).

Reginaldo Rossi prefere mesmo cantar a dançar. "Não gosto de dançar", dispara ao lembrar da participação no quadro Dança dos Famosos no Domingão do Faustão da TV Globo. O cantor revela que foi escalado de fato por causa das coisas que fala. Segundo ele, alguns jurados chegaram a dizer que para os cantores é mais difícil participar da Dança e justifica que não tinha tempo para ensaiar. "Mas aquilo não é um concurso para se ganhar e virar o primeiro bailarino do Theatro Municipal", ri.

Bastidores da imprensa no Canal Brasil

2009-07-25T15:58:00.006-03:00

Reprodução
Personalidades de destaque do jornalismo nacional vão mostrar os bastidores da imprensa no programa Vozes da Informação, que estreia no Canal Brasil no dia 27 de julho (segunda-feira), às 21h. Entrevistas exclusivas com alguns dos mais importantes nomes das redações brasileiras vão narrar histórias, curiosidades e os desafios da profissão em 26 episódios semanais dirigidos por Jorge Brennand Jr.

Ruy Castro, Sergio Cabral, Simon Khoury, Arthur Dapieve, Nelson Hoineff e Sidney Rezende (estreia), entre outros, relembram trabalhos importantes, revelam passagens curiosas de suas carreiras e analisam momentos marcantes da imprensa nacional. O crítico musical Nelson Motta, por exemplo, lembra a polêmica capa da revista Veja que, em 1989, estampava o cantor Cazuza doente com a manchete: “Uma vítima da Aids agoniza em praça pública”.

Serviço – Vozes da Informação
Estreia: 27 de julho, segunda-feira, às 21h.
Horário alternativo: Domingo, às 12h30.

Trailer da estreia de Drew Barrymore na direção

2009-07-17T22:10:00.007-03:00

A ruivinha (ou loirinha?) Drew Barrymore, que interpretou a fogosa Dylan nas adaptações de As Panteras para o cinema, estreia seu primeiro trabalho atrás das câmeras em breve. A data é 9 de outubro (nos EUA) e o filme é Whip It!.

No elenco, estão arroladas Ellen Page (indicada ao Oscar 2008 pelo indie-wannabe Juno), a protagonista, Juliette Lewis (a adolescente afetadinha de Cabo do Medo; e ainda ganhou nominação ao Oscar, hein) e a ótima Marcia Gay Harden (oscarizada por Pollock). A tríade feminina é forte e compõe um filme de comédia adolescente que, a julgar pelo trailer (abaixo), parece ser engraçadinho.

Se esse emplacar, poderá ser a consolidação dos estúdios da Fox Searchlight Pictures. Focus Features (Brilho Eterno de uma Mente sem Lembranças) e Paramount Vantage (Sangue Negro) são outros independentes (isso sem citar a Miramax, que caiu na década de 2000 mas já mostra recuperação) que conseguiram espaço em um mercado estadunidense antes dominado por dinossauros e seus blockbusters.

Ah, a Drew Barryome também figura no rol de atrizes de Whip It!.

(via Cine Players)

CJ Ramone em Brasília

2009-07-07T21:35:00.003-03:00

Ex-baixista dos Ramones faz apresentação única no Arena Futebol Clube.

Christopher Joseph Ward, ou simplesmente CJ Ramone (como ficou conhecido no final dos anos de 1980), não apenas substituiu o baixista original dos Ramones, Dee Dee, como também é um dos únicos remanescentes do conjunto atualmente. Para celebrar os 20 anos desde seu primeiro contato com o conjunto norte-americano, CJ vem a Brasília, no dia 10 de julho, para tocar alguns de seus novos e antigos sucessos acompanhado de sua nova banda, a Bad Chopper.

CJ Ramone entrou para o clã do punk americano após a gravação do álbum Brain Drain, em 1989, e exerceu o ofício de baixista até o fim da banda, em 1996. CJ participou das gravações dos discos: Mondo Bizarro, Acid Eaters, Adios Amigos; e os álbuns ao vivo: Loco Live, Greatest Hits Live e We're Outta Here!

Hoje com 43 anos, CJ ainda é o responsável por berrar o “one, two, three, four” que tanto ouvimos nos discos ao vivo dos Ramones. A expectativa é grande para a apresentação, afinal o primeiro lote dos ingressos já se esgotaram.

Vale lembrar também que, no dia do show, CJ participará de uma tarde de autógrafos na loja FNAC, no Park Shopping, a partir das 14h.

Serviço - CJ Ramone e Bad Chopper
Sexta-feira, dia 10 de julhoÀs 22h, no Arena Futebol Clube (Setor de Clubes Sul)
Abertura: Super Stereo Surf (DF)
Ingressos: R$ 35,00 (meia-entrada)
À venda no GTR Instituto de Guitarra (111 Sul), nas lojas Abriu Pro Rock (Gama Shopping), Universo Tattoo (311 Norte), Porão 666 (Taguatinga, atrás do Alameda Shopping), Chilli Beans (ParkShopping, Pier 21, Taguatinga Shopping e quiosque no Pátio Brasil), No Sense (Águas Claras), Free Corner (304 Sul, Brasília Shopping, 308 Sul, 308 Norte, Conjunto Nacional, 303 Sudoeste, Gilberto Salomão e 304 Sul) e na bilheteria do Arena.

Up!

2009-06-21T00:49:00.011-03:00

Uma história original e cativante. Assim pode ser descrito o próximo filme lançado pela Pixar Animation Studios em parceria com a Walt Disney. "Up - Altas Aventuras" é um longa-metragem de animação que conta à história de Carl Fredricksen, um velhinho vendedor de balões, que parte pelos céus em busca de seus sonhos.

Durante toda a vida Carl e sua esposa, a efusiva Elle Fredricksen,sonhavam se mudar para as Cataratas do Paraíso, mas os problemas da vida de casado impediram seus planos. Carl se vê obrigado a realizar o sonho de sua falecida esposa após a justiça determinar que ele abandone sua casa. Para fugir do asilo e completar o livro de aventuras de sua mulher, o idoso amarra milhares de balões em sua casa e segue rumo a América do Sul. Por acidente, Carl leva em sua viagem o intruso Russel, um pequeno escoteiro, extremamente otimista, o garoto de 9 anos que pretende conquistar sua última medalha por ajudar idosos é responsável pelas peripécias na jornada de Carl.

Na produção a Pixar repete a dose usada em “WALL- E” (2008) de direcionar o seu filme a uma platéia adulta. A história do casal de velhinhos é contada de maneira doce e delicada, o amor que sentiam um pelo outro e os problemas enfrentados pelos adultos são expostos com a graciosidade e requinte das obras da Pixar. A mensagem de realizar o que é correto, premissa nos roteiros da Disney, continua latente na história, mas carrega um diferencial, o filme toca em uma questão pouco explorada pelos desenhos: o tempo.

Apesar de todos os problemas e decepções que Carl teve em seus 78 anos, ele segue em sua jornada e aprende quais são as verdadeiras riquezas conquistadas durante a sua longa vida. Up é recomendável para todos os apaixonados por desenhos pela sua diversão garantida, e também para todos que desejam subir em um balão e tocar a vida com um pouco mais de aventura.

"Up - Altas Aventuras" estréia em 4 de setembro nos cinemas brasileiros, com a dublagem de Chico Anysio (idêntico ao Carl). Vale a pena ver!

O segundo ato do teatro-esporte

2009-06-19T16:57:00.006-03:00

Companhias teatrais apostam cada vez mais em peças sem roteiro ou textos decorados, onde quem manda é o público

Os mesmos atores, o mesmo nome, a mesma idéia — mas nunca o mesmo espetáculo. Assim é o chamado teatro do improviso, ou game-show, um modelo teatral que quebra a estrutura dramática convencional ao colocar o público na função mais importante da peça: a de diretor. Derivado do teatro-esporte, técnica desenvolvida pelo dramaturgo e diretor Keith Johnstone no final dos anos 60, cada espetáculo é, literalmente, uma partida. Divididos em dois times, os atores competem usando apenas a improvisação durante dois tempos, com 45 minutos de duração cada. Cabe à platéia decidir quais situações serão interpretadas e escolher o time que se saiu melhor em cada prova.

Graças a ferramentas como o YouTube, Orkut e Twitter, além do programa televisivo Whose line is it anyway?, sucesso nos Estados Unidos e Inglaterra, as representações improvisadas voltaram aos palcos. Em Brasília, o teatro esporte começou em um bar, com os atores Edson Duavy e Fernando Booyou realizando cenas sugeridas pelos clientes. A ambientação do botequim foi adaptada ao teatro, dando origem ao espetáculo Qual o seu pedido?, representado pela companhia Anônimos da Silva. Além de Edson e Fernando, Daniel Villas Boas, Lucas Moll, Saulo Pinheiro e Leônidas Fontes – protagonista do vídeo O herói Leônidas Fontes, com mais de 400 mil visualizações no YouTube – integram o Anônimos.

A distância do eixo Rio-São Paulo ajudou o grupo a criar um estilo próprio. “Começamos a inventar coisas diferentes, mais focadas na cultura pop”, explica Duavy. Para ele, o sucesso das peças deve-se à identificação imediata do público com os temas abordados. “É um teatro para ouvir as pessoas. O público se sente especial”, acredita. Elemento-chave para o sucesso do espetáculo, o entrosamento entre os atores é essencial na escolha do grupo. “Ás vezes, um quer dar uma ideia e outro quer dar outra, mas não bate. A gente treina bastante para ter esse pensamento conjunto”, diz Daniel Villas Boas. “É o que a gente chama de jogar junto”, completa Lucas Moll, provando que o entendimento não fica restrito aos palcos.

O modelo dos espetáculos não varia, mas as companhias procuram modos de se destacarem uma das outras. O sucesso dos mais de 70 vídeos disponibilizados no YouTube do espetáculo “Os Improváveis”, da companhia Barbixas de Humor, renderam ao grupo um quadro no programa Quinta Categoria, da MTV. Já o grupo Zenas Emprovisadas (ZÉ) aposta em nomes famosos para chamar a atenção do público, como Marcelo Adnet e Fernando Caruso, conhecido por suas participações nos programas globais Zorra Total e Os Normais.

A união da linguagem do palhaço com o ambiente de uma partida de futebol foi a alternativa escolhida pelo grupo paulista Jogando no Quintal para incrementar o jogo de improvisação. "Nos outros espetáculos, você acaba vendo só a virtuose da improvisação em si”, justifica César Gouvêa, um dos criadores da companhia. “O palhaço acaba sendo um diferencial”. Para César, integrante do Doutores da Alegria há seis anos e palhaço há dez, a volta de peças baseadas na improvisação se deve a uma necessidade do próprio público. “As pessoas precisavam de uma coisa nova, de um teatro vivo, onde você vê as cenas sendo construídas na hora e a fragilidade sendo muito evidente”, acredita. “O público quer entrar dentro da peça e do ator, virar cúmplice”.

Companhia de teatro Jogando no Quintal: a linguagem do clown como diferencial

Com mais de 12 anos de experiência na técnica batizada de clown pessoal (ou palhaço pessoal), o artista e professor João Porto explica que o gênero escolhido pelo Jogando no Quintal também se caracteriza pelo uso da improvisação — que, ao contrário do que prega o senso comum, exige treinamento. “O ator desenvolve suas habilidades”, diz. “O que ele mostra não é improvisado, é altamente dominado. Não pode ser solto”. Para João, o mais importante é entender a diferença entre o teatro improvisado, onde os atores não possuem técnica ou conhecimentos cênicos e, por isso, não sabem o que vão fazer, e o teatro do improviso, que “é aquele em que o artista trabalha bastante, domina as cenas, o conteúdo e só improvisa os momentos dessa composição”.

Sergio Britto encena Samuel Beckett

2009-06-16T23:36:00.004-03:00

“A última gravação de Krapp” e “Ato sem palavras 1” em cartaz de 18 a 21 de junho

Um grande nome do teatro brasileiro, Sérgio Britto encena de 18 a 21 de junho textos do dramaturgo irlandês Samuel Beckett, consagrado no Século XX. “A última gravação de Krapp” e “Ato sem palavras 1” formam um espetáculo de 55 minutos com sessões às 20h na quinta, sexta e sábado; e 19h no domingo. No Teatro da Caixa, em Brasília.

A montagem tem direção de Isabel Cavalcanti e foi eleita ano passado como um dos 10 melhores espetáculos pelo jornal O Globo. O espetáculo também rendeu a Sergio Britto o conceituado Prêmio Shell de Melhor Ator de 2008. O ator completa 65 anos de carreira no teatro.

A encenação começa quando Britto incorpora Krapp, um escritor que costuma gravar em seu aniversário um apanhado dos momentos mais importantes ocorridos no ano que passou. O monólogo conta com efeitos cênicos a partir do gravador de rolo, que torna-se uma extensão do personagem.

Em seguida, Britto torna-se um homem num deserto em busca de sombra e água em “Ato Sem Palavras 1”. A peça põe em evidência, de forma sarcástica, a frágil condição humana.

Samuel Beckett, autor das peças, é um dos preferidos de Sérgio Britto. “Sua dramaturgia dialoga acidamente com a tradição ocidental e permanece desafiando a modernidade”, define Isabel Cavalcanti, diretora do espetáculo e especialista no autor irlandês.

Foto: Espetáculo A Última Gravação de Krapp (Crédito: Guga Melgar)

Serviço
Espetáculos “A última gravação de Krapp” e “Ato sem palavras 1”, com Sergio Britto
Data: de 18 a 21 de junho de 2009
Horário: quinta, sexta e sábado, às 20h e domingo, às 19h
Local: Teatro da CAIXA - SBS Qd 4 lote 3/4, anexo do edifício Matriz da CAIXA
Bilheteria: 3206-6456 (aberta de terça-feira a domingo, das 12h às 21h)
Ingressos: R$ 20,00 e R$ 10,00 (meia-entrada para estudantes, pessoas com 60 anos ou mais, professores e empregados da CAIXA)
Classificação Etária: Não recomendado para menores de 16 anos
Duração: 55 minutos

Le Corbusier, entre dois mundos

2009-06-16T23:30:00.002-03:00

Mostra expõe obras de um dos mais importantes arquitetos do século XX

No ano da França no Brasil, obras de Le Corbusier serão expostas em Brasília na Caixa Cultural. A exposição “Le Corbusier, entre dois mundos” acontece entre 17 de junho e 19 de julho. São cerca de 120 obras, entre produções do renomado arquiteto francês e peças pertencentes à Fundação Le Corbusier.

A exposição tem a produção do Grupo AG de Brasilia e a curadoria do arquiteto francês Jacques Sbriglio e trata-se de uma parceria entre a CAIXA Cultural Brasília e a Embaixada da França e com a Fundação Le Corbusier.

Pela primeira vez no Brasil, a mostra traz projetos de arquitetura, desenhos, pinturas, colagens, litografias, esculturas, tapeçarias, maquetes, livros e fotografias, pertencentes à fundação. As peças de Le Corbusier (Charles-Edouard Jeanneret, seu verdadeiro nome) trazidas foram produzidas em seus últimos 20 anos de vida.

Este período (1945 a 1965) é conhecido hoje como “obra da maturidade”. Nessa época, acontecia o fim da Segunda Guerra Mundial, quando sua produção grandes encomendas, gerando sua consagração internacional como arquiteto.

Segundo Jacques Sbriglio, curador da mostra, há uma nítida diferença entre o trabalho de Le Corbusier pré-guerra e pós-guerra. “Se os anos antes da guerra, principalmente as décadas de 30/40, confirmam um Le Corbusier teórico, de notoriedade internacional incontestável, os anos do pós-guerra correspondem à revelação de um grande criador. É durante o último período de sua carreira que Le Corbusier criará suas obras-primas mais relevantes: a unidade habitacional de Marselha, a capela de Ronchamp, o convento de Tourette, os edifícios do Capitólio em Chandigarh na Índia”, explica o curador.

Serviço

Exposição “Le Corbusier, entre dois mundos” Curador: Jacques Sbriglio Produção: Grupo AG Local: CAIXA Cultural Brasília – Galeria Principal Data: de 17 de junho a 19 de julho de 2009 Horário de visitação: de terça-feira a domingo, das 9h às 21h Endereço: SBS Quadra 4 Lote 3/4, edifício anexo da Matriz da CAIXA Informações: 3206-9448 Classificação etária: Livre

Foto: Unidade Habitacional de Marselha, França (Crédito: Fábio Scrugli)

Tragédia grega à brasileira

2009-06-05T14:06:00.004-03:00

Com caráter musical reforçado, clássico brasileiro Gota d'Água, de Chico Buarque e Paulo Pontes, estreia temporada no Teatro Nacional

Paula Kossatz/Divulgação

Após passagem por Portugal, brasileiros apresentam em Brasília musical sobre mãe que sacrifica a prole para ferir o amado infiel

Marlon Maciel
Especial para o Jornal de Brasília

A equipe que adaptou o clássico brasileiro Gota d’Água não teve que fazer praticamente nada para atualizar sua temática para os dias de hoje. O diretor João Fonseca assim garante sobre a adaptação do musical, que estreia hoje – com temporada até domingo –, na Sala Villa-Lobos: "Na verdade, o texto de Chico Buarque e Paulo Pontes (escrito em 1975) é atualíssimo".

Convidado da atriz Izabella Bicalho (Joana) para assumir a direção do musical, Fonseca afirma que "infelizmente é atual" por causa da situação em que "o poder é concedido a alguém que acaba se aproveitando de outro em condição mais simples". Na adaptação moderna de Medéia, de Eurípides (431 a.C.), com direção musical e músicas adicionais de Roberto Bürgel, a personagem mitológica recebe o nome de Joana, moradora de um conjunto habitacional da periferia, que sustenta dois filhos e o marido e sambista Jasão (Armando Babaioff). Assediado pelo empresário Creonte (Claudio Lins), o músico abandona sua casa para casar-se com Alma, filha do empresário. Desesperada, Joana assassina os filhos e se suicida.

"O texto soava mais forte na época da estreia (quando teve Bibi Ferreira como Joana), mas continua com força", observa Fonseca. Para ele, o momento político atual é diferente daquele vivido na década de 1970, época de ditadura. "A figura da Joana acabava ecoando como um pedido de liberdade", resume o espírito do musical.

Gota D’água – Hoje e amanhã, às 21h, e domingo, às 18h, na Sala Villa-Lobos (Teatro Nacional). Ingressos: R$ 70 (inteira). Não recomendado para menores de 16 anos.

Nietzsche para os palcos

2009-06-02T21:57:00.003-03:00

Obra do filósofo é encenada em espetáculo multimídia que mescla teatro e coreografia

O espetáculo “!Zaratustra!” estará em cartaz nos dias 06 e 07 de junho. A apresentação é inspirada na obra poético-filosófica “Assim falou Zaratustra- um livro para todos e para ninguém”, do alemão Friedrich Nietzsche. Em cena, estarão Maura Baiocchi e a Taanteatro Companhia. A encenação teatro-coreográfica “!Zaratustra!” conta com recursos multimídia e acontece no Tetro da Caixa, em Brasília, com sessão às 20h no sábado e 19h no domingo. Não recomendado para menores de 16 anos.

O foco do espetáculo foge de narrar passo a passo a obra “Assim falou Zaratustra- um livro para todos e para ninguém”. É, na verdade, inspirado nas idéias, no tom, no exemplo de Zaratustra/Nietzsche para abordar nossas atuais questões sócio-político-estético-culturais.

A encenação revela corpos, diálogos, danças, cantos e imagens ao mesmo tempo trágicos e cômicos, eruditos e populares. Ao passar pelos extremos dos sentimentos humanos, conforme faz Zaratustra, a negação e afirmação da vida entram em conflito no palco.

A escolha pela utilização de várias linguagens foi necessária para transpor para o palco toda a filosofia contida na obra. “A variedade de linguagens e estilos empregados no espetáculo [...] corresponde ao jogo de máscaras e estilos adotados na obra do filósofo e poeta Nietzsche, que servem não como meios de expressão de verdades definitivas, mas como perspectivas e modos de acesso às maneiras múltiplas como nos relacionarmos com o mundo”, explica Wolfgang Pannek, que dirige o espetáculo em parceria com Maura Baiocchi.

“!Zaratustra!” é resultado do trabalho do NuTAAN/DF (Núcleo Taanteatro – Formação, Pesquisa e Criação) iniciado em 1º de maio de 2008. O processo de estudo durou 10 meses e reuniu estudantes e profissionais de artes cênicas de Brasília.

Depois da Caixa Cultural, “!Zaratustra!” entra em cartaz no Teatro Plínio Marcos, do Complexo Funarte.

Serviço:
Espetáculo !Zaratustra!
Data: 06 e 07 de junho de 2009
Horário: sábado, às 20h e domingo, às 19h
Local: Teatro da CAIXA - SBS Qd 4 lote 3/4, anexo do edifício Matriz da CAIXA
Ingressos: R$ 20,00 e R$ 10,00 (meia-entrada para estudantes, pessoas com 60 anos ou mais, professores e empregados da CAIXA)
Classificação Etária: Não recomendado para menores de 16 anos
Duração: 140 minutos

Fotos: Alexandre Magno

PEDRAS VÃO ROLAR!

2009-05-27T16:04:00.002-03:00

Três dias de rock underground de graça em Brasília!!!

Porão do Rock, que nada! O festival que levará o rock underground ao público do planalto central neste mês chama-se Rolla Pedra. As apresentações acontecerão do dia 29 ao 31, na Torre de TV de Brasília. O acesso é totalmente livre. Os shows estão marcados para começar às 18h30, 18h e 17h, nos três dias do festival, respectivamente.

Serão 40 bandas para quebrar tudo. Raimundos, Os Maltrapilhos, Dark Avanger, Moretools, Death Slam, Trampa, DFC, Galinha Preta, B.Negão e Phonopop são algumas das bandas que farão as pedras rolarem em todas as direções e estilos.

Confira abaixo o flyer do evento com a programação completa:

Eu falar (e escrever) bonito um dia

2009-05-24T19:35:00.009-03:00

Um humor cortante, porém discreto. Essas é a característica principal do comediante David Sedaris e seu livro “Eu falar bonito um dia”. A "autobiografia" consegue divertir e emocionar ao mesmo tempo, por meio de histórias de infância e excentridades familiares expostas de maneira cômica, mas singela.

Personagens e relatos da vida do autor são fatores essenciais que garantem a qualidade do livro, desde o tratamento "diferente" do irmão mais novo com seu pai até o talento musical de sua irmã, não herdado por David. Ao conhecer momentos constrangedores e embaraçosos da família grega, nos divertimos com considerações do autor sobre sua personalidade e suas relações, casos que além de fazerem rir também nos fazem sentir um certo cuidado e afeto por parte do autor quando o assunto tratado é de fundo sentimental.

David Sedaris é dono de um estilo literário muito semelhante a Woody Allen e Jerry Seinfeld, comediantes de humor refinado, que abordam temas polêmicos na medida exata, sem precisar de jargões e piadas prontas como muletas. A ironia aparece no texto em diversos momentos e faz com que nos identifiquemos com as situações pitorescas do seu cotidiano, como testemunhas oculares.

Ao conhecer a trajetória de vida do comediante, ele nos faz recordar de situações particulares de nosso passado, como por exemplo: viagens em família em que só você e seus irmãos sabem o que passaram e/ou o comportamento excêntrico de alguns tios em festas de família.

“Eu falar bonito um dia” pode ser considerado um livro de leitura agradável, com um texto instigante, mas não exagerado. Uma obra que encanta não só pela linguagem e nostalgia, mas principalmente pelo toque “humano” que carrega consigo.

Budapeste: entre mulheres e continentes

2009-05-22T01:47:00.005-03:00

Filme baseado em livro de Chico Buarque estreia hoje!

O novo filme de Walter Carvalho, “Budapeste”, estreia hoje no Brasil. Baseado no livro homônimo de Chico Buarque, o longa traz Leonardo Medeiros que interpreta José Costa, o protagonista da trama. O elenco conta ainda com Giovanna Antonelli (Vanda, mulher de Costa) e Gabriella Hámori (Kriska).

“Budapeste” conta a história de Costa, um “ghost writer” que vive entre Rio de Janeiro e Budapeste, em busca de aprender húngaro. Costa chega à cidade húngara numa escala imprevista durante uma viagem. Lá ele conhece Kriska, mulher que o ensina húngaro e por quem se apaixona. Seu encontro o faz se dividir entre sua mulher, Vanda, apresentadora de telejornal, e a húngara.

Chico Buarque faz participação no filme. É a primeira vez que o artista participa em um filme baseado em sua obra. Na cena, Chico faz papel dele mesmo pedindo autógrafo ao protagonista e fala uma frase em húngaro.

Foto: Cena de "Budapeste" (Divulgação)

Festa Literária Internacional de Paraty

2009-05-22T01:22:00.000-03:00

A 7ª Flip acontece em julho com 34 autores de todo o mundo

A Festa Literária Internacional de Paraty (Flip) acontecerá este ano entre 1º e 5 de julho. Em sua sétima edição, a festa que acontece na cidade histórica e litorânea do estado do Rio de Janeiro, abordará pela primeira vez ciências e artes, além da literatura.

No ano que o livro “A Origem das Espécies” faz 150 anos, a Flip traz o biólogo inglês Richard Dawkins, seguidor de Charles Darwin. Os escritores chineses Ma Jian e Xinran (autora de "As Boas Mulheres da China"), são convidados no ano em que o Massacre da praça da Paz Celestial completa 20 anos.

Os brasileiros estão representados, dentre outros, por Chico Buarque, que acaba de lançar seu novo romance, “Leite Derramado”, e Milton Hatoum, autor de "Cinzas do Norte" e "Dois Irmãos". Ambos participarão de discussão. Cristovão Tezza, de “O Filho Eterno”, também participará de discussão com o mexicano Mario Bellatin.

A Flip 2009 também traz mesa dedicada ao jornalismo, com a presença do norte-americano Gay Talese, um dos principais nomes do jornalismo literário mundial. Talese parcipará da mesa com Mario Sergio Conti, autor de “Notícias do Planalto”. Histórias em Quadrinhos novamente estarão presentes na Flip. A edição deste ano reúne Rafael Coutinho, Rafael Grampá e os irmãos Fábio Moon e Gabriel Bá.

O homenagiado do ano é Manuel Bandeira, tema da conferência de abertura.

Confira a programação das mesas da Flip:

Quarta-feira, 1 de julho
19h - Conferência de abertura com Davi Arrigucci Jr.
21h30 - Show de abertura (atração ainda não confirmada)

Quinta-feira, 2 de julho
10h - Mesa 1- Novos traços
Rafael Coutinho, Fábio Moon Gabriel Bá e Rafael Grampá
11h45 - Mesa 2 - Separações
Rodrigo Lacerda e Domingos de Oliveira
15h - Mesa 3 - Verdades inventadas
Tatiana Salem Levy, Arnaldo Bloch e Sérgio Rodrigues
17h - Mesa 4 - China no divã
Ma jian e Xinran
19h - Mesa 5 - Deus, um delírio
Richard Dawkins

Sexta-feira, 3 de julho
10h - Mesa 6 - Evocação de um poeta
Heitor Ferraz, Eucanaã Ferraz e Angélica Freitas
11h45 - Mesa 7 - A névoa da guerra
Atiq Rahimi e Bernardo Carvalho
15h - Mesa 8 - Sentidos da transgressão
Edna O´Brien e Catherine Millet
17h - Mesa 9 - O eu profundo e outros eus
Mario Ballatin e Cristóvão Tezza
19h - Mesa 10 - Sequências brasileiras
Chico Buarque e Milton Hatoum

Sábado, 4 de julho
10h - Mesa 11 - O dissonante século 20
Alex Ross
11h45 - Mesa 12 - Entre quatro paredes
Sophie Calle e Grégoire Bouillier
15h - Mesa 13 - Segredos de família
Anne Rnright e Tobias Wolff
17h - Mesa 14- Fama e anonimato
Gay Talese e Mario Sergio Conti
19h - Mesa 15 - Escrever é preciso
António Lobo Antunes

Domingo, 5 de julho
11h45 - Mesa 16 - O futuro da América
Simon Schama e Lilia Moritz Schwarcz
15h - Mesa 17 - Antologia pessoal
Edson Nery da Fonseca e Zuenir Ventura
17h - Mesa 18 - Livro de cabeceira
Convidados da Flip lêem trechos de seus livros preferidos

Jogo de Cena

2009-05-22T01:14:00.003-03:00

O tradicional Jogo de Cena leva a arte de Brasília ao palco do Teatro da Caixa no dia 27 de maio, a partir das 20h. Trechos de espetáculos teatrais, música, artes plásticas, dança e cinema estarão em apresentação.

Cléo Malta, presidente da sociedade dos artistas plásticos de Brasília, é a convidada do quadro Pintor da Noite. Ela é pintora, escultora e design de jóias. Suas esculturas são produzidas em aço carbono, cobre, latão e madeira.

A música da noite fica por conta da banda Cajamarca, no quadro Se Toque. Suas músicas são resultado da mistura de vários estilos. A banda foi finalista das edições de 2007 e 2008 do FINCA, e semifinalista do prêmio SESC Tom Jobim de Música Brasileira de 2008.

Já o teatro será apresentado pelo grupo Sutil Ato que apresenta um trecho do espetáculo “Dunas”, fruto da pesquisa dos atores Catarina Melo e Jonathan Andrade sobre a poesia em cena. O espetáculo tem direção de Hugo Rodas e Jonathan Andrade. Já a Cia 3’Da Comédia traz um trecho do espetáculo “Amor ou Traição, Eis a Questão”.

A bailarina e coreógrafa Rosa Marina Benevides apresenta no quadro Sua Pessoa Dança a coreografia “Ego Cítrico”. Seu trabalho tem como principal estética o jazz dance e tem sido apresentando na cidade Brasília desde 2001.

No quadro TV Fora do Ar, a cineasta Marcela Tamm apresenta o curta “Lauro-Davidson”. O curta conta a história de Lauro, um funcionário público solitário que satisfaz seus desejos de liberdade assistindo compulsivamente filmes on the road.

Para encerrar a noite, o quadro Cometa Cenas III traz um trecho de "O Noticiarista - Comédias Cotidianas", com a En'Cena Cia. Teatral. O espetáculo, dirigido por Élia Cavalcante, narra situações engraçadas do nosso dia-a-dia sob o olhar de um cronista fictício.

Serviço
Projeto Jogo de Cena Maio
Dia: 27 de maio de 2009 (quarta-feira)
Horários: 20h
Local: Teatro da Caixa - SBS Qd 4 lotes 3/4, anexo do edifício Matriz da Caixa
Ingressos para os espetáculos: R$ 20,00 e 10,00 (meia-entrada para estudantes, pessoas com 60 anos ou mais, professores, empregados da CAIXA e doadores de 1 kg de alimento)
Classificação etária: não recomendado para menores de 14 anos

Foto: Thiago Lucas

Paulo Coelho anuncia estreia de filme em Cannes

2009-05-19T15:55:00.000-03:00

Filme inspirado no livro “A Bruxa de Portobello” terá estreia no Festival de Roma

O escritor brasileiro Paulo Coelho divulgou hoje (19) em Cannes que o filme “A Bruxa Experimental” estreará em outubro no Festival Internacional de Cinema de Roma. Depois, o filme deverá entrar em cartaz no circuito comercial.

Para a criação do filme, o escritor propôs a seus leitores enviarem vídeos inspirados no livro “A Bruxa de Portobello” (2007) para serem incluídos num longa-metragem. Dos seis mil vídeos recebidos de todo o mundo, 15 foram selecionados. O filme tem duração total de 150 minutos.

Outros romances do escritor também se tornarão filmes. É o caso de “Onze Minutos”, “Veronika decide morrer” e “O alquimista”, que deverá ser lançado em 2010.

Mafalda virará escultura

2009-05-18T14:05:00.000-03:00

Escultura da personagem ficará na porta de prédio onde viveu seu criador

A famosa personagem do argentino Quino ganhará escultura em Buenos Aires. Mafalda será instalada nas portas do edifício onde viveu o quadrinista. O local é conhecido por ser cenário da maioria das histórias.

O prédio onde estará a estátua de Mafalda fica no bairro San Telmo, na capital argentina. A idéia é identificar a casa onde Quino viveu, na rua Chile 371, e surgiu dos fãs internautas da personagem.

Mafalda será esculpida sentada num banco ou em um umbral. A escultura terá o tamanho de uma menina da idade da personagem.

Grupo de cultura afro de São Paulo se apresenta nas satélites do DF

2009-05-14T00:36:00.004-03:00

Grupo Umoja de cultura afrobrasileira se apresenta no Sarauradical de São Sebastião nesta sexta(15) e participa de debates e oficinas em outras satélites pela passagem do Dia Nacional de Luta contra o Racismo

Por Vinícius Borba

Da língua Swahili, "umoja" significa unidade. E este é o valor central do Instituto Umoja de cultura afrobrasileira, que vem a Brasília fazer shows e oficinas nas satélites do DF. O objetivo é difundir a cultura negra e diminuir a ignorância que gera preconceitos. O grupo vem à convite da Associação Sóciocultural Radicais Livres, para a apresentação no Sarauradical pela passagem do dia 13 de maio, Dia Nacional de Luta contra o Racismo. A data é históricamente conhecida por ser o Dia da Abolição da Escravatura, com a assinatura da Lei Áurea em 1888, apesar de ter sido ressignificada pelo Movimento Negro brasileiro. O objetivo das apresentações é também atuar na causa principal dos preconceitos: o desconhecimento da arte popular tradicional. O Umoja pratica um forte resgate da arte afro, tocando maracatu, coco, afoxé, samba de roda, danças circulares afro, cirandas e ainda a Canjira, com encenação de dança dos Orixás da mitologia afrobrasileira.

"Arte como o caminho" é o slogan da Associação Sóciocultural Radicais Livres, que está promovendo nesta sexta e sábado sarau, apresentações e as oficina de arte para aproximar e resgatar culturas tradicionais em suas áreas de atuação em duas satélites, São Sebastião e Itapoã. Na sexta o Umoja tocará no horário de almoço para o público do restaurante universitário da Universidade de Brasília(UnB). À tarde, seguem para o Itapoã, para promover apresentação, onde os Radicais Livres já atuam com o Projeto Expressa Periferia. À noite, o grupo segue para o Sarauradical, evento que envolve várias áreas artísticas. No sábado, farão pela manhã cortejo na Feira Permanente da cidade e à tarde oficinas de dança e percussão afro no Colégio São Francisco. As atividades fazem parte da 1ª Semana de Identidade e Valorização Negra, realizada em São Sebastião.

Contra o racismo a arte como caminho
Para Euller Alves, coordenador do Instituto Umoja, vindo da região de Santo Amaro(SP), a arte é muito importante para o fim do racismo. "A arte que praticamos é catalizadora de ações positivas, usamos nossas ações artísticas como armas, vamos as escolas, as praças, aos teatros, as faculdades, mostramos nossa beleza, nosso talento e nossa inteligência. Sempre atentos aos meandros do racismo", disse Euller.

O presidente do Conselho de Defesa dos Direitos do Negro do DF(CDDN), Júlio Romário, afirma que a arte é um importante instrumento para aproximar as pessoas, e ao mesmo tempo forte ferramenta contra os preconceitos. Júlio cita, lembrando um exemplo clássico disto, o teatrólogo Abdias Nascimento, que nos anos 40 e 50 denunciou o racismo por meio do teatro.

Resgate cultural
Para o Presidente da Associação Radicais Livres, Saulo Dias, a participação do Umoja com as oficinas e apresentações, tanto para a comunidade quanto para os artistas de São Sebastião, é de grande relevância para o resgate cultural das tradições afro. Vinícius Borba, radical livre e coordenador da Semana de Identidade e Valorização Negra disse também que "a proposta do nosso coletivo é democratizar arte e dar vitrine à periferia, mas por vezes ficamos distantes do que é nossa raiz, da matriz das 'perifas', da nossa cultura mãe". Segundo Euller Alves, fazer cultura no subúrbio é resgatar sua essência, estar próximo de sua realidade.

O Umoja e os Radicais Livres
Os grupos se conheceram em 2007, quando dois poetas e atores dos Radicais foram particpar da Semana de Arte Moderna da Periferia, em São Paulo, novembro de 2007. Lá, os radicais ficaram hospedados na casa de Euller e participaram de várias apresentações e saraus. Voltaram mas mantiveram seus laços fortes. Agora o intercâmbio se completa e fortalece com apoio do Ministério da Cultura, que está dando as passagens pelo Programa de Intercâmbio Cultural.

programação
Sexta
Manhã:
12:00 h - Restaurante Universitário(RU) da UnB - Apresentação aberta
Divulgação do sarau e contato com o ´público acadêmico.
13h - Almoço -
15 horas - Apresentação do Umoja no Itapoã, quadra de esportes ao lado do restaurante Comunitário

20:30 h - Sarau Radical, a partir das 20:00, no Aquários Bar,
Av. Central(rua da Ponte), 1256 próximo À praça do Reggae
Teatro , música,poesia, dança, artes plásticas, e o Umoja com várias destas reunidas,
previsão de entrada no palco 21:30h

Sábado:
10:00 h - Cortejo às ruas de São Sebastião e Feira Permanente;
14 às 17 h - Oficinas de dança e percussão afrobrasileira
no Colégio São Francisco, centro de São Sebastião, dentro do CAIC(portão lateral)

www.umojabrasil.wordpress.net

Festival de Cannes

2009-05-13T13:46:00.001-03:00

O mais importante festival da sétima arte começa hoje (13)

O Festival de Cannes abre sua 62ª edição hoje (13). A nova animação dos estúdios Disney-Pixar, "Up - Altas aventuras", de Peter Docter, é o filme de estreia. A mostra prosseguirá até dia 24 de maio, quando a Palma de Ouro será anunciada.

O júri do festival será presidido pela atriz francesa Isabelle Huppert. Outras personalidades do cinema integrarão a banca de jurados, como a italiana Asia Argento e a americana Robin Wright-Penn, ambas atrizes, e os cineastas Nuri Bilge Ceylan e James Gray.

A animação de abertura, “UP – Altas aventuras” tem cena que lembra o caso do padre brasileiro que tentou a proeza de voar com balões, mas os produtores afirmaram desconhecer a história.

Grandes nomes do cinema concorrerão à Palma de Outro com suas novas produções. O cinema espanhol será representado por Pedro Almodóvar, com “Los Abrazos Rotos”, e Isabel Coixet, com “Mapa de los sonidos de Tokio”. Quentin Tarantino, o único representante americano, concorre com "Inglorious basterds", filme sobre a Segunda Guerra Mundial.

O britânico Ken Loach também está na disputa com seu filme “Looking for Eric", sobre o jogador de futebol francês Eric Cantona. E Lars von Trier, dinamarquês, apresentará "Antichrist".

A primeira mulher a receber o prêmio máximo em Cannes, a neozelandesa Jane Campion, concorre com "Bright Star".

Também estão na mostra o italiano Marco Bellocchio ("Vincere"), o austríaco Michael Haneke ("Das Weisse Bando”), o taiwanês Ang Lee ("Taking Woodstock"), o chinês Lou Ye ("Spring fever") e o diretor de Hong Kong Johnnie To, com "Vengeance".

Filmes latino-americanos não estão incluídos na mostra competitiva. Mas o Brasil será representado pelo filme “À Deriva”, de Heitor Dhalia, que participa da mostra Um Certo Olhar, da seleção oficial de Cannes.

Foto: Cena de "Abrazos Rotos", de Pedro Almodóvar (Divulgação).

Documentários Franceses

2009-05-12T16:21:00.001-03:00

Mostra conceitua a cultura francesa atual no Museu Nacional

No ano da França no Brasil, documentários franceses estão em exibição no Museu Nacional. A Mostra Cinema Real – Documentários Recentes começa hoje (12) e vai até domingo (17). Sempre às 19h, e no domingo às 18h, as exibições, de entrada franca, discutem o conceito de cultura francesa após imigrações. Produções de ex-colônias estão incluídas.

As seis exibições contam com um longa-metragem e cinco médias. O média de abertura da mostra, “A dança e Degas”, recria a imagem do pintor Edgar Degas, conhecido por retratar cenas do balé-clássico, no palco ou nas coxias.

As fitas foram selecionadas pela franco-colombiana Catalina Villar, pelo belga-macedônio Georgi Lazarevski e pela senegalesa Katy Léna Ndiaye. As nacionalidades dos realizadores do projeto estão relacionadas ao tema do projeto.

Dentre os filmes selecionados estão “A vitória de Cézanne”, que decifra mistérios da obra e vida do pintor; “Invente um País pra Mim”, que evoca discussão sobre racismo e religião ao retratar a vida de crianças em exílio na França; “Por Um de meus Olhos”, trabalho do documentarista israelense Avi Mograbi, uma revista dos mitos de Sansão e Massada; “Rastros, Pegadas de Mulher” busca comparar tradição e modernidade através das pinturas murais das mulheres kassenas de Burkina Faso, perto da fronteira com Gana. A última exibição, “Viagem em Sol Maior”, retrata a viagem de Aimé, de 92 anos, ao Marrocos, onde redescobre a vida através das lentes da câmera fotográfica.

Confira a programação:
Terça-feira, dia 12
19h - A Dança e Degas (La Danse et Degas, França, 2003, Cor, 55’)
Direção: Mischa Scorer

Quarta-feira, dia 13
19h – Por um de meus dois olhos (Pour un seul de mes deux yeux, França, 2004, Cor, 100’)
Direção: Avi Mograbi

Quinta-feira, dia 14
19h – A Vitória de Cézanne (La Victoire de Cézanne, França, 2006, Cor, 52’)
Direção: Jacques Deschamps

Sexta-feira, dia 15,
19h – Invente um país para mim (Invente-Moi un Pays, França, 2005, Cor, 58’)
Direção: Catalina Villar

Sábado, dia 16
19h – Rastros, pegadas de mulher (Traces, Empreintes de Femmes, França /Bélgica/ Burkina Faso/Senegal, 2003, P&B, 52’)
Direção: Katy Léna Ndiaye

Domingo, dia 17
18h – Viagem em Sol Maior (Voyage en Sol Majeur, França, 2006, Cor, 52’) Direção: Georgi Lazarevski

Serviço:

Local: Museu Nacional Honestino Guimarães - Complexo Cultural da República - Esplanada dos Ministérios - No Auditório 2 do Museu Nacional do Conjunto Cultural da República
Data: de 12/05/2009 a17/05/2009
Horário: 19h. Domingo, às 18h
Entrada franca

Foto: "Rastros, Pegadas de Mulher", de Katy Léna Ndiaye (Divulgação)

Trailers dos próximos de Mann e Coppola

2009-05-04T23:25:00.002-03:00

Os novos filmes de Michael Mann e Francis Ford Coppola ganharam trailers e dos bons.

Pela prévia, Public Enemies traz pro cinema digital o que Mann já fez em Fogo contra Fogo: colocar os dois atores fodões do momento pra protagonizar uma história de gato e rato.
Desta vez é Johnny Depp contra Christian Bale que duelam, numa trama baseada no livro Public Enemies: America's Greatest Crime Wave and the Birth of the FBI, 1933-34, de Bryan Burrough.
Mann tem mostrado que o cine digital não deve nada à película. Desde Collateral ele filma assim e o último dele, Miami Vice, já é um exemplo de como se pode fazer coisas lindas com um monte de informações binárias. Se com tramas modernas seu cinema já era fenomenal, chápeus, carrões e armas de gangsta old school não podem dar errado.

O trailer

O trailer de Tetro, de Coppola, é ainda mais animador. A história é do próprio diretor e, com a bagagem do velho barbudo, dá pra esperar um filmão, daqueles que agradam crítica e público. Passada em Buenos Aires, a história mostra Bennie encontrando seu irmão mais velho Tetro (Vicent Gallo) e se deparando com as diferenças de criação e idéias. O trailer me lembrou O selvagem da motocicleta, filme em que Coppola também usou preto e branco (às vezes aparecia um vermelho) e contava a história de um caçula que descobre o que há por trás da marra do irmão mais velho, o tal "Selvagem" do título em português, interpretado por Mickey Rourke (O lutador) novinho, ainda não carcomido pelos sopapos da vida.

O trailer

Não se deixe enganar pela sinopse (e pela foto)

2009-05-03T15:00:00.004-03:00

Porque A Garota Ideal (Lars and the Real Girl) pode te surpreender. Digo isso porque, sinceramente, a sinopse do filme dá uma desanimada: um homem tímido compra uma boneca pela Internet, e ele a trata como uma pessoa real, como sua namorada (foto: Divulgação). A bizarrice do argumento, porém, torna-se algo aceitável quando o roteiro começa a mostrar quem o protagonista, Lars Lindstrom (Ryan Gosling), realmente é: um moço solitário, introvertido, delicado e incapaz de estabelecer relações afetivas com pessoais (reais).

Por isso, ele cria uma realidade que é só sua: adquire uma réplica de mulher da Internet, personalizada por ele, e a namora, porém, de uma maneira bastante tímida e pura. O comportamento de Lars é intimamente transformado. Ele se torna mais falante, comunicativo e sociável. Gus, (Paul Schneider) irmão, e Karin (Emily Mortimer), cunhada, orientados por Dagmar (Patricia Clarkson), psicóloga, tratam Bianca, a boneca-namorada de Lars, como uma pessoa real. E todos na cidade entram no jogo.

A psicóloga se faz de médica e finge tratar Bianca. No entanto, nas conversas entre Lars e Dagmar, enquanto Bianca "repousa" após a consulta, a psicóloga desnuda a origem do delírio (ou delusão) do jovem solitário e compreende que o comportamento estranho de Lars pode ser, na verdade, uma tentativa de sair do isolamento. Texto e direção, entretanto, não se adiantam rumo à construção de um filme psicológico. Lars, Bianca e todos ao seu redor fazem de A Garota Ideal uma tragicomédia sensível, simples e cheia de pureza.

Ryan Gosling, indicado a inúmeros prêmios importantes, inclusive o Globo de Ouro, confere ao personagem uma delicadeza surpreendente, logo nos primeiros minutos de filme. Nancy Oliver, a roteirista indicada ao Oscar 2008 pela originalidade do texto (ela também escreveu e co-produziu episódios da já cult série da HBO A Sete Palmos), e Craig Gillespie, o diretor, dão ao filme a solidez de um drama e uma leveza sutilmente cômica.

A Garota Ideal segue na esteira de sucesso de outras boas tragicomédias recentes (ou dramedy, como dizem alguns críticos norte-americanos), como Sideways - Entre umas e Outras e Pequena Miss Sunshine (isso sem mencionar Brilho Eterno de uma Mente sem Lembranças, que é muito mais do que uma boa tragicomédia), e é um exemplo de que o gênero comédia produzido nos Estados Unidos tem passado por mudanças radicais. De lá, ora aparecem tragicomédias ou comédias tristes, como estas citadas anteriormente, ora surgem filmes de humor subversivo, como O Virgem de 40 anos, já clássico desta nova onda cômica, Superbad - É Hoje, talvez a melhor comédia teen já feita, e o escrachado Trovão Tropical. O interessante é que as boas comédias atuais, mais ou menos enquadradas nesses dois subgêneros, são de longa duração, com mais de uma hora e meia, e febres de locadora. Mas ainda dá tempo de ver A Garota Ideal no cinema!

Em terras brasileiras, desde 1º de maio.

“Che” estreia em Brasília nesta sexta

2009-04-29T13:42:00.002-03:00

Dirigido por Steven Soderbergh, “Che” mostra a história da luta armada que resultou na Revolução Cubana. O filme, que chega aos telões de Brasília nesta sexta-feira (1), é a primeira parte da cinebiografia do revolucionário. A segunda metade ainda não tem previsão para quando será lançada.

A cinebiografia completa do revolucionário Ernesto Che Guevara tem 4h28 de duração e levou oitos anos para ser concluída. A primeira metade, que já pode ser conferida, se concentra na participação do guerrilheiro na Revolução Cubana (1959) até seu discurso na ONU, em 1964. Já a segunda parte, conta seus 341 dias treinando guerrilheiros na selva boliviana, até outubro de 1967, quando Che Guevara morre.

O premiado ator Benicio Del Toro (melhor ator em Cannes 2008 por esse trabalho) é o protagonista e também acumulou a função de produtor do filme. Nele, o brasileiro Rodrigo Santoro interpreta o irmão de Fidel, Raul Castro.

Com custo de US$ 60 milhões, “Che” foi filmado em preto e branco, com uma imagem de aspecto de envelhecida. O filme de Soderbergh foi trabalhado a partir do roteiro de Peter Buchman ("Jurassic Park 3"), baseado num livro de memórias de Che.

Marina Bártholo* para BR Capital Press

My date with Drew

2009-04-24T00:33:00.006-03:00

Eu não me sinto muito segura para escrever sobre filmes, apesar de ser uma cinéfila confessa. Mas acabo de abrir uma exceção(vamos lá). Dediquei minha quinta-feira à noite no Telecine Cult e assisti um documentário somente pelo seu título. “Meu encontro com Drew Barrymore” (My Date With Drew). O filme conta a história de um fã, aliás mas que isso, um apaixonado confesso por uma das estrelas de comédias românticas (tenho que confessar um dos meus gêneros favoritos) mais famosas de Hollywood, que tenta incessantemente conhecê-la.

Brian Herzlinger se apaixonou por Drew a partir do momento que a viu em "E.T. O Extraterrestre". Já adulto, ele resolveu realizar o seu sonho de conhecer a estrela , usando uma câmera alugada e R$ 1.100 dólares, prêmio que ganhou em um show, Brian resolveu gravar um documentário que mostrasse a sua luta em conseguir um encontro com Drew Barrymore. Com uma ideia louca e uma câmera na mão ele seguiu em busca de amigos de amigos de amigos da atriz. Desde sua esteticista até o diretor das “Panteras”.

Um dos maiores méritos do filme é a simpatia de Brian, que segura a história e faz o seu sonho considerado bobo e sem sentido por muitos se tornar importante para quem o acompanha. É divertido vibrar com o seu nervosismo e com suas dúvidas como o que dizer durante um possível jantar com Drew. Outro grande ponto importante no filme é a participação de um dos ex-namorados da atriz, Corey Feldman, figurinha cativa em filmes dos anos 80 como “Os Goonies” , ele conta como sua história com Drew Barrymore aconteceu.

O filme prega a busca pelos sonhos de uma maneira engraçada e acima de tudo original. E analisando debaixo da cortina do humor, podemos tirar uma bela mensagem dessa história. Como diria a própria atriz, “Se você não correr riscos, você terá uma alma perdida”.O documentário premiado nos passa a esperança de que nada e nem ninguém é inacessível, nem a Drew.

O mundo em um clique

2009-04-23T18:41:00.010-03:00

Câmera, computador, disposição e muito amor à fotografia: o artista plástico e pesquisador da UnB Sílvio Zamboni põe o pé na estrada para registrar cidades do mundo

Fotografar características históricas, artísticas, estéticas, arquitetônicas e arqueológicas de todas as cidades tombadas do mundo, catalogando-as em um imenso banco de imagens. Essa é a proposta do projeto Patrimônio Mundial da Humanidade, que, com fotos tiradas de ângulos inusitados, cortes nada convencionais e cores vibrantes proporcionam uma perspectiva diferente a olhares acostumados a observar monumentos sempre da mesma forma. A técnica do fotógrafo mistura-se à sensibilidade do artista para captar imagens que não são apenas meros registros de viagem, mas obras de arte. Nas palavras do próprio idealizador do projeto, Sílvio Zamboni, a empreitada é mais que um projeto de pesquisa: é um projeto de vida.

Professor da Universidade desde 1993 e artista plástico com uma vida inteira de experiência, Sílvio deixa a modéstia de lado quando o assunto é sua carreira. “Ainda me considero pintor, apesar de estar parado há algum tempo. Mas devo ter centenas de quadros”, estima. O flerte com as lentes da câmera fotográfica, entretanto, demorou um pouco mais para aparecer. Já experiente em fazer arte com ajuda da computação gráfica, Sílvio se diverte ao lembrar-se da época que se interessou por fotografia. “Assim que as máquinas fotográficas ficaram mais acessíveis, comprei uma e começaram a sair muito boas”, conta. “Menos de um ano depois, eu tinha um livro publicado e virei fotógrafo”.

Tudo começou a oito anos, na cidade de Pirenópolis, Goiás. “Comecei a fotografar porque eu tenho casa lá, então, já tenho uma ligação muito grande com a cidade”, explica. A satisfação com o resultado das fotos foi tanta que a cidade acabou ficando pequena para a ambição do mais novo fotógrafo brasiliense. Surgia, então, o subprojeto Patrimônio Brasil, que ampliava o itinerário para incluir todas as cidades tombadas do Brasil. De norte a sul do país, o artista-fotógrafo já conseguiu registrar quase tudo, “faltando, talvez só o Maranhão”.

Mas a terra do futebol também acabou ficando pequena demais, e o jeito foi partir para o resto do mundo, com os subprojetos América Latina e Europa. “Tive a oportunidade de viajar para o Peru e fotografar toda a riqueza em bens culturais de lá, que vai muito além de Machu Picchu”, conta Sílvio. Em 2008, os destinos foram Espanha, Portugal e Itália – onde as cidadelas medievais ganharam atenção especial nos cerca de dois meses de viagem.

Foto tirada em 2008, da cidadela medieval Carcassone, ao sul da França: menina-dos-olhos do pesquisador

Uma vez pronto, a idéia é que o banco de imagens sirva como fonte de consulta para pesquisadores e professores da UnB. “Em áreas como a arquitetura, por exemplo, ter imagens de diversas cidades pode ser muito útil”, exemplifica o artista, que faz questão de esclarecer: embora o objetivo seja dar a concessão das imagens gratuitamente, no momento em que der seus últimos cliques, a transação deve ser feita de forma minuciosa, para evitar prejuízos. “Não quero que as minhas fotografias sejam usadas comercialmente, a menos que haja alguma cláusula que me favoreça”, pondera.

Sem apoio financeiro, Silvio precisa tirar todos os gastos da viagem de seu salário de professor. “Nunca tentei o apoio da UnB, porque achei que não teria espaço”, diz. A alternativa para as viagens não pesarem tanto no bolso são os incentivos fiscais do Governo, como o Fundo de Apoio à Cultura (FAC) e a Lei rouanet, ou buscar ajuda junto a organismos internacionais, mais acessíveis que os “herméticos órgãos de pesquisa” brasileiros. “Na minha viagem ao México, o governo mexicano me ajudou bastante”, exemplifica.

A criação

Da execução da foto até a imagem final, o processo de criação envolve muita paciência, sorte e principalmente talento do artista. “Não é uma fotografia comum. Ela pode ser boa para uma revista, mas não ser propriamente uma obra de arte”, compara. O fotógrafo calcula que a média seja de uma foto artística para cada duzentas tentativas. O que sobra vira registro de viagem, pois embora não sejam tão especiais como as outras, as imagens servem para enriquecer o futuro banco de imagens.

Sílvio explica que, quando se trabalha com fotos digitais, há sempre duas etapas: a primeira seria a do fotógrafo puro, ou o momento em que ele capta a imagem. Após a escolha da fotografia ideal, as imagens passam por um tratamento digital, a segunda etapa do processo. As modificações podem ser sutis (uma imagem escura que fica mais clara, por exemplo) ou mais elaboradas. “Ás vezes, com pequenos efeitos de computador, você pode recriar uma fotografia que não é necessariamente excepcional”.

Cores vibrantes e ângulos pouco convencionais são a marca registrada do fotógrafo

Mas como diferenciar uma fotografia artística de uma não tão especial assim? Para Sílvio, a resposta é tão arbitrária como a própria arte. “O que diferenciaria um grande quadro de um quadro medíocre? Eu não sei dizer, mas todo mundo sabe diferenciar uma grande pintura de uma pintura medíocre ou mediana”, diz. “Elas têm que ser especiais, têm que ter alguma coisa diferente de tudo”.

O artista explica que fotos artísticas não precisam, necessariamente, retratar a realidade. O que conta mesmo são os elementos que compõem a imagem – seja um ângulo, uma cor, um lance ou um momento fotográfico – que possam ser considerados relevantes a ponto de serem eternizados, e não tanto a técnica utilizada no momento de tirar a fotografia. “Pode ser um momento fotográfico tão especial que torna aquela fotografia uma obra de arte”, completa.

Filme de Heitor Dhalia está no Festival de Cannes

2009-04-23T16:06:00.001-03:00

O novo filme do cineasta brasileiro Heitor Dhalia, “À Deriva”, participará da sessão "Un certain regard" (Um certo olhar, na tradução livre), do Festival de Cannes. A mostra, que chega à sua 62º edição, acontecerá de 13 a 24 de maio na cidade francesa Cannes. Divulgada hoje (23), a seleção conta com renomes do cinema como Almódovar e Lars Von Trier.

A sessão em que o longa-metragem brasileiro participará junto com outros 19 está fora da mostra competitiva. Ao todo, o Festival de Cannes conta com 53 filmes de 23 países.

Heitor Dhalia é conhecido por seu filme anterior “O cheiro do Ralo”, premiado no Grande Prêmio do Cinema Brasileiro. Seu novo trabalho tem produção de Fernando Meirelles. O elenco conta com Camilla Belle (10.000 A.C.), Vincent Cassel, Déborah Bloch e Taís Araújo.

O drama “À Deriva” conta a saga de uma garota de 14 anos, Filipa (Laura Neiva), durante uma viagem de férias à praia com sua família. Durante os dias de passeio, a adolescente passa por descobertas de amor em meio à iminente separação de seus pais, o escritor Mathias (Cassel) e a professora Clarice (Debora Bloch).

Marina Bártholo para BR Capital Press

Cultura enjaulada em Brasília

2009-04-17T18:42:00.004-03:00

Artistas se manifestam contra a programação do aniversário de Brasília e reivindicam mudanças na política cultural

Com tambores, uma jaula e megafones, artistas da cidade protestaram hoje (17), em frente ao Conic, contra a política cultural de Brasília. Eles questionam a escolha dos artistas para os espetáculos do dia 21, quando a Capital completa 49 anos. A programação não conta com apresentações de artistas locais. Para trazer Xuxa e Cláudia Leite, o governo gastou 950 mil reais.

De dentro de uma jaula em frente ao Conic, Adeilton Lima, ator na capital há 23 anos, afirmou que o governo não apóia de maneira ideal a cultura local e toma as comemorações do aniversário da cidade como exemplo. “Nós temos artistas de qualidade aqui. Temos cultura que é produzida e realizada em Brasília, com história e identidade. Estamos revoltados com o descaso da Secretaria de Cultura. Nós queremos projetos sólidos e não eventos nos quais se vão rios de dinheiro”, disse ele.

A jaula posta na Praça do Zumbi dos Palmares, diante na Faculdade Dulcina de Moraes, no Conic, é uma alegoria feita a partir da obra Um Artista da Fome, de Franz Kafta. “Na história, o homem tem que bater seu próprio record de dias sem comer para poder continuar sendo uma atração para as pessoas. É o paradoxo da sobrevivência. Essa condição não me parece muito diferente da situação atual dos artistas brasilienses”, afirmou Adeilton.Além de Adeilton, outros artistas como Wellington Abreu, Walter Sarça e Doner Cavalcante protestavam com tambores e megafone.

FOTOS: ALEXANDRA MARTINS

Marina Bártholo* para BR Capital Press

Presidente Lula no "South Park"

2009-04-17T00:56:00.002-03:00

O presidente Lula virou personagem na animação "South Park", em episódio que foi ao ar nos Estados Unidos ontem (15). No mesmo capítulo, o presidente da França, Nicolas Sarkozy, a chanceler alemã, Angela Merkel, o primeiro-ministro britânico, Gordon Brown, entre outros líderes mundiais, também foram retratados. O episódio trata de um teste de confiabilidade que a Federação dos Planetas está aplicando nos líderes da Terra.

O personagem Stan mata um alienígena tido como perigoso. Em seguida, a polícia espacial aterrissa na cidade fictícia para perguntar sobre seu membro desaparecido. Deste modo, o pai de Stan liga para líderes mundiais para saber se algum deles havia visto o sujeito. Neste momento, Lula aparece. Ele e os outros líderes negam terem visto.

A polícia espacial diz ao pai que o alienígena é procurado por roubar milhões em dinheiro do espaço. Neste momento, todos os personagens dividem o dinheiro encontrado e dizem desconhecerem p paradeiro. Lula, assim como os outros personagens, quando indagado novamente pelos alienígenas sobre o dinheiro, responde: "Sem mudanças".

Intitulado "Pinewood Derby", o episódio poderá ser visto no site South Park Studios.

Marina Bártholo* para BR Capital Press

"Em mim a anatomia ficou louca, sou todo coração"

2009-04-15T23:20:00.009-03:00

Meu próximo post ia ser sobre um livro que estou lendo (olha o gerúndio aí) porém terminá-lo tem sido uma tarefa árdua. Me falta tempo e concentração (para variar). Então resolvi escrever sobre o que já li, e gostei.

Como amante da poesia descobri alguns autores que não me chamariam a atenção se não fossem por seus pequenos versos em vez de suas grandes obras. Wladimir Maiakovisk é um desses achados.O poeta russo é conhecido pelas suas literatura de tom revolucionário. Maiakovisk possuía um dom único para tratar de qualquer assunto com uma linguagem bela e simples, mas ao mesmo tempo rica e instigante. Ao terminar de ler suas poesias o leitor automaticamente é levado a querer conhecer mais a sua obras.

“Não acabarão com o amor,
nem as rusgas,
nem a distância.
Está provado,
pensado,
verificado.
Aqui levanto solene
minha estrofe de mil dedos
e faço o juramento:
Amo
firme,
fiel
e verdadeiramente.”

Seus relatos refletem um pouco de sua vida. Diria que Maiakovisk foi um exemplo não só pelo que escreveu, mas pelo jeito que viveu e que pode ser observado em sua obra. O poeta foi um homem revolucionário, arrebatador, com muitas paixões, ele foi épico e lírico não só em suas poesias, mas em sua vida.Era conhecido pela sua paixão de viver e pela sua falta de preocupação com as regras. Não era um arnaquista,e sim um sonhador, mais que isso,um aventureiro que desfrutava a vida o máximo que podia. Conhecer a obra desse belo poeta vale não só pelo aprendizado mas sim como inspiração. Seguir os “mandamentos” da vida de Maiakovizk, pelo menos de vez em quando, nos faria muito bem.

"Eu fui para sempre ferido pelo amor - mal e mal posso arrastar-me. O amor não está em ferver bruscamente, nem em acender uma fogueira, mas no que há por trás das montanhas de nosso peito, e bem abaixo da selva de nossa cabeleira. Amar é ir até o fundo do cercado e, até que a noite chegue, cortar lenha com chispas no machado, e a nossa própria força pôr em xeque. O amor não é paraíso, é simplesmente o atestado: de que outra vez se engrena o coração - motor enferrujado. Na terra há luzes - até o céu. No céu, estrelas a granel. Se eu não fosse poeta, seria astrônomo, por certo. Minhas palavras soletram às estrelas um cometa dourado. Deixando pelo céu seu rastro, brilha a plumagem caudalosa do cometa. Ouço em meu peito até o último pulsar: o amor a ressoar. O furacão, o fogo, o mar vêm vindo furiosamente. Que os pode domar? Você? Experimente."

Wladimir Maiakovski

Essa Fome...

2009-04-15T15:43:00.006-03:00

Ficou mais fácil ser guloso. Baixou de quatro para uma fatia de bolo de chocolate devorado por dia para que a gulodice fosse considerada. Essa estatística abstrata pode ser constatada por qualquer observador mais desconfiado. Se emagrecer é a psicose em massa da atualidade, engordar é a neurose um tanto medonha.

Escutar mais sobre dietas infalíveis que sobre receitas de apetitosos quitutes é uma realidade incontestável. Perder peso é a meta de crianças a idosos cercada por várias alegações. O excesso dele faz sim mal à saúde e é verdade que a população está crescendo para os lados. Adjacente a isso, a magreza extrema tem sido a busca árdua da outra parcela do povo já considerada dentro das medidas. Gordurinhas demonstram tantos malefícios quanto os ossos à mostra, mas pelo jeito esse entendimento ainda não foi alcançado.

Lá se vão as carnudas, agora vêm as Tops peso pena. Observem as ‘celebridades’, depois de uma sumida, voltam mais magras do que já eram e trajando modelitos top de linha. A moda, cheia de laços, cintos, listras e volumes só é feita para corpos não esculturais, ou seja, os mais retos possíveis. Que as coleções ditam o que vestir, acessórios, maquiagem, cortes e cores de cabelo, já é sabido, mas que também ditam formatos de corpo, é novidade.

Longe de mim querer culpar modelos pela insanidade alheia (ou não, né), mas é verdade que as menininhas e mulheres andam se inspirando nelas para transformarem seus ambientes, em passarelas, e a elas, em top models. Todas querem ser admiradas, singularizadas e desejadas, seja na rua, nas escolas, boates ou, como era de se esperar, na Internet.

Com o acesso a câmeras digitais e um espaço na rede para divulgarem fotos, as meninas vivem a ilusão da fama. Nas fotos postadas em sites como “flogs” ou Orkut, estão elas, garotinhas suas roupas transadas, cabelos lisos e poses de caras e bocas variadas. Abaixo de cada imagem comentários de meninos e meninas igualmente “modelizadas”. Daí então o gostinho artificial da fama que substitui o sabor do chocolate.

A atenção intensiva para o corpo é uma característica herdada da década passada. Atenção esta promovida por quem olha e por quem mostra; e tanto "olhar" quanto "mostrar" são os verbos que sintetizam bem as ações plásticas desse tempo meramente estético. O que atrai é a embalagem, os títulos, as cores, o supérfluo e imediato; a primeira impressão. Detalhes, essência, diferenças, idéias, enfim, o que requer mais tempo de contemplação para ser reconhecido, vem sendo abominado pela grande maioria das pessoas que também acabam se tornando apenas um corpo.

Uma coisa leva à outra dentro desse grande sistema que rege a vida em sociedade. Então, para alcançar toda essa abstração plástica provinda sabe-se lá de onde (talvez do nada, é, talvez desse niilismo), renunciam aos sentimentos de prazer, como o sabor, e se entregam a outros, como o medo de ser e de crescer... Seja em carne ou mente.

No mês de aniversário da cidade, produções audiovisuais retratam a capital

2009-04-13T17:17:00.001-03:00

A Invenção de Brasília, documentário de Renato Barbieri, será exibido hoje (13) no Cineclube bancários. A produção de 55 minutos retrata a capital de sua construção aos dias atuais. Também será exibido o curta de 12 minutos A lente e a janela, de Marcius Barbieri. Após as exibições, haverá debate com Renato. A sessão começa às 20h, no Teatro dos Bancários, com entrada franca.

No mês do aniversário da cidade, o Cineclube Bancários dedica as exibições à Capital. O primeiro filme desta noite conta com a narração de Fernanda Montenegro e traz cenas da construção da cidade. Já o curta A lente e a janela, conta a história de uma menina que ganha no Natal uma câmera filmadora e se transforma por meio dela e da janela.

As exibições do Cineclube bancários acontecem sempre nas segundas-feiras e são seguidas de debates. Isso permite que o público interaja com os diretores das produções e tenha a chance de esclarecer dúvidas. A realização é do Sindicato dos Bancários de Brasília, com produção e programação da Brazucah Produções Culturais.

Para BR Capital Press

Kiss chega ao Brasil!

2009-04-07T17:30:00.002-03:00

Banda passará por São Paulo e Rio de Janeiro em turnê brasileira

Kiss se apresenta hoje (7) em São Paulo. (Foto: Divulgação)

A banda de rock americana Kiss chegou hoje (7) a São Paulo, onde fará a primeira apresentação da turnê. O show acontece esta noite na Arena Anhembi e amanhã na Praça da Apoteose, no Rio de Janeiro. As duas capitais são as únicas cidades por onde a banda passará no Brasil.

A turnê pela América do Sul começou na última sexta-feira (3), em Santiago, no Chile. Ontem o grupo tocou na capital Argentina, Buenos Aires. Do Brasil, a banda parte para Bolívia.

No repertório dos shows, clássicos como Rock and Roll All Nite, Detroit Rock City e Lick It Up estão dentre as 20 músicas a serem apresentadas.Os ingressos para os show custam R$ 170 e R$ 160 (pista) para São Paulo e Rio, respectivamente e R$ 350 (pista vip) para as duas capitais. Ainda há ingressos para as apresentações.

A turnê Alive/35 é comemorativa dos 35 anos da banda. Na sua formação atual traz os remanescentes Gene Simmons (baixo e vocal) e Paul Stanley (guitarra e vocal) acompanhados pelo guitarrista Tommy Thayer e pelo baterista Eric Singer.

Já faz 10 anos desde a última apresentação da banda no país. Na ocasião o show foi feito ainda pela formação original, com Ace Frehley (guitarra e vocal) e Peter Criss (bateria e vocal).

Marina Bártholo para BR Capital Press

García Márquez não pára de escrever

2009-04-07T14:56:00.006-03:00

O escritor desmente a notícia de que nunca mais escreveria

Gabriel García Márquez não faz outra coisa senão escrever. (Foto: Divulgação)

García Márquez disse ao jornal colombiano El Tiempo que não vai parar de escrever. A declaração foi em resposta à afirmação dada na semana passada por sua agente literária, Carmen Balcells. Ela falou ao jornal chileno La Tercera que o escritor poderia nunca mais escrever.

“Lo único cierto es que no hago otra cosa que escribir” (“A única verdade é que não faço outra coisa senão escrever”, tradução livre), desmentiu o escritor neste domingo (5). Gabo, como é chamado, ainda completou dizendo que seu trabalho não é publicar e sim escrever. “Yo sabré cuándo estén a punto de boca los pasteles que estoy horneando” (Eu saberei quando estejam no ponto os bolos que estou assando, tradução livre), declarou ao jornal colombiano.

Marina Bártholo para BR Capital Press

História de Jean Charles vira filme

2009-04-07T14:41:00.001-03:00

Focado na imigração na Europa, trama conta história de brasileiro morto com sete tiros em Londres

Com Selton Mello e Vanessa Giácomo, o filme Brazuca conta história de Jean Charles de Menezes que foi morto com sete tiros na cabeça no metrô de Londres em 2005, após uma atentado à bomba fracassado.

Dirigido por Henrique Goldman, Brazuca foi orçado em US$ 8 milhões e teve apoio financeiro do Film Council, órgão estatal inglês de fomento ao cinema. O filme retrata a história do brasileiro antes e depois de sua morte, quando sua prima luta pela prisão de seus assassinos.

Marina Bártholo para BR Capital Press

1001 discos para baixar antes de morrer

2009-04-07T11:32:00.007-03:00

Inspirado no livro "1001 Discos para Ouvir Antes de Morrer" (1001 Albuns you must hear before you die), de Robert Dimery, no qual o autor indica os discos mais importantes da história segundo levantamento feito com 90 jornalistas e críticos, o site de downloads Nobrasil.org colocou links para downloads gratuitos (e ilegais) de quase todos os álbuns citados nessa obra. (foto: Reprodução)

Lista de Schindler é encontrada

2009-04-06T15:54:00.007-03:00

O documento estava em biblioteca na Austrália entre notas de pesquisa do escritor Thomas Keneally

Escritor Thomas Keneally com a lista de Schindler. (Foto: AFP)

A lista foi feita por Oskar Schindler e entregue a oficiais nazistas para salvar seus 801 funcionários judeus de serem enviados a campos de concentração. O documento foi adquirido pela biblioteca de Sydney, em 1996, junto com outras notas de pesquisa do escritor australiano Thomas Keneally. Segundo a curadoria, tanto a biblioteca como o livreiro ignoravam a presença da lista entre o material.

Os documentos foram usados como objeto de pesquisa para o livro A Arca de Schindler, que mais tarde baseou o filme A lista de Schindler, de Steven Spielberg. A lista foi entregue a Keneally, há cerca de 30 anos, por Leopold Pfefferberg, um dos judeus salvos.

Considerada um dos documentos mais poderosos do século XX, a lista elaborada durante a Segunda Guerra Mundial tem 13 páginas amareladas contendo nomes e nacionalidades de 801 judeus que trabalhavam na fábrica de Schindler na Cracóvia, Polônia.

Marina Bártholo para BR Capital Press

Sentidos aguçados

2009-04-03T18:14:00.004-03:00

Evinny Araújo
especial para a Revista Asmip
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Uma exposição de arte. Logo, pensamos em ver de longe quadros e esculturas. O acesso dos cegos à cultura foi uma questão que sempre instigou a artista plástica Cristina Portella. Pensando nisso, ela inovou com a exposição Cores do Silêncio, em que é possível tocar as obras e sentir suas texturas. Nascida em Niterói, no Rio de Janeiro, ela mora em Brasília há 25 anos. Após décadas de trabalhos voltados para as artes, Cristina viu a possibilidade de tornar sua arte acessível aos deficientes visuais. A artista contou um pouco sobre sua trajetória.

EA: Qual o principal diferencial de sua exposição?

Cristina Portella: O grande diferencial está no tradicional aviso “Proibido tocar”, tão comum em museus e galerias. Ele é substituído por um convite irrecusável: “Por favor, toque”. Imaginei e criei a exposição Cores do Silêncio para deficientes visuais. Além disso, os monitores da exposição são cegos. Quando a exposição é visitada, as pessoas podem ter a experiênciade ser guiadas por um deles, ou de colocar venda nos olhos. Todos os monitores são contratados a preço de mercado, tanto no Brasil, quanto no exterior.

Como surgiu a idéia de uma exposição tátil, voltada para cegos?

Durante décadas de trabalhos voltados para as artes plásticas e dentro do papel social que um artista desempenha, pensei: como a arte pode ser acessível culturalmente? Qual a linguagem da arte e seus novos códigos visuais? Como o público deficiente visual poderá ter contato com meus quadros? A vontade é, sem dúvida, a qualidade mais importante do ser humano. Dormi com a idéia de tornar minha arte acessível e acordei com a exposição pronta! Foi assim que surgiram minhas exposições sensoriais.

Sua exposição percorreu diversos países, como foi a receptividade do público?

A exposição percorreu as principais capitais brasileiras e países como o Japão, Bélgica, França, Suécia e Estados Unidos entre outros. Foi bastante visitada e teve boa acolhida pela crítica. Os monitores da Associação Nacional de Cegos da Suíça foram brilhantes como guias. Para minha surpresa, os diretores de vários museus e instituições culturais ficavam impressionados com a inovação de meu trabalho. Trago na bagagem de volta um convite para expor na ONU, em Genebra, em julho de 2009 e uma enorme vontade de continuar a mostrar para o mundo que a falta de visão não é um obstáculo. Arte é emoção e sentimento.

Qual a inspiração para as obras de Cores do Silêncio?

Ao elaborar Cores do Silêncio, tive a Amazônia como fonte inspiradora e o fascinante vôo migratório das borboletas. Com isso, tive a liberdade de trabalhar em quadros representando as regiões brasileiras, permitindo que a arte sensorial e as mais variadas técnicas fossem adequadas a cada tela. Trouxe da Amazônia folhas, pedras, aromas e sementes, criando o cenário educativo.

Foto: Evinny Araújo

É Tudo Verdade

2009-04-03T16:22:00.006-03:00

Principal evento do documentário na América Latina chega a Brasília com edição especial e estréia nacional

Extrapolando mais uma vez o eixo cultural Rio-São Paulo, o Festival Internacional de Documentários É tudo verdade, chega à Brasília para 12 dias de exibições. Em sua 14ª edição, serão exibidos 36 filmes, entre longas, médias e curtas-metragens, no Centro Cultural Banco do Brasil Brasília, de 14 a 26 de abril.

Considerado o principal evento dedicado ao cinema documentário na América Latina, esta edição traz à capital documentários brasileiros inéditos e títulos internacionais premiados nos principais festivais do mundo. No entanto, a edição integral do festival está sendo exibida em São Paulo e no Rio de Janeiro, onde tem caráter competitivo.

Em Brasília, o atrativo extra é A Casa dos Mortos, documentário de 24 minutos produzido pela antropóloga Debora Diniz, com o apoio da UnB TV. O roteiro, baseado no poema Bubu, um homem que acumula sua 12ª internação, conta a história de internos de um presídio psiquiátrico de Salvador (BA) que sobreviveram, morreram ou simplesmente deixaram de viver, vítimas do abandono e sem perspectiva ou futuro. A diretora participará de debate com a platéia após a sessão das 20h30, no dia 24 de abril.

O É Tudo Verdade – Festival Internacional de Documentários é de criação e direção de Amir Labaki, com o co-patrocínio do Centro Cultural Banco do Brasil Brasília. Na cidade, serão quatro sessões diárias com entrada franca. “A seleção deste ano reafirma que a produção documental está hoje na vanguarda do curta-metragem no Brasil. O aumento do numero de inéditos sinaliza ainda o crescimento da produção”, afirma Amir.

Em primeira mão, será exibido na edição de Brasília, o recém concluído longa-metragem Domingos, de Maria Ribeiro. O documentário conta a história do cineasta, escritor e dramaturgo Domingos de Oliveira.

Destaques do documentário internacional também estarão em exibição na edição brasiliense. Um deles é o documentário Z32, do reconhecido diretor israelense Avi Mograbi, que tem marcado sua trajetória por filmes experimentais na forma, cujo conteúdo é sempre crítico ao tratamento dado por Israel ao povo palestino.

A Casa dos Mortos, a ser exibido dia 24/04. (Foto: Divulgação)

*Matéria produzida para BR Capital Press

Homenagem ao maestro Claúdio Santoro traz cultura à periferia no sábado(04/04)

2009-04-03T09:06:00.003-03:00

Administração Regional promove, com apoio de grandes músicos, atores e poetas da cidade a Homenagem ao Maestro de Brasília, na Biblioteca Pública de São Sebastião, na própria administração. O evento começa às 19:30h com leitura de poemas sobre o maestro, sua história de vida dedicada à música, apresentações de música clássica e trechos da sinfônica com a presença da esposa e coreógrafa Gisele Santoro. A entrada é franca.

Todos já vimos ou passamos por aquele grande teatro ao lado da rodoviária. Parece uma pirâmide, com os blocos de Athos Bulcão ilustrando sua lateral. Mas como é o nome daquele local: Teatro Nacional Cláudio Santoro. Por quê? Pois foi em Brasília que este renomado maestro deu vida à sua arte e de onde se projetou para o mundo. Neste ano, homenageiam-se os 20 anos de falecimento do músico de Brasília, em pleno ensaio geral da orquestra, no dia 27 de março de 1989. O polivalente músico natural de Manaus, teve uma carreira brilhante, tendo sido convidado para reger todas as orquestras do país e as mais renomadas do mundo. Por estas e por outras, o ano de 2009 é o Ano Santoro para a cultura no DF.

Também são comemorados os 30 anos da criação da Orquestra Sinfônica do Teatro Nacional(OSTN), sob a regência de Cláudio. E ainda, comemoraríamos os 90 anos de Santoro. Ainda assim, a comemoração vai ser pela sua eternidade.

Programação
O Maestro de Todos —O Teatro de todos! por Beth Dias

Primórdios da Música em Brasília, criação da escola para crianças na UnB, criação da Orquestra Sinfônica do Teatro nacional – Por Clinaura Macedo

Santoro, professor de composição, a importância do compositor no cenário nacional e internacional – Por Ricardo Vasconcelos

Santoro, o administrador –Homem político, por Afonso Galvão

A pessoa do maestro, a Visão, a alegria – Por Beth Dias

O Maestro para os jovens da Orquestra – Por Liliana Gayoso

Ilustrações musicais – ao vivo – flauta e piano –Beth Dias e Francisca Aquino

Intérpretes dos poemas – Júlio Cezar Cavalcante e Devana Babu(Radicais Livres S/A)

Serviço: Biblioteca Pública de São Sebastião fica na Administração Regional de São
Sebastião, Bairro Residencial Oeste, próximo ao CAIC Unesco

Gabriel García Márquez poderá nunca mais escrever

2009-04-02T15:54:00.002-03:00

"Acho que Gabriel García Márquez não voltará a escrever nunca mais", disse a agente literária Carmen Balcells em entrevista ao jornal chileno "La Tercera". A agente é uma das mais influentes no meio literário de lingua espanhola.

García Marquez, escritor colombiano vencedor do Prêmino Nobel de 1982, representa 36,2% do lucro da "Agencia Literaria Carmen Balcells". Em fevereiro, durante a Feira do Livro de Guadalajara, no México, o escritor disse que "escrever livros dá trabalho".

O autor da única biografia autorizada do escritor, Gerald Martin, apoia Carmen."Eu também acho que ele não escreverá mais livros, mas isso não me parece lamentável. Como escritor, foi seu destino ter uma trajetória literária totalmente coerente", disse Martin. Segundo ele, Gabriel García Márquez, que completou 81 anos, tem alguns livros completos guardados.

Gabriel García Márquez, que completou 81 anos em março. (Foto: divulgação/internet)

*Nota produzida para BR Capital Press

A guerra como você nunca viu

2009-04-01T23:30:00.003-03:00

De Israel, vem o mais incrível filme sobre guerra dos últimos tempos: Valsa com Bashir (Valse avec Bachir). (- E as premiações?; - Arre, vá ver no IMDb!.) É uma autobiografia-documentário-animação contada de forma sincera, tocante e original pelo cineasta Ari Folman (foto: Divulgação). Atormentado por um sonho ambientado no conflito entre Israel e Líbano, ocorrido em 1982, no qual Folman participou como soldado das tropas israelenses que invadiram Beirute, o cineasta procura a ajuda de companheiros ex-combatentes para tentar encaixar as peças de uma experiência pessoal de que ele é incapaz de se lembrar com consistência e clareza. Ou seja, não se trata apenas da visão particular de um cineasta sobre um conflito, como Oliver Stone em Platoon, Coppola em Apocalypse Now ou Kubrick em Nascido para Matar. Aqui, o cineasta está intimamente ligado com a realidade dos fatos, busca depoimentos de amigos para reconstruí-la e a reproduz por meio de um filme documental muito particular, autoral, mas que já possui notável importância histórica.

À época, Folman presenciou o que seria considerado, mais tarde, um dos episódios mais tenebrosos e chocantes da história do Oriente Médio: o massacre de Sabra e Chatila. Sabra e Chatila eram dois campos de refugiados palestinos, localizados no centro de Beirute. O presidente eleito Bashir Gemayel, 34 anos, era um dos principais representantes do comando da milícia cristã Falange, apoiada por Israel. Antes de tomar posse, Gemayel foi assassinado em um atentado terrorista. E os falangitas atribuíram aos palestinos a morte do presidente. Resultado: membros da Falange invadiram o campo de refugiados e fizeram entre 700 e 3 mil vítimas. Mulheres, idosos e crianças. E o exército israelense, que ocupava a capital libanesa, foi indiferente. Folman, então jovem soldado de 19 anos, também. O trauma da indiferença passada nunca foi recuperado e, inconscientemente, as memórias da guerra e do massacre ocupavam espaços inacessíveis na mente do cineasta e ex-combatente.

A cada depoimento, o documentário expõe trechos de memória recuperados de Folman: recortes de uma batalha violenta expostos por meio da linguagem do desenho, mas com uma progressão narrativa de documentário. O resultado são imagens incríveis, uma miscelânea de ficção e realidade imersa em um visual inovador e original. Ari Folman, que, solitário, dirige e assina o roteiro, concebe um documentário poderoso, arrepiante, cheio de sensibilidade e marcado pela ânsia de seu autor em expor e entender traumas antigos. Traumas pessoais de um ex-soldado e sociohistóricos de uma nação.

Nos cinemas brasileiros, a partir de 3 de abril. (E olha que desta vez uma distribuidora nacional me surpreendeu, pois o filme, inicialmente, estava previsto para aparecer por aqui só no fim do mês.)

Bem, hehe, eu já vi o filme aqui em casa há mais de um mês... E ainda tenho no pc. Portanto, interessados (e endividados), manifestem-se!
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Eu prometi e menti (e daí?) quando falei que veria Simplesmente Feliz no cinema. Mas esse, agora eu falo sério (!?), quero, preciso ver em tela grande.

Mamãe eu quero ser um Pumpkins

2009-03-31T23:19:00.010-03:00

Nessa última semana, nós fãs (pelo menos eu) do Smashing Pumpkins soubemos da saída do baterista Jimmy Chamberlin da banda. Mas agora, uma notícia mais empolgante vem à tona. Billy Corgan está a procura de um substituto e resolveu abrir um concurso para encontrar o novo integrante.Yeah baby! A abertura oficial foi feita nessa terça feira (31/03), e a seleção acontecerá no dia 10 de abril. Os interessados devem mandar o currículo com fotos e vídeos para o email pumpkinsdrummer@gmail.com.

Apesar de Corgan ser o único integrante original da banda, nessas horas você se pergunta: Porque eu não larguei tudo e decidi ser um grande astro de rock? Só a entrevista desse emprego já valia a pena...

Fotógrafo da alma

2009-03-31T16:33:00.009-03:00

Divulgação
O cineasta sueco Ingmar Bergman (1918 – 2007) ganha mostra e curso no Espaço Marcantonio Vilaça

O jornalista, sociólogo e professor de cinema Sérgio Moriconi considera que Ingmar Bergman está entre os autores eternos do cinema, entre muitos motivos, por ser detentor de uma visão de mundo própria. Com sua estética particular, reflete sobre questões existenciais, como a morte, a solidão e a fé. Curador da "Mostra Ingmar Bergman", que começa amanhã e vai até domingo no Espaço Cultural Marcantonio Vilaça, Moriconi também ministrará um curso sobre o tema, no mesmo local.

A mostra composta de dez filmes integra e antecede o curso "O fotógrafo da alma: O cinema de Ingmar Bergman". Devido à vasta extensão da filmografia de Bergman, o curador explica que optou por estender os títulos na mostra, a fim de complementar o que vai ser visto no curso e oferecer uma visão melhor da obra como um todo.

"A minha curadoria tratou de mostrar como o cineasta foi aperfeiçoando sua estética, que amadureceu e se consolidou em 1957 com o filme marco que define seu cinema: "Morangos silvestres" – este com estilo diferente de seus primeiros filmes, que começaram tateando por entre o noir e o melodrama mexicano, por exemplo", explica. A mostra tem início com sessão de "Porto" (1948), às 18h30, e de "Prisão" (1948/49), às 20h30.

O curso vai se debruçar sobre as características que fizeram da obra de Bergman uma das mais relevantes manifestações da arte do século 20. Filmes inéditos do primeiro Bergman (final dos anos 40 início dos 50), assim como todas as suas obras-primas do período médio e da maturidade compõem o programa.

Serviço
Mostra Ingmar Bergman – Mostra de filmes do diretor sueco. Até sexta, das 18h30 às 22h, e sábado e domingo, das 16h às 19h30, no Auditório Ministro Pereira Lira, ao lado do Espaço Cultural Marcantonio Vilaça do Tribunal de Contas da União (SAFS, Quadra 4, Lote 1). Entrada franca. Programação e sinopses dos filmes no site: www.tcu.gov.br/espacocultural. Não recomendado para menores de 16 anos.
O fotógrafo da alma: O cinema de Ingmar Bergman – Curso de 13 a 17 de abril. Inscrições até 9 de abril pelo site. Taxa: R$ 15. Informações: 3316-5221.

África em película

2009-03-31T14:12:00.004-03:00

Produções cinematográficas africanas estão em cartaz a partir de hoje (31 de março) nas salas de cinema do Centro Cultural Banco do Brasil. A mostra Clássicos Africanos Restaurado é uma parceria do CCBB com a Embaixada da França e apresenta 16 filmes - entre curtas, média e longas-metragens, produzidos entre as décadas de 1950 e 1990 por cineastas no continente.

Para ver a programação e horário das sessões, clique aqui. E para ler as sinopses, clique aqui.

Clássicos Africanos Restaurado
31 de março a 12 de abril de 2009
R$ 4,00 (inteira) e R$ 2,00 (meia)
CCBB – Próximo a Ponte JK
Classificação: 14 anos
Apoio: Cinemateca da Embaixada da França

Foto: divulgação

Espelho novo, cara nova

2009-03-30T00:00:00.011-03:00

Apresentado e dirigido por Lázaro Ramos, "Espelho" estreia quarta temporada hoje no Canal Brasil

Debora 70
Para Lázaro, o programa tem o objetivo de mostrar assuntos relevantes que têm pouca projeção na TV

Marlon Maciel
Especial para o Jornal de Brasília

Cada ano que passa é uma espécie de gincana protagonizada pelo ator e diretor Lázaro Ramos. Ele precisa se esforçar constantemente diante dos eventuais obstáculos surgidos para que uma nova sequência do programa "Espelho", do qual é apresentador e diretor, fique pronta. É a sensação que ele tem ao estrear a quarta temporada do programa no Canal Brasil. "A cada anos estamos nos renovando. Porque mudar o formato de um programa a todo ano não é fácil. Conseguir assuntos que dêem fôlego ao programa não é fácil", avalia.

Mas ao mesmo tempo, o desafio é o que deixa a equipe animada, segundo ele. "É o que faz com que fazer esse programa nesse canal ainda seja interessante", afirma. "Espelho" estreia sua quarta temporada com mais programas e novidades. Com 26 episódios (a última temporada teve 22) de 25 minutos cada, o programa continua a não ter um formato definido. Com a linguagem mais próxima da dos documentários, a partir de agora terá a presença da jornalista Sandra Almada e de seis jovens atores, entre 13 e 15 anos, do grupo Nós do Morro, que se fazem às vezes de repórteres.

O episódio de estreia intitulado "Estilhaços", que vai ao ar hoje às 21h30, faz um resumo de todas as temporadas do ano e apresenta as mudanças (caso dos novos repórteres, por exemplo). "Uma coisa que me deixou muito feliz esse ano é que a gente consolidou um formato de trazer para a televisão assuntos importantes de uma maneira agradável", sublinha Lázaro. O ator também considera importante ter novas parcerias no programa, já que antes dirigia, apresentava e entrevistava sozinho.

"Agora tem um repórter que faz matérias especiais, adolescentes que fazem reportagens de rua. E esse ano, como temos essa equipe maior, eram mais cabeças pensando, eu acho que todos os temas têm mais profundidade", salienta. Lázaro define o formato do programa como um híbrido de entrevista e minidocumentário. Mas recua um segundo depois: "Bom, isso não define bem porque a cada programa esse formato vai se alternando".

Para o âncora do "Espelho", uma das vantagens dos novos episódios está na riqueza de detalhes. "A gente não precisa contar toda uma história nos 25 minutos. Às vezes contamos em dois ou até em três programas – o que faz com que tenhamos programas com mais conteúdo mesmo, pois não ficamos contando com pressa em 25 minutos". Um blog especial foi criado para o programa. Ele traz assuntos adicionais às entrevistas, onde o público poderá ampliar o campo de discussão.

Câmera na mão
Nessa temporada, a equipe tenta fazer um filme a cada episódio. Na semana que vem, o programa será o mini-documentário feito por Lázaro Ramos na posse de Obama. Ele faz o trajeto de um cidadão comum que tenta encontrar um espaço para ver e ouvir o presidente americano em seu discurso de posse. "Foi sensacional presenciar esse momento histórico. Eu acho que na vida, nunca tinha participado de um momento tão importante na história mundial. Principalmente porque eu acho que estive em um lugar que eu deveria estar".

Na semana seguinte, o convidado será o cantor e compositor Seu Jorge. Dividido em dois episódios que serão exibidos nos dias 13 e 20 de abril, o programa foi gravado nas ruas do Rio de Janeiro. Seu Jorge foi recebido por Lázaro no aeroporto Santos Dumont. O bate-papo começa no carro e segue até o Centro, onde o cantor fez sua primeira apresentação no bar Suburban Dreams. Entremeado por canções, Seu Jorge revela momentos difíceis da infância pobre em Belford Roxo e da época que morou nas ruas da cidade.

A nova temporada traz entrevistas com músicos, cineastas, atores, dramaturgos, professores, doutores, fotógrafos e escritores. Entre os convidados, estão nomes como Gilberto Gil, Luiz Melodia, Augusto Boal, Abdias Nascimento, Sylvio Back e Dona Chica Xavier. Alguns programas temáticos ganharam dois ou três episódios para que o assunto em questão fosse mais explorado.

“Hoje, o 'Espelho' é para mostrar assuntos relevantes que têm pouca projeção na TV”, destaca o apresentador. Perguntado se a TV brasileira, tanto paga como aberta, precisa de mais programas como esse, Lázaro é categórico em seu "Sim". Ele defende que a programação precisa estar mais aberta a pessoas com uma câmera na mão – o que renova a televisão, em sua opinião. "Mas, ao mesmo tempo, acho que a tendência é essa com o advento do digital: todo mundo participar com a sua câmera na mão e dar o seu depoimento. E eu acho que o público deseja isso. Não é à toda que esse é um dos programas de maior visibilidade dentro do canal", conclui.

Ao longo da temporada, serão abordados temas como: educação brasileira (Trilogia da Educação), saúde emocional e psíquica da população negra (Trilogia da Mente), fotógrafos negros (Fotografia I e II) e o corpo negro na dança através do jongo, balé, capoeira e hip hop (Corpo Negro I, II e III). Há também um episódio sobre dicas de preservação da natureza (Prática da Preservação) e outro que foi gravado no Harlem, que mostra a vida cultural do famoso bairro de Nova York.

No momento, Lázaro participa de um filme coproduzido pelo Canal Brasil sobre um contista brasileiro de nome ainda não revelado. O longa será composto por quatro curtas e um deles tem direção de Lázaro. O ator também está na última semana de gravação da tragicomédia "Amanhã nunca mais", de Tadeu Jungle, que conta a história de uma noite na vida de um médico anestesista que trabalha tanto que se esquece de ter prazer. A previsão de estreia do longa de Tadeu é para o fim do ano.

Serviço
Espelho – Estreia da quarta temporada hoje, às 21h30, no Canal Brasil. Horário alternativo: amanhã, às 16h, e sábado, às 12h30. Próximos programas: Posse de Obama (06/04) e Seu Jorge (13/04). Classificação livre.

Repórter musical

2009-03-27T23:39:00.021-03:00

Vilhena Soares
Colaboração para
o Aqui-DF
com modificações

Odair José se apresenta em Brasília nessa semana com seu estilo irreverente e único em evento cultural que divulga o trabalho de artistas da cidade

"Vamos fazer dessa noite/ a noite mais linda do mundo /vamos viver nessa noite /a vida inteira num segundo/ felicidade não existe/ o que existe na vida /são momentos felizes ". Esse é o refrão da música "A noite mais linda do mundo" sucesso conhecido de Odair José, um dos cantores populares mais famosos no Brasil, que vai fazer a alegria de seus fãs ao se apresentar nesse sábado no projeto "Cultura em Movimento" no Recanto das Emas . O evento aproveita a presença de nomes conhecidos da música para divulgar o trabalho de artistas locais.

Odair José nasceu em Morrinhos, no estado de Goiás, e é um exemplo de cantores que se destacaram fora de sua terra natal. Ele saiu de sua casa rumo ao Rio de Janeiro com apenas 17 anos, sem avisar aos seus pais, que não apoiavam a escolha de sua profissão. "Eu fugi de casa e resolvi lutar pelo que queria. Recebi um conselho de Roberto Carlos, quando ele passou por Goiânia, e disse que gostava das minhas músicas, tomei coragem e segui", contou. O cantor apóia a idéia do projeto da cidade e incentiva os novos artistas a não abandonarem os sonhos no meio do caminho . "Não desista no primeiro não, porque no terceiro você pode conseguir conquistar o seu espaço", aconselhou.

Odair José é conhecido pelas suas composições, que contam situações do cotidiano. O cantor da pílula, um dos nomes ao qual era chamado na década de 70, trata de temas polêmicos em suas músicas, como conflitos de amor e sexo usando uma linguagem clara e objetiva, uma de suas características mais marcantes de seu trabalho. "Me considero um cronista, não um cantor, mas um repórter musical. Passo para as pessoas histórias comuns, acredito que seja esse o motivo do meu público se identificar", disse.

O cantor foi um dos escolhidos para se apresentar no Cultura em Movimento pelo seu sucesso com os moradores da cidade. Ele diz que esta animado em se apresentar novamente em Brasília e conta que tem muito carinho pela cidade. " Gosto muito da capital. Não só por ser próximo ao estado em que nasci, mas pelo seu público que é sempre muito acolhedor ", elogiou.

Mais espaço para o POPular

O "Cultura em Movimento" foi idealizado pelo Instituto Arte e Cia de Cidadania (IACC),centro formado por moradores de Samambaia que apóia a arte. O grupo criou o projeto para ajudar a divulgar o trabalho de artistas da cidade. O organizador do instituto e do evento, Risomar Carvalho , explica como surgiu a idéia. "Percebemos que as cidades satélites de Brasília estão cheias de artistas, mas que não são conhecidos e nem tem condições de divulgar seus trabalhos. Por meio desse evento nós vamos encontrar esses nomes e reunir todos em um catálogo." explicou.

O Instituto fez um levantamento com todos os artistas da cidade, e irá reunir os contatos sobre seu trabalho em um grande listagem, que será distribuída em pontos da cidade. "O catálogo será distribuído no dia 22 de agosto, quando se encerra o evento, em hotéis e vários bares de Brasília, para que interessados em contratar os artistas para apresentações em festas e shows, saibam como encontrá-los", complementou Risomar.

O "Cultura em Movimento" irá passar por sete cidades no Distrito Federal. A sua próxima edição está marcada para o dia quatro de abril, no estádio do Gama, com um show de Alceu Valença. "Escolhemos esses grandes nomes da música brasileira de acordo com o perfil musical da cidade, não só para divulgar mas também para chamar a atenção aos artistas menores que irão se apresentar no mesmo local", disse o coordenador.

To listen:

CD "Eu Vou Tirar Você Desse Lugar" Allegro Discos

Para quem ainda não conhece o trabalho de Odair José, "o terror das empregadas", é possível conferir seus maiores sucessos no CD lançado recentemente "Eu vou tirar você desse lugar".O disco é uma coletânea dos maiores clássicos do artista cantados na voz de bandas da nova geração brasileira. Nomes como Pato Fu e Paulo Miklos participam da homenagem e dão um tom especial e diferente para as canções de Odair José.Destaque especial para faixa "Eu você e a praia" de Zeca Baleiro.

Entrevista: Cibelle

2009-03-26T19:26:00.019-03:00

Tropical punk imprevisível

Cibelle traz a Brasília sua mistura musical que se utiliza de brinquedos e instrumentos inusitados. Em entrevista, a cantora fala sobre Brasil, Londres e seu mundo de experimentações

Socrates Mitsios
Artista multimídia, Cibelle se compara a uma criança curiosa ao fazer experimentações em seus trabalhos gráficos e musicais

Marlon Maciel
Colaboração para o Jornal de Brasília

Radicada em Londres há quase sete anos, a multiinstrumentista, artista gráfica e produtora Cibelle tem mostrado na Europa e em outros países mundo afora o que é que a paulista tem. A cantora e compositora nascida em São Paulo aproveita a temporada no Brasil para se apresentar na capital federal.

Ela abre amanhã a sequência do projeto Belas 2, que apresenta cantoras brasileiras de destaque na cena nacional e internacional. Até maio, o público da cidade também terá a oportunidade de apreciar os trabalhos de Silvia Machete, Nina Becker, Mariana Aydar, Marina de La Riva e Teresa Cristina.

Com brinquedos e instrumentos inusitados, Cibelle leva sua mistura ao Espaço Brasil Telecom. Numa apresentação imprevisível e guiada pelo espírito do improviso, ela apresenta músicas de seus dois primeiros discos, “Cibelle” e “The dried shine of electric leaves”, e composições do seu novo disco (de título provisório “Sonja Khalecallon y Los Stroboscopious Luminous”), que deve ser finalizado em maio.

Para o show em Brasília, a cantora conta com três integrantes da banda de apoio Cidadão Instigado: Fernando Catatau (voz, guitarra e teclado), Rian Batista (baixo e vocal) e Clayton Martim (bateria acústica e eletrônica). Ontem, ela havia acabado de sair de um ensaio em um estúdio de São Paulo quando concedeu entrevista por telefone, na qual falou sobre Brasil, Londres e suas experimentações.

Marlon Maciel – É sua primeira vez em Brasília?
Cibelle – Para tocar é a primeira vez. Mas já fui visitar também.

Mora em Londres há quanto tempo?
Há quase sete anos.

Como é a sua relação com a cidade e qual a influência que ela exerce sobre a sua música?
Eu adoro morar lá. Eu levo uma vida meio que de “formiguinha” e de “cobrinha”, que é a forma que eu uso para conseguir explicar melhor para os meus amigos. É uma cidade cheia de buracos culturais. Você acha que está no underground mas debaixo dele tem mais underground ainda. Tem muita coisa acontecendo. E a hora que você decide falar “ah, cansei de Londres e vou embora”, em geral você descobre uma outra portinha de um outro universo. Aí você pensa: “Não, preciso ficar e dar uma sacada nisso”. Eu gosto porque tem pouco sensacionalismo para as coisas em geral. As pessoas põem as coisas um tom abaixo. Então fica menos “Uau!”. Tem menos fator “Uau!” nas coisas.

Elas relativizam mais, né?
É. Relativizam mais tudo. As pessoas são mais conscientes da diversidade de tudo, de qualquer sentido da vida: música, arte, comportamento. Para qualquer nível de existência eles são conscientes da diversidade. E já na cultura inglesa existe a idéia do excêntrico. Faz parte da cultura. Então não tem aquele cara “estranhão”. Por exemplo, se for para alguém fazer caricaturas sobre tipos que se conhece na cultura inglesa: vão botar o cara magrelo e alto, o careca, baixinho e gordinho e o excêntrico – que é o malucão com terno de tweed, barba estranha e que cria 18 cachorros.

Apesar de estar em outro país há tanto tempo, você carrega alguma coisa da sua formação musical que teve aqui no Brasil? Faz questão de ter sempre por perto suas fontes de música brasileira?
Lógico. Mas não é assim tão racional. Eu tenho os discos que eu gosto e eu ouço as bandas dos meus amigos. Eu vou ouvir os discos dos meus amigos de agora e os discos mais antigos que eu gosto. Mas eu gosto muito de “garage”, rock anos 60... No momento, ouço muito Roberto Carlos daquela época. Mas não só de coisa brasileira. Ouço Rita Pavoni. Agora estou com uma fonte de rock´n´roll do Camboja, algumas coisas assim. Mas em relação às coisas brasileiras... Eu cresci aqui, então fico por dentro. E eu dou graças a Deus que eu nasci aqui e cresci aqui. Porque é só por isso que eu acho que eu faço música do jeito que eu faço. O brasileiro já nasceu da mistura. Ninguém veio gerado. A gente já cresce incorporando outras coisas. Dos meus amigos que estão tocando e compondo, não temos medo de tocar e ficar parecendo tal banda. Na hora de compor, por exemplo, não vou parar e falar: “Ai, isso parece que com aquela banda”. Não tenho esse medo. A gente sabe que tudo que se absorve depois fica com a sua cara porque foi você quem absorveu. E misturado com tudo o que você tem dentro, sai do seu jeito. De vez em quando eu reparo os meus amigos ingleses ou europeus de outros lugares e, às vezes, vejo que eles param muito para dizer: “Ah não, já fizeram isso! O outro já faz assim!”, e acabam se tolhendo de novas oportunidades de expressão.

O Tropicalismo é algo do qual você bebe. Em seu perfil no MySpace, refere-se a si mesma, entre outros termos, como "Tropical punk (...)". Queria saber se você se considera uma “neotropicalista” por mesclar manifestações da música brasileira a inovações estéticas.
Não. Eu sou tropical porque eu sou daqui. E punk porque eu sou não-conformista. Vou fazer do meu jeito e não vou me conformar com as coisas. E sou antropofagista no último. Eu quero que me comam e quero comer meus amigos. E como todo mundo. E todo mundo me come [Risos].

Entrevista: Cibelle – Parte 2

2009-03-26T18:58:00.024-03:00

Socrates Mitsios
Cibelle: “Eu sou artista e mexo com as coisas. Ou é um pedaço de papel, uma tesoura e uma cola, ou é um sampler, uma guitarra e a voz. Essa é a minha relação com a música. É mais uma tinta”

Marlon Maciel – Qual é o seu objetivo ao experimentar? Por exemplo, em um show, em um disco ou em qualquer outro trabalho.
Cibelle – É mais forte do que eu. Eu sou meio criancinha curiosa. Começo a mexer nas coisas e a fuçar. E eu já tentei tocar música super “caretex” a exemplo de “vamos fazer uma balada e tocá-la assim”. Não dá certo porque eu não consigo. Eu boto outro instrumento no meio. Pego um instrumento que não é pra tocar daquele jeito, toco diferente, enfio na música. É mais forte do que eu. Não é que eu queira fazer uma coisa assim específica, às vezes. Sou curiosa, é isso. E eu fico fuçando e aí a música sai o que sai. Ou eu faço laboratório com a minha cabeça. Fico inventando 500 histórias e universos onde as coisas, as cores e as texturas seriam de certa maneira. Depois começam a nascer de forma sonora pra mim. E eu começo a buscar esse universo no som. Por exemplo, eu estou encafifada com “clichê”, “erro” e “feio”. Então tem uma música, por exemplo, na qual eu coloco todos os clichês possíveis do mundo só pra ver o que acontece. No disco novo, estou botando um monte de frases vazias que são encontradas em músicas pop, como “Dança comigo!”, “Pega em mim!” [Risos]. Tudo quanto é música que eu possa colocar alguma coisa assim, estou colocando.

Gostaria de saber como você enxerga a música que você faz hoje. O que ela significa para você? Por que ela é importante para você?
Para mim ela é mais uma forma de expressão meio que inevitável. Não é que eu escolhi fazer isso. Acabou acontecendo assim e eu não consigo sair disso. E eu me expresso com outras formas de arte também, como colagem, instalação. Eu colaboro com o coletivo avaf. Estava até com eles na última Bienal e fiz uma instalação também. Mas a música, ela é inevitável. E eu acho engraçado porque às vezes eu não me sinto compositora. Me sinto mais produtora e performer das coisas. E eu vejo meus amigos que são músicos mesmo, que escrevem o tempo inteiro e que me fazem sentir: “Não, não é isso o que eu faço”. Eu sou artista e mexo com as coisas. Ou é um pedaço de papel, uma tesoura e uma cola, ou é um sampler, uma guitarra e a voz. Essa é a minha relação com a música. É mais uma tinta.

Cassia Sabatini

“Gosto muito de 'garage', rock anos 60...". No momento, a cantora ouve a fase sessentista de Roberto Carlos.

Você toca pela primeira vez em Brasília na sequência de um projeto que apresenta cantoras brasileiras de destaque na cena nacional e internacional, como Mariana Aydar, Silvia Machete, Marina De La Riva e Nina Becker. Gostaria de saber se você aprecia alguma dessas novas cantoras.
Eu gosto bastante da Nina. Acho que ela tem uma voz doce, doce, doce... Linda! Eu vi um videozinho dela cantando só com o violão. Que delícia! Eu gosto de gente que canta sem ser “cantorona”, sabe? Que canta porque canta e porque é lindo cantar, sem botar muita impostação em cima. A não ser que se tenha um motivo por trás. Porque eu faço isso para caramba às vezes. Eu meto um vozeirão e eu tiro sarro com a minha cara mesmo [Risos]. Eu me divirto pencas fazendo isso. E, sei lá, dentro de mim tem uma cantora de jazz dos anos 40 escondida no meu joelho [Risos].

Ao todo, você toca quantos instrumentos no show?
Toco minha pedaleira toda, sampler, guitarra... E, às vezes, a guitarra vira meio que um baixo. Toco percussão, uns brinquedinhos, uns tecladinhos. Tudo meio no mais ou menos [Risos].

O terceiro disco já tem título? Gostaria que falasse sobre o novo trabalho.
Eu andei falando que ele se chama “Sonja Khalecallon Y Los Stroboscopious Luminous”. Mas eu não sei se vai ser esse nome. Não é definitivo. É porque foi na época da Sonja [Khalecallon]. É que eu tenho uma coisa com codinomes que eu nunca deixei muito pública: é entre eu e os meus amigos e quando eu faço arte. E eu tava assinando um monte de arte como Sonja Khalecallon na época em que comecei a fazer o disco. Esse nome é uma brincadeira com um monte de coisa. É um misto de Frida Kahlo e Sophie Calle e que soa como “canecalon”. E a Sonja é a guru do meu amigo Rick Castro [artista plástico], que é uma guru que ensina sobre desapego e movimento de energia. Então, fazer a Sonja é jogar coisas que não prestam fora. E ao mesmo tempo, para mim, a minha Sonja Khalecallon, quando eu fico fazendo arte nesse espírito, eu mexo muito com o feio, com coisas que as pessoas consideram meio que de mau gosto. Trabalho com cabelo no meio da colagem. Fico buscando o erro. Me entrego. É não ter medo de errar, porque aí, com certeza, as coisas saem pelo menos meio bonitas. E Los Stroboscopious Luminous é o nome para a banda universal que toca comigo. São todos os meus amigos que têm suas bandas, seus trabalhos próprios e que tocam comigo quando querem.

A cantora reinventa “Refazenda”, de Gilberto Gil, no programa Som Brasil

Boato punk

2009-03-25T15:07:00.010-03:00

Em informação extra-oficial dada pela produção do show, a banda Bad Chopper, de CJ Ramone, se apresentará em Brasília. A chance de ver um pedacinho dos Ramones em solo brasiliense acontecerá no dia 10 de julho (sexta-feira), no Arena.

A Bad Chopper já veio ao Brasil duas vezes, em 2001 e 2008. Banda formada em junho de 2000, em Long Island (NY), traz CJ Ramone (baixo e voz), Mark Sheehan (guitarra), Brian Costanza (guitarra) e John Evicci (bateria). As influências de Stooges & Iggy Pop, Motorhead, The Clash, Sex Pistols e Ramones (claro), dão uma idéia de o que o quarteto deverá apresentar.

Foto: Denise Barton Ward

À venda ingressos para Heaven and Hell

2009-03-25T00:47:00.015-03:00

Para quem ainda duvidava de ver o Black Sabbath em Brasília, uma ótima notícia! Os ingressos para o show que acontecerá no dia 13 de maio, no Nilson Nelson, já estão à venda! Por preços que variam de 50 a 150 reais a meia entrada, os fãs de Brasília poderão assistir à apresentação única. A Heaven and Hell é formada pelos lendários sessentões Tony Iommi (Guitarra), Ronnie James Dio (vocal) e Geezer Butler (baixo), e por Vinny Appice (bateria), de 47 anos.

Um verdadeiro Black Sabbath ressurgido com o nome de um de seus principais álbuns, a banda promete tocar clássicos como Mob Rules, Live Evil , Die Young e, claro, a Heaven & Hell.

Desde seu retorno em 2007 a banda vem realizando apresentações inesquecíveis pelos Estados Unidos, como a turnê realizada juntamente com os outros medalhões do rock pesado Motorhead e Judas Priest. No Brasil, a banda se apresentará em Belo Horizonte, duas noites em São Paulo, no Rio de Janeiro e em Brasília. O sucesso da proposta é tão intenso, que 15 dias após o último show no Brasil, a Heaven and Hell partirá para a Europa com shows na Rússia, Finlândia e Noruega.

HEAVEN & HELL
13 de maio, às 21h, no Ginásio Nilson Nelson
R$150,00 (vip) - R$ 100,00 (arena) - R$ 50,00 (superior)
Valores referentes à meia entrada
Informações: 3364-0000 / 3964-0004
Pontos de Venda: Free Corner, Mormaii e Porão 666
Classificação Indicativa: 16 anos

Foto: divulgação

"Scream for me, Brasília"

2009-03-24T00:04:00.008-03:00

A banda Iron Maiden se apresentou pela primeira vez na capital brasileira na última sexta-feira (20). Em show histórico, o sexteto levou 25 mil pessoas ao estádio Mané Garrincha. Houve quem chegou ao local ainda no começo da tarde, para garantir bons lugares; mas também teve quem só conseguiu entrar na metade da apresentação, que durou cerca de 1h40. A turnê Somewhere Back in Time, comemorativa dos 30 anos de carreira da banda, conta com um set list clássico, atraindo tanto fãs antigos como os mais jovens.

Por volta das 20h40 da noite do dia 20, a fila dos fãs do Iron Maiden ainda se estendia assustadoramente ao redor do Mané Garrincha. Neste momento, a "Harris filha" deveria estar entretendo os que já aguardavam em frente ao palco. Fora do estádio, toda a estrutura "comercial" seguia a lógica da linha da galera de preto que adentrava no setor de pista. Muitos suvenirs da banda e muita cerveja estavam em oferta no local. Mas só cerveja, porque bebida quente estava categoricamente proibida a venda. Ainda assim, num ato quase contrabandista, podia-se notar a compra.

O tempo passava e o nervosismo aumentava à medida em que os ponteiros se aproximavam das 21h - horário marcado para o show dos pontualíssimos britânicos do heavy metal. Já passava deste horário quando a fila finalmente acelerou. Três conferidas nos ingressos e uma revisada da segurança nas bolsas e finalmente já se podia ver a multidão que aguardava com muita ansiedade ao show. Daria uma bela foto: Uma aglomeração de cabeças douradas pelas luzes dos holofotes recheando o oval estádio.

A visão daquele cardume de headbangers em estado de êxtase contagiou a todos que enfim haviam entrado. Só se via gente pulando, gritando e correndo pela rampa de acesso ao gramado.

Bastou eleger uma localização diante do palco para as luzes se apagarem. No momento terminava o vídeo do Flight 666 com o Ed Force One. Segundos depois, a luz ressurgiu na tradicional rajada de fogo que trás a banda à tona. Por volta das 21h15, o sexteto apareceu com todo o poder de Aces High.

Da primeira à ultima música a multidão exalava emoção. Depois da abertura, o set list prosseguiu com Wrathchild, 2 Minutes to Midnight, Children of the Damned e Phantom of the Opera. Durante um clássico e outro, o público pôde ver o quarteto de guitarras e baixo tocando na tradicional pose com os pés nos retornos – atitude Iron Maiden! Em seguida, Bruce Dickinson fez a conhecida cena em que carrega a bandeira da Inglaterra durante a The Trooper. Continuando, vieram a Wasted Years, Rime of the Ancient Mariner, Powerslave, Run to the Hills, Fear of the Dark, Hallowed Be Thy Name e enfim a Iron Maiden, quando o gigantesco Eddie entra em cena ao delírio da platéia.

Nos intervalos das canções (que eufemismo!), Bruce interagiu longamente com o público. Entre um “Scream to me, Brasília!” e outro ainda mais agudo - respondido com euforia - ele dizia basicamente que fora a primeira vez que tocaram em Brasília e que estava realmente impressionado com o público. Repetiu o discurso umas três vezes. Redundâncias à parte, o vocalista fez uma brincadeira relacionando à ironia de haver um show de Liza Minelle alguns metros adiante, no Centro de Convenções, e informou que havia no estádio cerca de 25 mil pessoas! Número que nesta turnê bresileira ficou atrás apenas de São Paulo, que contou com 60 mil.

Ao final de Iron Maiden, a banda se despediu rapidamente do público encadeando um caloroso pedido de bis. Gritava-se “olê olê olê olé, maiden, maiden”. Quando as gargantas cansaram foi a vez de usar a acústica do estádio a favor. Os fãs fizeram barulho com os pés no piso da arquibancada e nas placas de metal que cobriam o gramado. Nesse momento o local tremeu e se sentiu, de fato, a força da massa de 25mil headbangers. Quando o ruído chegou a seu limite máximo, Maiden voltou ao palco ao som da desejada The Number of The Beast. Acabando com o que restava de fôlego da platéria, veio a The Evil that Man Do e Sanctuary para terminar. Palhetas e baquetas jogadas ao público, um último agradecimento e o show estava encerrado.

Às 23h o público já deixava o Mané Garrincha e muitos, como que viciados, saiam em seus carros ao som dos mesmos caras.

Foto: divulgação

Heavy Metal explícito

2009-03-15T15:32:00.006-03:00

Tudo aconteceu em uma terça-feira de março, mais precisamente num dia quatro de sol. Pedreira Paulo Leminski, Curitiba, Paraná. A fila tinha pelo menos quatro quilômetros quando os portões foram abertos às 14h. Cheguei por volta das 16h30, 17h mas demorei a entrar por conta da grande quantidade de pessoas no local.

Às 20h em ponto, Miss Harris entrou no palco para abrir o show aos veteranos (neste caso seu pai). Esse foi um bom tempo para sentar no chão e guardar as energias pro momento mais esperado. É lógico que eu ficarei muito satisfeita se não tiver que ouvir Lauren Harris mais uma vez.

Se tivemos sorte, dizemos que esta é devida a pontualidade. Às 20h EM PONTO a banda iniciava com Churchchill’s Speech. Nessa hora todo o entusiasmo de 30 mil pessoas é colocado pra fora ao mesmo tempo. Em seguida, Aces High e 2 Minutes to Midnight. Banda e público. Ambos vibrando. Não há nada mais lindo de se ver e ouvir.

Após as duas primeiras canções veio Revelations, que neste ano foi trocada por Wrathchild. Nesta hora, confesso, chorei igual criança. São nesses momentos em que você percebe o quanto à vida pode lhe reservar coisas maravilhosas em momentos ótimos. Passado o momento “nice feelings”, continuamos com The Tropper, uma música deliciosa e animada. Este ano, ela foi substituída por Children Of The Damned, mas continua no setlist.

Wasted Years deu segmento ao espetáculo. Esta música está num dos meus discos preferidos da banda, o Somewhere in Time. Em 2009 ela caiu de posição e será apresentada mais tarde, dando lugar a Phantom Of The Opera. As próximas canções fizeram a festa da criançada da platéia: The Number of The Beast e Can I Play with Madness? A segunda me animou mais, com certeza, uma pena que não será tocada nesta apresentação. Na nova lista da turnê, elas dão espaço para The Trooper e Wasted Years respectivamente.

Quando Bruce Dickinson anunciou as duas próximas músicas, me arrepiaram todos os pêlos. Rime Of The Ancient Mariner é uma música incrível. Dá preguiça quando ela chega nos 10 minutos de duração, mas me impressionou bastante ouvi-la ao vivo e cantar junto durante 16 minutos. Essa foi a introdução perfeita para a música que estava por vir. Powerslave me chocou. Ainda mais pelo gigante Eddie que entrava no palco. Aproveitei o momento pra empurrar todo mundo e fazer a festa. Muita excitação para um momento só. Estas duas músicas permanecem na lista da apresentação e no mesmo lugar do ano passado.

Em seguida: Heaven Can Wait, Run to the Hills, Fear of the Dark e Iron Maiden. Acho que Fear of the Dark poderia dar espaço para uma música melhor, mas nada são flores. Na nova apresentação poderemos conferir: Run to the Hills, Fear of the Dark, Hallowed Be Thy Name e Iron Maiden - uma das melhores músicas pra se cantar gritando. Ela é quem dá abertura para o bis, quando a banda retorna ao palco para as três últimas do espetáculo.

No bis de 2008 tivemos: Moonchild e The Clairvoyant, que saíram do set deste ano; e Hallowed Be Thy Name, que considero uma música não muito boa para o fim de uma apresentação como esta. Este ano poderemos conferir no bis: The Number of the Beast, The Evil That Men Do e Sanctuary. As duas últimas também novas na lista.

Espero que este ano tudo aconteça como no ano passado. Muita emoção, empolgação e que nos ofereça boas histórias pra contar daqui a alguns anos.

Heavy Metal implícito

2009-03-15T15:26:00.004-03:00

1999, Brasília, Distrito Federal. Álbum: The X Factor. Volume baixo. Nos vocais: Blaze Bayley. Primeira faixa: Sign of the cross.

As linhas acima descrevem perfeitamente minha primeira experiência com a donzela. Talvez esta tenha sido a minha melhor experiência musical em quase 20 anos. Atualmente, The X Factor não é de longe meu álbum preferido, mas, com o passar dos anos, as principais idéias passadas por suas músicas ainda estão nítidas em minha cabeça.

Quatorze anos antes, a banda fez sua primeira apresentação em solo brasileiro na primeira edição do festival Rock in Rio, no Rio de Janeiro. Em 1992, sete anos depois, o grupo esteve no Brasil mais uma vez, com a turnê do então disco novo Fear of the Dark. Já em 1996, no festival Monsters of Rock, o Iron Maiden volta ao Brasil já sem o vocalista Bruce Dickinson, que só voltaria a se apresentar no país em 2004, com a turnê o disco Dance of Death.

Muito se passou em quatro anos. Lançamento de disco inédito, lançamento de coletânea ao vivo. Ninguém esperava e então, em 2008, a maior banda de Heavy Metal do mundo anunciou novas datas no Brasil: São Paulo, Curitiba e Porto Alegre. Os melhores ingressos esgotados em menos de 24h. Caos em linhas telefônicas e superlotação em todos os shows. A turnê Somewhere Back in Time foi descrita como uma das últimas da banda. A despedida não foi bem aceita, é claro, mas todos estávamos lá.

Ninguém sabe bem o que falar depois de assistir um espetáculo como aquele. Quem é que disse que só Madonna tem direito a super produção? Fogos, iluminações pirotécnicas e bonecos gigantes, tudo o que merecíamos ver em um show cuja principal função é apresentar os maiores sucessos lançados pela banda em algum lugar no tempo.

Agora, um ano depois, corações apaixonados pelos anos de ouro (1980) podem conferir MAIS UMA VEZ a melhor turnê já executada pelo Iron Maiden. No entanto, nada de excursões ou aviões, basta pegar apenas um Rodoviária do P. Piloto na parada de ônibus mais próxima.
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Corro o risco de não vê-los tocar desta vez. Aceito cortesias, credenciais, ingressos de arquibancada ou qualquer coisa que me faça entrar no Mané Garrincha.

PS: Confira no post acima a pré-resenha do show, baseada na apresentação de 2008 em Curitiba, no Paraná.

Jazz (e infância) para os seus ouvidos

2009-03-15T00:23:00.006-03:00

Quando pequena, jamais imaginava que ao assistir aquele inocente desenho, daquele cachorro abusado, um gênero clássico da música era apresentado na tv, a linda e singela “trilha sonora” do desenho Snoopy. Vince Guaraldi é um dos maiores nomes de jazz e também é o responsável pela melodias reflexivas do beagle e sua turma. O compositor conseguiu criar músicas delicadas,inspiradas em valsas e bossas que caíram como uma luva em Peanuts. Elas conseguem acompanhar muito bem, ou mesmo criar, o clima dos personagens. É impossível não pensar em Charlie Brown ao ouvir o jazz delicado e reflexivo de Vince Guaraldi.

“Linus and Lucy” é uma das canções mais lembradas pelos fãs do cartoon e quando a escuto me remete ao mesmo instante a imagem de Charlie Brown caminhando ao lado de seu fiel companheiro. As loucuras e devaneios da apaixonada Lucy que atormentava o introspectivo pianista Schroeder. E como não lembrar de Linus e seu cobertor inseparável. Snoopy e sua turma conseguem ser clássicos em todos os sentidos, desde seus personagens densamente emocionais, até suas melodias contagiantes. Uma lembrança da infância que vale a pena levar para o futuro. Experimente, escute Vince e tente não lembrar de sua infância.

Ah e sim, eu também pensei nisso, estamos um pouco velhos.

Mais feliz do que este, impossível

2009-03-13T23:15:00.007-03:00

Simplesmente Feliz (Happy-Go-Lucky), novo filme de Mike Leigh (Segredos e Mentiras e O Segredo de Vera Drake), consegue ser mais, muito mais do que um simples, bobo e nulo filmezinho de comédia que costumeiramente vemos por aí. É a celebração da busca pela felicidade explicitada de uma maneira raramente encontrada no cinema atual.

A personagem Poppy, interpretada pela agora multipremiada (acertei? é com ou sem hífen?) Sally Hawkins (foto: Divulgação), é professora de uma escola primária de Londres, traja vestimentas exageradamente coloridas, que remetem à época dos hippies, e possui um sorriso, um humor e um bem-estar insuperáveis. É tanta felicidade, tanto otimismo, que Poppy intoxica e irrita quem está à sua volta, como seu mau-humorado, dogmático e obstinado professor de direção Scott (explosiva e cômica atuação de Eddie Marsan). O filme é uma bela celebração à felicidade, mas não pára por aí. Em várias passagens, o roteiro mescla drama e comédia de maneira inteligente e constrói diálogos verossímeis, que funcionam graças à direção voltada à liberdade das atuações. Roteiro e direção de Mike Leigh e a adoravelmente irritante e cativante atuação de Sally Hawkins fazem de Happy-Go-Lucky uma das melhores e mais originais comédias dos últimos anos.

Nos cinemas brasileiros, a partir de 27 de março.

E desde dezembro de 2008, se eu não estou enganado, no Mininova, The Pirate Bay (que, para a desgraça minha e de muitos, estão fora do ar!) ou qualquer outro bom anfitrião de arquivos torrent por aí.
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Mas, eu prometo, este vou rever no cinema, ok?

A magia do cotidiano

2009-03-12T16:01:00.030-03:00

Quidam, do Cirque du Soleil, traz a maior temporada realizada pelo grupo na América Latina

Fotos: Pedro Ladeira

A bailarina canadense Erka Lemay, do Cirque du Soleil, no novo espetáculo: esmero de coreografia produz impressionantes ilusões de ótica no espectador

Marlon Maciel
Especial para o Jornal de Brasília

São Paulo – No palco, a contorcionista chega a parecer uma boneca de plástico, sem qualquer articulação óssea. Fixa no chão com as pernas para cima e uma das mãos apoiada em um fino suporte, ela transmite a sensação de flutuar no ar com seus movimentos de giro. Em um momento do número apresentado, terça-feira, na coletiva de imprensa de Quidam, espetáculo do Cirque du Soleil, a impressão é de que a bailarina se contorce tanto que vai se quebrar ao meio a partir de sua cintura. Mas ela não se parte e desce para o chão, inteirinha, espreguiçando-se com inacreditável facilidade de movimentos.

Após o primeiro número, o malabarista russo Andrei Roublev, trajado de palhaço, mostra toda a sua habilidade corporal e intimidade ao interagir com uma roda de ferro do seu tamanho, que ele faz parecer leve como um brinquedo de criança. Hand balancing e German wheel (onde tem início o show), respectivamente, foram os números previamente apresentados à imprensa e que são parte significativa do espetáculo que a tradiconal companhia canadense traz à América Latina em junho deste ano.

A partir do dia 18 de setembro, Brasília está na rota da turnê mais cara já realizada na América Latina, que passa por Fortaleza (11 de junho), Olinda/Recife (9 de julho), Salvador (13 de agosto), Belo Horizonte (23 de outubro), Pinhais/Curitiba (4 de dezembro), Rio de Janeiro (8 de janeiro de 2010), São Paulo (26 de fevereiro de 2010) e Porto Alegre (27 de maio de 2010). A temporada terá um ano de duração, 330 apresentações e público estimado em mais de 800 mil pessoas.

Em cena, na prévia de Quidam, o malabarista russo Andrei Roublev

O espetáculo conta a história de Zoé, uma menina ignorada pelos pais, que cria um mundo de fantasias. O Aviador com asas esqueléticas mas que não está pronto para voar, o solitário Boum-Boum, o animador circense John, o companheiro The Target e um palhaço contemporâneo são alguns dos personagens que interagem com a garota, a fim de seduzí-la com "o maravilhoso, o inquietante e o aterrador".

Presente no evento de divulgação, o diretor de turnê do Cirque du Soleil, Robert Mackenzie, afirmou que todos os espetáculos da companhia carregam uma mensagem. "Mas a mensagem do Quidam, desde a estrea, continua sendo muito válida para os dias de hoje", enfatizou.

Serviço

Quidam – Espetáculo do Cirque du Soleil. A partir de 18 de setembro, no Centro Poliesportivo Ayrton Senna. Ingressos entre R$ 230 e R$ 490. Informações: ticket master. Menores de 13 anos somente acompanhados dos pais ou responsáveis.

Palco sofisticado

2009-03-12T15:55:00.023-03:00

Robert Mackenzie: "Mensagem do Quidam, desde a estreia, continua muito válida"

Segundo o diretor de turnê do Cirque, a inspiração para a obra veio por volta de 1995, quando o diretor Franco Dragone andava pelas ruas de Nova York e reparou nos transeuntes: "Eram pessoas que não tinham rosto e que ele jamais encontraria de novo". Franco começou a pensar na família do século 21. Na sua visão para o mundo atual, o foco é cada vez maior para as coisas materiais. "Uma adolescente totalmente ignorada por seus pais busca uma saída, começa a imaginar coisas em um mundo de fantasia", ilustra Mackenzie.

Quidam estreou em 1996. Trata-se de um show reconhecido internacionalmente pela intensa teatralidade aliada a números de impacto. Dirigido por Franco Dragone e Gilles Ste-Croix (diretor criativo), o espetáculo combina performances acrobáticas, domínio técnico, figurinos e cenários extravagantes. Os diferentes mundos da vida cotidiana são explorados. Os personagens possuem características e figurinos que acabam por refletir a personalidade dos próprios artistas.

A trilha sonora de Benoit Jutras leva ao palco seis músicos que se revezam em vários instrumentos. Quidam movimenta 50 artistas de 15 nacionalidades, sendo três brasileiros. Há acrobatas, ginastas, palhaços, atores, músicos, cantores, dançarinos e demais performáticos circenses. A montagem utiliza mais de 250 figurinos, 200 pares de sapato, 500 objetos de cena e arrojadas plataformas invertidas suspensas que trazem os artistas ao centro do palco.

Esta é a primeira vez que a companhia – que completa 25 anos este ano – utiliza a ajuda de computadores (para que os artistas entrem e saiam do palco) em um espetáculo. Segundo Mackenzie, porém, o mais impressionante de Quidam é o efeito final, onde não há truques. Durante dez minutos, num ato totalmente humano, 15 artistas dividem o palco em performances complexas, indescritíveis. (Repórter e fotógrafo viajaram a São Paulo a convite da produção do evento)

Vida longa ao trash

2009-03-11T22:01:00.015-03:00

O lixo é o luxo. Nada mais divertido do que se deliciar com o diferente, o pitoresco, o nada cult, o trash. Mexendo na web encontrei essa pérola.Vejam esse clipe musical de Devenda Banhart, um dos principais artistas do mais novo movimento musical norte-americano,o folk psicodélico. Com a participação da ex-namorada do cantor, a atriz Natalie Portman, o clipe faz uma paródia com os famosos filmes de Bollywood e suas histórias coloridas.

Divirta-se. Hasta.

Arte em andamento

2009-03-10T01:28:00.008-03:00

A idéia do projeto "Arte em andamento" é ser um espaço de integração para que artistas mostrem suas produções, para que os que nunca fizeram arte tenham a possibilidade de experimentar e para que esse diálogo fomente novos trabalhos, novas possibilidades. Com direção e produção de Filippo Leandro e Jean Cândido, ele se preopõe um movimento de arte brasileira em diálogo com o mundo de forma independente, livre, sem censuras.

O espaço é aberto a quem quer se apresentar com música, poesia, literatura, teatro, cinema, artes plásticas e outras formas do fazer artístico. Os encontros acontecem em toda primeira e terceira segunda-feira do mês no Art Hostel Rio (Rua Silveira Martins, 135, Catete, Rio de Janeiro - RJ).

O blog do projeto disponibiliza o segundo episódio do "Programa Arte em Andamento", com os melhores momentos da quinta edição do encontro acontecida em 16 de fevereiro, na ocasião do "Dia de Hilda Hilst". Participaram da edição o Projeto Psyou, Fabiana Tolentino, Vinícius Castro, Raphael Vianna, Bruno Duarte, Cia. Aquelas e Duo 2x2.

O quadro "Andanças" apresenta uma matéria sobre o bucólico e inspirador Parque Lage e o que pensa o jovem artista plástico Raphael Couto sobre a arte atualmente.

Assista, leia e ouça

2009-03-09T19:59:00.007-03:00

Assista: Kika (Pedro Almodovar, 1993)

Leia: A sangue frio (Truman Capote, 1975)

Ouça: Best I e Best II (The Smiths, 1992)

Leia, assista e ouça é uma sessão pensada pelos membros do blog onde indicamos filmes, livros e cds que merecem a atenção de nossos leitores. Por ironia do destino, esta estréia não conta com nenhum lançamento, mas com certeza são obras que merecem ser lembradas, assistidas, lidas e ouvidas.

Sucesso milionário

2009-03-08T23:45:00.008-03:00

Com estreia na última sexta, "Quem quer ser um milionário?" lota salas há duas semanas

Marlon Maciel
Especial para o Jornal de Brasília

As pipoqueiras do Cinemark Pier 21 e de vários outros cinemas pelo Brasil funcionaram no limite das últimas duas semanas para cá. Duas funcionárias da lanchonete da rede de cinemas são testemunhas do rebuliço causado por um lugar na poltrona nas sessões lotadas do filme "Quem quer ser um milionário?", que estreou nesta última sexta.

Na sala de cinema à beira do lago Paranoá, a movimentação de pessoas que pediam coisas para comer, beber e beliscar durante as sessões foi intensa. A pré-estreia teve início no dia 20 de fevereiro, exatamente no fim de semana da premiação do Oscar, na qual o filme concorreu a dez estatuetas e levou oito.

Segundo as funcionárias Hellen Tavares, 24, e Cristiane Carvalho, 20, das duas sessões diárias, todas estavam lotadas. "Foi uma verdadeira loucura. O que a gente trabalhou! Meu Deus... Daria para ficar milionária!", brinca Hellen, que acompanhou uma das sessões. "Assisti por curiosidade, já que todo mundo estava assitindo. Então, pensei: também vou assistir porque deve ser muito bom! Achei muito linda e interessante a história. Adorei!", revela do outro lado do balcão.

Dirigido por Danny Boyle e inspirado no livro "Sua resposta vale um bilhão", de Vikas Swarup, "Quem quer ser um milionário?" narra a saga de Jamal, um garoto pobre de uma favela de Mumbai (Índia), que serve chá em uma companhia de telemarketing e tenta reencontrar, desde a infância, a sua amada Latika.

O adolescente vira celebridade ao participar de um programa de TV similar ao Show do milhão brasileiro, no qual pode ganhar 20 milhões de rúpias. A polícia, no entanto, suspeita de fraude. Esta é a trama central da produção do Reino Unido ambientada na Índia, com elenco e grande parte da equipe indianos.

Prazer, felicidade, esperança

A professora da rede pública Fátima Laport, 43, diz acreditar que o Oscar contribuiu para a lotação das salas. Entre outros muitos prêmios anteriores, "Milionário" levou as estatuetas de melhor filme, diretor, roteiro adaptado, fotografia, edição, trilha sonora, canção e mixagem de som.

"Os prêmios da Academia são de caráter comercial também – embora tenha mudado um pouco o conceito do que seja um filme de arte. Acredito que o Oscar influenciou muito", constata Fátima. A professora conta que um dos motivos de ter ido ao cinema foi o diretor Danny Boyle, já que acompanha a carreira dele há algum tempo. "Vejo qualquer filme dele que seja lançado", completa. Bolyle também dirigiu longas como "A praia" (2000) e "Trainspotting - Sem limites" (1996).

O apelo em relação ao desejo de ficar rico da noite para o dia também poderia ser especulado como um dos atrativos do filme. "De repente seja um dos temas da procura. Mas acredito que não seja tão preponderante", comenta Fátima.

A temática do filme foi o segundo motivo que levou a professora ao cinema. Cinéfila de carteirinha, ela afirma ter acompanhado as polêmicas despertadas pelo filme que dividiu crítica e público. "Houveram comparações do filme com 'Cidade de Deus'. É uma espécie de 'Cidade de Deus' sim, com final de 'Cinderela', de love story", avalia. O próprio diretor Danny Boyle já admitiu ser um grande admirador do filme do diretor Fernando Meirelles.

Fátima também elogiou a montagem e a trilha sonora do filme que presta homenagem à Bollywood. O compositor indiano A.R. Rahman saiu da festa com dois prêmios, por trilha sonora e canção original. A trilha inclui a participação da cantora senegalesa Mia. Integra a trilha sonora do longa a canção "Paper planes", que chegou a concorrer na categoria "melhor gravação do ano" no último Grammy.

"O filme transmite algo que muitas vezes a gente procura no cinema, que é o prazer, a felicidade, a esperança". Perguntada se o diretor a decepcionou nesse trabalho, a professora é categórica: "De jeito nenhum. Ele experimenta os estilos. Cada vez que ele faz um filme, ele imprime um estilo completamente diferente dos demais. Eu acho que ele foi ótimo nesse".

Sonho universal

2009-03-08T23:39:00.005-03:00

Como estratégia, as pré-estreias de "Quem quer ser um milionário" foram programadas para começarem no fim de semana em que aconteceu a entrega do Oscar. Além de ser o filme que mais prêmios ganhou na ocasião, sua bilheteria nos EUA e em todo o mundo tem surpreendido. Segundo Maneco Siqueira, assessor de imprensa da distribuidora Europa Filmes, o filme de Danny Boyle teve orçamento minúsculo para os padrões de Hollywood (apenas 15 milhões de dólares) e já faturou, apenas no mercado americano, mais de 160 milhões de dólares nas bilheterias de todo o planeta.

Maneco garante que os oito prêmios ganhos pelo filme no Oscar também exercem influência sobre a audiência. "O Oscar é um prêmio que é visto e falado por milhões de pessoas em todo o mundo. Aqui no Brasil não é diferente. Comercialmente, ganhar muitos Oscars, cria muito interesse sobre o filme".

Em relação às estatísticas de pré-estreia, Maneco afirma que o filme foi visto por mais 242 mil espectadores (até 03/03). "Temos a expectativa que o filme seja visto por mais de 1.500.000 de espectadores", relata. Segundo o assessor, uma curiosidade é que "Milionário" será o maior lançamento de um filme em exibição digital no Brasil (entra em 48 salas de cinema) e foi a maior pré-estréia também nesse tipo de exibição (45 salas de cinema).

"As pessoas, acima de tudo, torcem pela sorte de Jamal, um menino que cresceu na favela, perdeu a mãe num acontecimento traumático, teve que enfrentar todo o tipo de perigo na vida e agora é um ídolo nacional, que concorre a um prêmio milionário", resume a expectativa do público. Segundo o assessor, ser milionário é um sonho universal do homem.

"Milionário" conta uma bela história de forma muito criativa e interessante. As pessoas torcem pelo amor de Jamal e Latika, uma garota que passou por tudo o que ele passou. Eles têm a oportunidade de mudar de vida", diz. Para Maneco, a história de amor que o filme carrega é um dos principais motivos do êxito do filme pelo mundo. "Quem não quer viver uma grande história de amor?", finaliza.